～良寛、芭蕉、貫之、定家の自然観～

 

 

 

サブタイトルがいいですね。自然観…自然とは何か？

 

普段の生活では「天気イイね～よかった！」ってコトぐらいかしらね…

 

 

 

 

著者：安田章生

出版：創元社

 

 

 

この本の中で、『日本文化の中で最も発展し充実した思想を残してるのは詩歌論の世界である』と記されているようです。

 

著者はこの一冊に大きな影響を受けたそうです。

 

 

 

20世紀のアメリカ現代アートの魅力により、ニューヨークで個展を開いたそうです。

 

しかし日本の美、岩絵の具は捨てなかった。

 

結果、有力美術雑誌の表紙、全米ネットと取り上げられたみたいです。

 

『フラットウォーター』

 

 

 

46億年の時の流れを封じ込めたこのシリーズ。いったい、何が評価されたのか…

 

まずは驚き！

岩絵具という材料、黒と白の綺麗さ。

 

次に『余白』

西欧では塗り残しという概念、しかしそこに重い意味がある。

 

 

 

著者は生命誕生を暗示する雲や水を、果ては宇宙空間を『余白』に託したそうです。

 

「分かりにくい」日本文化が認知された瞬間だったと振り返っています。

 

本人にとっても驚きだったそうです。

 

 

 

その後、改めて日本の名作を振り返り、『再発見』ではない、また新しい『日本美発見』をします。

 

良寛『窮谷有佳人』

 

 

 

著者には文字と文字の『余白』が、冬に雪景色に枯れ枝がささって、一つの風景を感じています。

 

 

 

ニューヨークに住むことは世界に住むことと同じみたいです。

 

世界中の人種がいるからだというコトです。

 

その中で日本語でモノを考える内は日本文化。誰でも、世界中どこにいても日本文化である。

 

 

 

凄いことに、著者はゼロから日本文化を勉強し直します。

 

その中の一つが松尾芭蕉『笈の小文』だったそうです。

『水が流れたら、流れた形そのものに美を見いだそう』とする自然尊重。

 

 

 

紀貫之『新撰和歌集』の『花実相兼』、表現と内容の完全一致。

 

 

 

歌論書『毎月抄』の藤原定家は、『心と詞』、技術と内容の一致を提言しているようです。

 

 

 

さらに多くの影響を受け、著者は誘われるように、導かれるように…

 

『ウォーターフォール』にたどり着きます。

 

 

 

 

 

 

 

 

ドナルド・キーンの言葉に『美的感動は瞬時に神を体験すること』とあるそうです。

 

 

 

著者が人類史上最高レベルに達している、と感じていらっしゃる中国、宋の時代

 

水墨画の美は宗教に近く、描かれたものは『宇宙の真理』『神の肖像』だとおっしゃっています。

 

 

范寛『谿山旅行図』

 

 

 

著者は、いくつかのコトを学んだそうです。

 

風景は雰囲気ではなく、認識の記録である。

 

迷いなく、信じるモノに向かっている。

 

言語、思考、感情も介入する余地がないのかもしれない。

 

それは時代、民族、思想さえ超えてゆく。

 

そうさせるものが『美の正体』である。

 

 

 

 

郭煕『早春図』

 

 

 

多くの方々が水墨山水画の頂点、とする作品です。

 

 

 

ダイナミックな世界、緻密な建物、働く人々が描かれ…山が霧に隠されて…

 

それがはるかに迫力あるものを伝えているのです。

 

日本でいう『幽玄』『余情』、これらは日本だけのものではないのですね。

 

 

 

滝、雪解け水、冬枯れの木が葉をつけ、活き活きとした春の訪れ。

 

繰り返す生命感、三次元的広がり…

 

壮大なイメージは、地球という形を借りて宇宙そのものの創世を描いている。

 

 

 

そのように著者は感じていらっしゃいます。

 

 

 

 

梁偕『雪景山水図』

 

 

 

余白の美。

 

雪が降り出しそうな曇った空、夕暮れの寂しさ…『さび』なる概念の究極の姿。

 

 

 

『わび』『さび』の感覚は世界中どこにでもある価値観、あらゆる壁を超えて人々に伝わる。

 

著者はそうおっしゃっています。

 

 

 

 

 

今、窓から雪の富士山が見えています。

 

中腹に雲がかかり裾の広がりを隠しています。

 

ちょっと感傷的になってしまうのはなぜでしょう…

 

 

 

 

 

～モネのさまざまな睡蓮～

 

人工的な庭を描かれていたモネの辿り着いた先を、著者が語っていらっしゃいます。

 

 

 

イーゼルを外に持ち出し、キャンバスにものの印象を素早く移したモネ。

 

ポール・セザンヌに「モネは目にすぎない。しかしそれはすごい眼だ。」といわせたそうです。

 

著者は、その色は再現的なものではなく、『観念』の色だとおっしゃっています。

 

 

 

屋外で葉を見ながら描いたなら、パステルトーンの水色を選ぶことはまずない、とのコトです。

 

アトリエ内で脳の中で考えた色、空虚感さえ感じる、とのコトです。

 

モネの大きなアトリエは、自身の脳の中の実験室だと感じていらっしゃるそうです。

 

 

 

モネの自宅には数多くの浮世絵が飾ってあり、庭園には睡蓮の浮かぶ『水の庭園』が作られているようです。

 

６人の庭師のうち、１人は睡蓮をモネが望む位置に植生させ、世話をする為に雇われたそうです。

 

 

著者は庭園と浮世絵に『虚』という共通点を見出していらっしゃいます。

 

庭園とその外の見事なフランスの大自然、左右逆に印刷される輪郭線だけの版画。

 

 

 

『虚』すなわち『空』『無』、東洋的空間意識の『余白』に近いものをかんじていたのでは…と著者は考えています。

 

 

 

白内障で視力が低下していくモネは、そのモノの『実』の色を感じていくのです。

 

 

 

光とは…赤、黄、橙、茶色なんだと。

 

その時から作品が変わります…

 

 

 

失明の恐怖の果てに五感で感じる世界、『私は生きている！』という世界の迫力。

 

『生きている』喜び

 

『見ることができる』幸せ焦り

 

モネはその苦悩の中で晩年を過ごします。

 

 

 

『実』とは『生きている』そのものではないか、というコトです。

 

 

 

著者は『20世紀西洋美術が到達しうるかもしれない最大の境界線を超えかかっていた』とおっしゃっています。

 

 

 

網膜の手術を受けながら世を去るまで、モネは描き続けます。

 

 

 

２枚の『アイリス』と

１枚の『バラ』

 

 

 

それらの共通点は水面という鏡の世界ではなく、空を見上げているそうです。

 

 

 

葉のこすれる音が聞こえそうな緑、本物のようなバラの色、鮮やかなブルーの空。

 

生き生きと、のびのびと、生きている喜びに満ちて描かれているそうです。

 

 

 

著者は東洋絵画から受ける印象と、全く同一のものを感じています。

 

『空』は虚、実の向こう側に存在し続ける。『空』は宇宙そのだというコトです。

 

モネはまさに死の年、虚と実を超えた、としています。

 

 

 

 

誰しもが経験があるのではないでしょうか？

 

生死、とまでいかなくとも、今まで悩み、ふさぎ込み、下を向いて生きていたコトが。

 

あるちょっとしたキッカケで、目の前がパーっと開け、明るく吹っ切れるコトが。

 

まるで悟りを開くような～

 

 

 

その時、生きる力がふつふつと湧いてきますよね～

 

何であんなコトで悩んでいたんだろ…ってね。

 

 

 

それは真剣に、誠実に悩んだ証拠です。それも生きているってコトですね。

 

逃げないで何とか生きようと、懸命にもがいた証拠です。

 

突破出来るキッカケはいつ、どこから来るか分かりません。

 

けど必ず助けはやってきます。

 

突破したら、今度はもがいている近くの人の助けになってあげましょう。

 

 

 

偉大な芸術とは『助けてくれる力』があるものです。

 

 

 

 

初めに、世界の東西において『人間は皆同じ』というコトについて、書いてあります。

 

 

 

砂漠で、遊牧民の男がもてなしてくれた紅茶、それが千利休の考えた茶会の意味を感じさせてくれた。

 

音楽や花がもつ『美』は、国境や民族、宗教、思想をも超えて『感動』をあたえてくれる。

 

『何か』をあたえる美的体験、それが『芸術』であり『美』なのだと。

 

同じ人間だからこそ伝わるのであり、違う人間という発想の先は戦争である。

 

 

 

著者はそのようにおっしゃっています。

 

 

 

 

次に、過去の人間からのメッセージとして『アルタミラ洞窟壁画』についておっしゃっています。

 

 

 

そこには狩りの目的ではない動物、その時代に生きていなかった動物が描かれていたそうです。

 

動物の形をした石の上に、彩色されて様々な方向から描いたモノだそうです。

 

 

 

『描く』という行為が未知との交信、天体を支配する超自然とのコミュニケーションであり、神の領域であった。

 

 

 

その後、よりソックリに描き込まれ…『描く』ことが単独で誕生したそうです。

 

『見るための絵』を『見た』…それが喜びの感情だった。

 

 

 

古代ギリシャのホメロス曰わく、『芸術とはそれを人に知らせたくなる行為』と定義してるそうです。

 

 

 

神の領域から、人間の領域での『美』の誕生。

 

人間が『美』をつくったのではなく、美しいと感じる『心』が人間をつくった。

 

 

著者はこの様におっしゃっています。

 

 

 

 

 

 

私がアメリカに渡った頃、全く英語が話せませんでした。

 

でも子供達とはすぐに仲良くなりました。一緒に遊び、大笑いしたものです。

 

国、言語、年齢、宗教、人種、全て違いましたが心が通じ合い、友達でした。

 

大切なモノは失いたくないものです。

 

千住博の美術の授業Ⅱ

『美は時を超える』

出版：光文社新書

著者：千住博

 

 

 

この本は『絵を描く悦び』の続編として書かれたものです。

 

美を鍵穴に『芸術とは何か』を語ったモノです。

 

 

 

１つの芸術作品には何かしらメッセージが、テーマがあるのですね。

 

それは直接的だったり、隠れていたり…

 

 

 

私にとって『美は時を超える』とは、普遍的なモノに他ならないと感じるのですが…

 

『われわれはどこから来たのか われわれは何者か われわれはどこに行くのか』ゴーギャン作

 

 

 

 

 

著者はいったい、どう感じていらっしゃるのでしょう～

 

 

 

 

悲劇『ハムレット』をかいた、かの有名なシェークスピアです。

 

 

発表当時から、今なお古今東西で愛され、繰り返し演じられています。

 

 

 

解釈も様々です。

 

 

 

『ロシア演劇界の王様』といわれるスモクトノフスキー。

 

映画『ハムレット』で世界に知られました。

 

モノローグは詩

軽やかな演技

明確な行動

 

繊細な独りの青年、イマジネーションの中に生きる本物の感情。

 

 

 

舞台でスモクトノフスキーは『ハムレット』を何度も演じ、それを映画にしました。

 

 

 

最後にホレイシオによって語られます。『おねむりなさい。優しい優しい王子様』

 

また『この惨劇を繰り返してはならない。』

 

 

 

二つの家庭の全員が死んでしまう、欲望から始まった悲劇。『死の連鎖』

 

死は死を呼ぶのです。

 

 

 

ハムレットは『何も知らぬ優しい子供』としてかかれています。

 

子供が、大人の欲望の渦に巻き込まれていきます。

 

心が引き裂かれても、必死に行動しようと考えます。

 

ハムレットは常に積極的に行動しているのです。

 

けど『死の連鎖』は止められない。

 

 

 

争いは大人の欲望から始まります。

 

争いに勝者も敗者もないのです。

 

争いに巻き込まれるのは子供達です。

 

 

 

400年前にかかれた『ハムレット』とは、そんなメッセージが込められているのではないのでしょうか。

 

 

 

 

 

 

とてもゆったりとした時が流れる空間です。またその建物も趣がありますね。

 

三井家の茶道具など、利休にまつわるものも多く見受けられます。

 

 

 

黒楽茶碗『俊寛』長次郎作

 

 

日本で発展してきた道、『茶道』しかし東アジア各地から集められた器などが多く在ることに気付かされます。

 

 

 

御所丸茶碗 朝鮮王朝

 

 

 

どちらの作品も強烈な存在感を放出しています～!!

 

これらの前では、足が動かなくなってしまいます…

 

 

 

『茶の湯』とはただお茶を飲むことと知るべし

 

日常の楽しみ、日常的な美、不完全さの美、主客一体、一期一会。

 

表面的なものではなく、『できる限りの心のもてなし』その美しさ。

 

 

 

利休は最後の10年間で茶道を確立したといわれてますね。

 

利休自作の茶杓…とても質素なモノでした。

 

 

 

美、とまで言わなくても…自分が本当に『豊か』と気づいたとき、幸せなのかもしれませんね。

 

 

 

 

 

 

人間国宝であり虚無僧尺八の流れをくむ方です。

 

曲名『巣鶴鈴慕』は惑星探査機ボイジャーに、地球紹介の１つとして収録されているようです。

 

 

虚無僧尺八は厳しさ、荒々しい男性的と評されるコトが多いみたいです。

 

しかしこの方、とても柔らかい音をつかわれるのです。優しさ、情、弱さ、淋しさみたいな。

 

 

 

私と尺八の世界を近づけてくれた曲『鹿の遠音』

 

 

 

初めて聞いた時、ウオッ!!

 

 

 

その情景がハッキリと目に浮かぶのです。

 

ドストエフスキー『白痴』の中の、もっとも長いモノローグの世界感でした。

 

 

 

人の五感は繋がっています。音楽を聴けばイマジネーションが働きます。

 

心の目で景色をみて、心の肌で季節を感じ、心の鼻で香りをかぐのです。

 

過去の経験を思い出すコトもあるでしょう。

 

 

 

そういう芸術によって、我々は癒されますね～

 

 

 

イマジネーションの力は無限です。遠い大切な人と一緒に過ごしたりするコトも可能性なのです。

 

 

 

人がその人のコトを考えなくなってしまったら、その人は消えてしまう。

 

人がその人のコトを考えているうちは、その人は生き続けるのです。

 

 

 

 

 

 

最終章です。

 

 

 

日本画を選んだのはなぜか？

日本画における素材とは？日本画のエネルギーと可能性。

 

 

 

そのジャンルとの出会い、素材を愛し、100％活かすコトが大切とおっしゃっています。

 

その中で、自分だけの技法を見つけるというコト。

 

またテーマが、同じ人間であるゆえ自分の本当の心の叫びであるコト。

 

 

 

それが、インターナショナルへ繋がっていくというコト。

 

 

 

次に『墨』という素材にふれられています。その深み、やわらかさ。

 

その素材の本当の声を聞くことで、著者は再び『墨』にむかったとのコト。

 

 

 

最後に、著者は『絵が大好き。絵が捨てられなかった。絵がなくては生きていけない。それが私の悦び。』

 

と、結んでいます。

 

著者は繰り返し、『人間は皆同じ』とおっしゃっています。

 

表現すら似たようなものになると。その切り口が違うのだと。

 

 

 

古典が現在に残るのは、どの時代、どの場所でも共感でき理解されるからなんでしょうね。

 

だとしたら、同じ現代、同じ国にいるだけで、より共感しあえる共通点があるのではないでしょうか。

 

 

 

かつて私の先生はおっしゃっていました。

 

『私はただ伝えるために存在する。その声を次に伝えるために。』

 

受け継がれた『古典の声』それを聞くことから始まるのですね。

 

 

 

人間の脳は５％ぐらいしか働いてないのだそうです。

 

天才は７％ぐらい。

 

残りの働いてない部分は『聞くこと』の能力だとの話です。

 

 

 

受容、感受性、気付き、悟り。

 

人間は自ら発信するのではなく。

 

他から与えられたエネルギーを受容し、自分を通して次にエネルギーを放出するのです。

 

 

 

食物連鎖の枠を越え、地球その全てのエネルギーを得ている人間は、いったい何の為に生きるのでしょうか。

 

絵を描く道具のことです。

 

著者は「人は道具でものを考える。その道具の幅でしかものが見えない。」とおっしゃっています。

 

色んな道具、ブラシ、櫛、身体を使うことで、時空の境界線を越えられるとおっしゃっています。

 

 

 

ただ…

 

 

 

著者は大学時代、先生より「筆一本で勝負しろ」と言われ、筆の可能性を模索されたそうです。

 

結果、どんな道具を使っても『絵の本質を見失わない』というコトを身に付けられたとのこと。

 

 

 

すべての基礎を養うものとして『鉛筆』『デッサン』をあげられています。

 

鉛筆を手にとり、五感で観察して描く。

 

それにより、人類普遍的な美、バランスのとれた自然の美が養われるようです。

 

 

 

あと、とにかくアトリエに入るコトとしています。描けない時も、他の誘惑に負けそうなときも…

 

絵とはその瞬間の感動を描くものと、おっしゃっています。それはいつ、何時くるか分からないと。

 

 

 

芸術は自分自身との対話。神の領域、完璧への挑戦。とおっしゃっています。

 

 

 

その第一歩がアトリエに入るコト。

 

著者は今でも朝７時に、アトリエに入るそうです。

 

 

 

 

私がとてもとても尊敬する方、元帝国ホテル顧問の料理人、村上信夫さんがおっしゃっていました。

 

『とにかく１日１時間でもいいから毎日続けること』

 

 

 

この方、あるインタビューの最後におっしゃるんですね～

 

『私は料理が好きなんです！ええっ。好きなんです！』

 

 

とてもとても、イイ笑顔ですね～

 

私が人生の迷子の時、それを聴いて泣いてしまいました～