arpa aeolia

シュナーベル版のベートーベン

Sat, 30 Jan 2010 12:34:05 +0900

H先生のレッスンにて。曲目は31番。
私はヘンレを使うが、シュナーベル版とアラウ版を比較しながら進めた。
これらの楽譜は、今は高すぎて、なかなか買えない（3分冊で、各1万円もすると、厳しい）が、
よく考えれば、園田高広エディションの1曲1,000円と同程度ではあるし、誰もが参考にする楽譜ではあるから、
一度奮発して買ってもよいのかもしれない。

冒頭の3小節目にtranquilloを入れていたり、
シュナーベルの楽譜は、本当に指示が細かい。
楽譜から、これほどまでに音楽を感じることができたのか、と思うと、頭が下がる思いがする。
もちろん、ベートーベン自身の楽譜も非常に緻密で、フレーズや音価の一つひとつに意味がある。

フランソワは、「ベートーベンの音楽が如何にくだらないかを示すために、
私は三大ソナタの録音を行った」といったそうだが、
私も確かに、ベートーベンのsubito pianoの処理を、楽譜通りに行うのは違和感を感じる。
しかし、シュナーベル版もアラウ版も、subito pianoの直前にフォルテの記号を補って、
ベートーベンの様式を守るように強調している。

シュナーベル版の特徴は、曲想が変わるとテンポ指定が細かく変わる所である。
最後のフーガは、自分ではインテンポで弾いているつもりが、♩60から♩80ぐらいまで、どんどん加速する。
加速しないと遅く聞こえてしまうのである。

しかし、そうすると、ト短調の嘆きの歌の後で、「フーガのテンポに戻る」という指定が、
どのテンポに戻るか、というのが問題となる。
H先生は、シュナーベルの説とは異なり、♩60に戻ってから♩80に再度上げていくのが良いとおっしゃっていた。

しかし、こういう分析をやると、感動を生むか、というと、必ずしもそうでもないと思う。
歌心と分析、そして運動機能の結合は、奇蹟的な出来事であるかのようだ。

バッハ「イギリス組曲」1番

Sun, 24 Jan 2010 22:47:37 +0900

アメリカ人ピアニスト、マライ・ペライアの演奏ですっかり魅せられてしまいました。
夏の別荘、テラスで静かに微笑む貴婦人、
あるいは、向日葵畑に佇む麦わら帽子の少女。

これほどまでに人を幸せにする演奏が、この世にあるのか、と思います。

「イギリス組曲」の名前の由来は、バッハの伝記を書いたフォルケルによるものですが、

曲はあくまでフランス的な伝統に基づいています。

バッハが素晴らしいのは、和声の響きと複数の旋律の美しさ、

タテの糸とヨコの糸のバランスを組み込んでいる点にあります。

ペライアは、不運な指の怪我で数年間のブランクを余儀なくされた間、

バッハの音楽を研究して時を過ごしたと言います。

復帰後、録音した「イギリス組曲」、そして「ゴールドベルグ変奏曲」の

あまりの素晴らしさに、世界は度肝を抜かれました。

他にも素晴らしいバッハ演奏者は大勢いらっしゃいますが、

もはや、グールドは過去の人になった、と言っても、過言ではないと思います。

自分のピアノ練習ということになると、やはり、バッハが一番勉強になります。

きれいな響きを作るためには、前の音と次の音との音量の関係を

きちんとコントロールしなければなりませんが、どの指であっても、とても難しい作業です。

親指は不器用であるがため、人差指は器用すぎるため、3-5の指は、独立していないため…

でも、この点に気を付けているかどうかが、アマチュアとプロの境目の一つであるように感じます。

「耳を鍛える」とか、「自分の音を聞きなさい」とは、もちろん全ての先生がおっしゃるのですが、

具体的な方法論が示されないと、なかなか改善されませんし、そうなると、先生の方が諦めて、

何も言わなくなってしまう、ということが、良く起こっているような。

自分の音を聞く、ということは、全ての人にとって、一生の課題だと思いますし、

曲の全部に渡ってきちんと聞き続けるのは、常人には、ほぼ不可能なことだと思います。

イギリス組曲は見つかりませんでしたので、別のペライアのインタビューを張りました。

ステージでのペライアは、どうも好調・不調の波が激しい、

というより、明らかに鍵盤をたたいているし、ミスタッチもたくさん出してしまうこともありますが、

録音で聞く限り、常に最高の演奏です。

その辺の所も、少しインタビューでは語っておられますね。

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アゴーギグとデュナーミク

Sat, 16 Jan 2010 00:34:14 +0900

音楽とは、アゴーギグとデュナーミクである、との教えを、これまで多く受けてきた。

小さいフレーズ感とリズム感を重視する人もいる。
和声の移り変わりを味わうことを重視する人もいる。
繰り返しを避けて、細部を作りこむことを重視する人もいる。

しかし現在のところ、ヨーロッパの音楽を日本人がやる上では、
建造物を「構築」するが如き、正確なリズムと、和音の響きが、特に重要ではないかと思う。

最初、北川先生に「音が鳴っていない」と言われた時に、どうしても意味がわからなかった。
その曲の持つ本来の響きになるには、音の出方が足りない、ということだったのが、今になってわかる。
特にロマン派について、「メロディー以外の音は響きを作るだけだから、いい加減に弾いて良い」
という先生もいらっしゃるが、全てを歌に不可欠な要素ととらえて、古典派のように一音たりとも
おろそかにしない正確な奏法が、本当の感動を生む、ということだ。

北川先生は、「真の演奏家は、ルービンシュタインやバレンボイムだ」とおっしゃった。
ホロヴィッツは自分の弾きたいように弾いて、一部に熱狂的なファンがいる。
しかし、彼を認めない人も多い。
ルービンシュタインは全ての音を正確に弾き、なお美しい。
インテンポで楽譜通りに弾き、ごくまれに、感興が高まる場面で、ごくわずかに、とても美しい色をつける。
熱狂的なファンはいないが、誰もが良いと認めるピアニストである。

コンクールの場面でも、ルービンシュタイン的な演奏は
コンクールでは、審査員が全員認めないといけないため、アクの強い演奏は、なかなか残らない。
かつてコンクールに出た時、点数自体は最高点だったが、選に漏れた経験がある。
その時は、師事していた先生の解釈通りに細部まで様々な工夫を凝らした演奏であったが、
それを大いに好む審査員もいたし、嫌った審査員もいた。
その時に選に残ったピアニストは、バラード4番をインテンポで、ていねいに弾いていた。
当時の私は、ずいぶん個性のない、つまらない演奏だと思ったが、今になって、
彼の演奏の素晴らしさが分かる。

コンクールに通るためというわけではないが、
ヨーロッパの「構築」の哲学が馴染んでいない日本人（私だけかもしれないが）は、
まずは後者を突き詰めてみる努力が必要だと思う。

受賞コンサート

Wed, 13 Jan 2010 00:36:34 +0900

全くの軽い気分で受けたオーディションでしたが、
無事入賞し、受賞コンサートに出させていただきました。
大人の出場者は決して多くはないのですが、審査員の方も出場者の方も、
真剣に臨まれているオーディションでした。
来年度は反省して、万端の準備で臨みたいと思います。

コンクールではとても緊張しましたが、この日は、メンタルリハーサルの成果と、
ホールスタッフの皆様の温かいはげましで、全く緊張せず舞台に出ることができました。
でも、この演奏に先生が来ているとか、何かが懸っていたなら、たちまち緊張していたでしょう。
何もない演奏会だから気楽でいいや、と思ったわけではありませんが、
自分の浅ましさに、嫌気がさすこともあります。

前日からイメージしていた通り、舞台に出てから初めの一音まで、すべてシュミレーション通りに動きます。
他の出演の皆様も、ほとんどの方がそうしているようです。

でも、やはり筋肉が硬くなっているようで、イージーミスが出ます。
適度な集中・緊張と、硬くなってもミスを出さないコントロール術が、課題と思いました。
本番では、手まで意識が行かず、トランス状態になってしまうことが良くあります。
無意識にも弾けるぐらいの準備は当然するのですが、博打を打つことになるし、ミスから逃れられないような気がします。

エオリアン・ハープは、1テンポ早く出すぎて、前半5小節目と、最後のアルペジオ44小節目で引っかかりました。
コンクールなら、この時点でアウト。

舟歌は、3-4小節目の左手が均一に弾けず、これもコンクールならアウトだなあと思いつつ、
小ミスを重ねながら、なんとか最後までたどり着きました。
指を一つひとつ動かしている、という感覚を本番でもち続けられるかどうかが、課題です。

私の演奏を応援して、本番にいつも聞きにきてくださる方がいます。
どうでしたか、と聞くと、「エオリアン・ハープ、こけましたね」と一言。
「舟歌はどうですか？」
「普通」

うう、厳しい…。
でも、お世辞で褒めて頂いてところでどうしようもないことなので、
きちんと聞いていただけるのには本当にありがたく思います。

練習仲間のhimitsuさん（受賞常連さんでした。恐るべし）には、
「柔らかい音で良かった」と言って頂きました。

まだまだですが、ホールで良くなる音は、少しずつ作れてきたように思います。
厳しい世の中ですが、今年も１年、音楽の勉強を続けられる幸せに感謝しながら、
一歩ずつ、前に進めれば。頑張ります！

本番前の練習

Sun, 10 Jan 2010 20:23:18 +0900

明日は本番のため、少し時間を取って練習しています。

曲目は、ショパンの「エオリアン・ハープ」と、「舟歌」。

まずは、メンタル・リハーサルを行った後、体の動きに意識を集中して、実際に触ります。
おとといリハーサルで直した部分は、だいぶ体に沁み込んできました。
舟歌はまださらい方が不十分なので、後半を中心に、あと一仕事です。

これまでは、「誰に何と言われても自分が正しいと思う曲を弾く」という覚悟が足りなかったな、と反省しています。
何が良い音楽なのか、自分自身でも良くわかっていなかったのも事実です。

自分らしい音楽というのは、ごく平凡で、当り前なもの。
何も変わったことはありませんが、その中から、本当の感動が生まれてくる、
そんな音楽を弾き続けるのが、ことしの、いや生涯の目標です。

北川先生との対話(1)

Fri, 08 Jan 2010 21:30:49 +0900

今日は携帯から書いています。

私｢音楽を知るとはどういうことでしょうか｣

先生｢よく、ベートーベンとモーツァルトは違うと言って、得意になって説明する人がいます。しかし、私には、リゲティもブーレーズも、バッハと同じです。｣

私｢どういうことでしょうか？｣

先生｢全て、同じ音楽だと言うことです。着ている洋服は少し違うかもしれない。でも、同じ人間のやることだから、そんなに変わるものではありません。｣

｢科学者は、分類が好きですね。まあ、確かにバッハに匹敵する人も、もっと下らない人もいるけれど、表面的な違いにとらわれず、何が音楽の本質で、何が一番大切なのか、頭の中でじっくり考える瞬間が、一番大切なことなのです。｣

先生のおっしゃることは、少しずつ変わっていきます。でもそれは、先生の思索が活きたものである証拠だと思います。
私がどこまで高みに上れるかは解りませんが、一歩一歩、進んでいければいいですね。

ツェルニーの効用

Wed, 06 Jan 2010 22:02:42 +0900

北川先生に、ツェルニーやハノンについて伺ってみました。
先生は、ツェルニーの校訂版を全音から出版されています。

私：
「先生は、良く、「あの人はピアノの基礎ができる、できていない」という言い方をされますね。
料理人が包丁を研ぐように、音楽をやる上で、純粋なテクニックを磨くことも必要でしょうか。」

先生：
「確かにそうですが、何を切るために包丁を切るのか、意味を考えなければなりません。
初心者で、関節がまだしっかりしていない人は、フォルテでしっかり弾く練習も多少は必要でしょう。
しかし、やりすぎてはいけません。」

私：
「筋トレをやりすぎると硬い筋肉になって、柔軟性が失われるようなことと、同じリスクがありますよね」

先生：
「高校生や大人に、フォルテで力いっぱいハノンを弾かせる先生がたまにいますが、馬鹿げたことです。
指を鍛える目的は、どんなピアノでも同じ音楽が奏でられるように、柔軟な筋肉を作ることです。
だから、私も時々、ピアニッシモやノンレガートで、ツェルニーを弾きます。
ツェルニーは、音楽性は乏しいから、うまく弾いたって、人前で自慢するわけにはいきません。
でも、単純な分だけ、自分のテクニックを確認しやすい意味があります。」

上達すると、指の単純なテクニックを軽視しがちですが、やっぱり大事ですよね。
でも、バッハや曲の練習でも確認できることなので、あんまりやりすぎない方が、いいかもしれないです。

私は手が大きいですが、手が小さい人は特に、肘の柔軟性が鍵になるみたいです。
手が小さい人が、良く小指を一杯一杯に伸ばして遠い鍵盤を弾こうとしているのを見ますが、
指は、なるべく鍵盤に対して斜めに入らないようにしないと、ちゃんとコントロールできません。
そのためには、肘の関節、もっと言うと、脇の下の筋肉の柔軟性が重要です。

なかなか自分では気づかないので、先生に質問してみるか、
ビデオを取って研究したりするとよいかもしれませんね。

初レッスン　目のくすり

Wed, 06 Jan 2010 00:03:48 +0900

N藤先生の、今年初レッスンでした。
体全体が歌からできているピアニストです。

「エオリアン・ハープ」は、本ブログの題名にもなっています。
シューマンが、ショパンの演奏を聴いて、「エオリアン・ハープのようだ」
と言ったところから、この名称がつけられたとされています。

好きな演奏はルービンシュタイン。
ちょっと残念な演奏はシフラ。

・初めのアウフタクトから次の小節の一音目は、体を切らないで、続ける。
聴衆は、視覚的に音楽を聴いてしまう。

・2小節のフレーズより、8小節のフレーズを意識する。2小節の終わりでritしない。
出だしの2小節は、祈るように。高揚しすぎている。
オルゲンプンクトを、強調しないよう。

・対旋律の所は、左手を出しすぎないように。そっと歌う。

・C Dur - E Dur - A Durの転調、色の移り変わりを奇麗に。

・クライマックスの所も、Esのオルゲンプンクトを強調しすぎない。

・44小節目のアルペジオはpp。

いろいろな先生にいろいろな解釈を聞きましたが、
どうも音楽を作為的に作りすぎる傾向があるように思っていましたが、
今回直していただき、とても納得しました。

舟歌は、ショパンの最高傑作のひとつ。
ショパンは、「二人以上の前で弾いてはならない」と言ったそうです。
美しく物悲しい追憶の歌。
古い旋法、古いポリフォニックな書法を用いた、
バッハへのオマージュというべき作品でもあります。

好きな演奏は、ツィメルマン、コルトー、ペライア。
と思っていたのですが、良く聞くとどの演奏もちょっと変な気がしました。
自分の音楽が固まってきた、ということなんでしょうか。

舟歌は、本来8分の6拍子で、5拍目にアクセントが来ますが、
この曲は8分の12拍子と4拍子系なので、8分の3拍子の各拍頭に
軽いアクセントをつけるよう指示がありました。

・全体に、ソプラノをもう少し歌う。アルトと音質を変える。
・中間部、転調を十分に意識する。
・フォルテは、興奮しない。響きを重ねていく。
・経過音を用いた転調を十分に感じて、歌う。
・ポリフォニーは、動いている声部を出す。

明日は、北川先生に見ていただいて、藤沢でリハーサルです。