これはイリヤンが生徒さんたちによく言っていることです。

どれだけ音楽に情熱を注いでいたとしても、演奏すること、歌うことは、私たちの人生の一部に過ぎません。

音楽家としての自分以外にも、母として、娘として、妻として、社会人として、人生には背負っているものが多くあります。

音楽家として成長していきたいと思うのであれば、人生を全体で捉えて、考え方、心との向き合い方までを学んでいかなければいけません。

体の使い方と同じくらいに、思考の使い方も大事だということです。

人生にはいくつものマイルストーンが存在しています。

マイルストーンとは、人生でクリアしていかなければいけない課題のようなものです。

それは比較的簡単にクリアできる小さなものから、クリアできなければしばらくそこに留め置かれるような大きなものまであります。

音楽を学んでいく過程でも、このマイルストーンは現れます。

一見すると、ただ伸び悩んでいる状態にも思えます。

練習方法を見直したり、試行錯誤して前進を試みるも、どうも抜け切れない。

そういうときは、音楽以外の部分が深く影響していることがあります。

中でも、恐れや不安が自分の成長を止めている、というのはよくあることです。

ではその原因はどこから来ているのか？

親との関係かもしれません。

学校で受けてきた教育の影響かもしれません。

人間関係が影響してるかもしれません。

一人の人間の中には、知らず知らずのうちに親から引き継がれた思想や感情、学校で刷り込まれた価値観や概念など、多くの影響が積み重なって存在しています。

「自分が評価されなかったとき」

「自分が理解されなかったとき」

「自分が敬意のない扱いをされたとき」

そんな出来事をきっかけに、不安や恐れ、無価値観、罪悪感などが呼び起こされて、心身にブロックが掛かることはよくあることです。

現代人の多くは多かれ少なかれ、心身にブロックを抱えて生きています。

心身のブロックが強力に作用すると、まずは体が自然に機能することができなくなります。

それだけでなく、思考を停止させ、感性を鈍らせることにもなります。

そんな状態で、自由に音楽を表現できるわけがないですよね。

音楽を感じたり、心地良く演奏したりできるわけもありません。

つまり私たちは、音楽を学ぶことと、この心身のブロックを解錠していくことの両方に取り組んでいかなければならないということです。

とは言っても、恐れや不安と真っ向から立ち向かって、それを取り去ろうとすることは無理があります。得策ではありません。

まず私たちが心を守る上でできることは、「人から理解されたい」という期待を手放すことです。

「人から理解されたい」という思いがあると、理解されなかったときの反応として、恐れや不安が出てくるからです。

自分の周りにひとりでも良いので、自分のことを本当に思って、理解しようとしてくれる人がいれば、それで良しです。

多くの人に理解される必要はありません。

そして、技術を磨いていくことです。

技術とは、自分を取り囲んでいる制限を取り払って、自分の内側からエネルギーを解放させるためのものです。

技術は、上手く演奏したり、速く演奏したりするためのものではありません。

あくまで自分を心地良く解放するためのものです。

「考え過ぎずに思いっきりやりなさい。間違ってもいいから。どんな音が出てもいいから。」

私がいつもレッスンで言うことです。

これは言い換えると、「リスクをとりなさい。」ということでもあります。

不安や恐れが強いと、リスクをとることができません。

そこで躊躇し続けると、不安や恐れが助長されて、さらなる悪循環を生みます。

いきなり大きなリスクをとる必要はありませんが、まずは思い切りやる、ということに少しずつ慣れていくことです。

中途半端に音を出したり、慎重になり過ぎたりしないことです。

リスクをとれるようになると、自分の中から自信が生まれます。

そして、不安や恐れが傍に追いやられていきます。

「思い切りやること」なしには、不安や恐れは拭えないということです。

もちろん、思い切りやるにはそのための方法がありますので、闇雲に思い切りやれば良いというわけではありません。

『音楽家には２種類の精神科医が必要だ。ひとつは一般的な医師。もうひとつは音楽と音楽家のことを理解している医師だ。』

これもイリヤンが言っていたことです。

私たちはそれほどに、複雑な世の中を生きているということです。

人から人へと受け継がれてきた伝統文化であるクラシック音楽を正しく継承していきたいという思いと、現代社会におけるビジネスとしてのクラシック音楽のあり方との間で葛藤することや、疲弊することはよくあることです。

度々顔を出す不安や恐れにも対処していかなければいけません。

ひとりで抱えきれないくらいの思いが押し寄せてくることはよくあります。

そんなとき、心が楽になる考え方を指導してくれる人がいたらどれだけありがたいことでしょう。

今日ここまで書いてきたことは、実際にイリヤンが私の生徒さんに話していたことの一部でもあります。

イリヤンはいつも生徒さんの、音楽面だけでなく、精神面のサポートもしています。

その人が全体で変わっていかなければ、音楽が変わっていくことにはならないからです。

『日本人音楽家が、上部の自信ではなく、内側からの確かで静かな自信を取り戻すことができるように指導していくことが僕の夢だ。』

これはいつもイリヤンが言っていることです。

IAMIアカデミーでは今後、「考え方や心との向き合い方」についてのクラスもオープンしたいと考えています。

最後まで読んでくださってありがとうございます😊

IAMIでは、期間限定で１回のみ無料で声楽レッスンを希望される方を募集しています。zoomでのオンラインレッスンです。

私が普段行っているレッスンはこんな方向けです。

• 声楽を学んでみたい初心者の方（１５歳以上）

• 自分の本当の声を見つけたい。

• 体の使い方、呼吸、発声技術を学びたい。

• 自分の声に合うレパートリーがわからない。

• 発声に不安がある。

• 歌っていて喉が疲れやすい。

• 昔はもっと伸び伸びと歌えていたのに。

• まだ２０代、３０代だというのに、もう声の老化が始まってる？

• レッスンで指摘されることがいつも同じようなことばかり。

• 人前で歌うとき極度に緊張してしまう。

• 表現力を磨いていきたい。

• 発音（ディクション）を良くしたい。

• ここから先、どのように歌を学んでいったらいいか分からない。

• 学生を終えて、プロの音楽家としてステージを上げていきたい。

• 音楽家として自分らしく、幸せを感じながら歌っていきたい。

• 音楽を心から楽しみたい。

• 今の自分を変えたいと思っている。

• 留学を考えている。

• 海外で歌っていきたい。

• コンクールを受けたいと思っているけれど、準備の仕方が分からない。

• 指導者として人を育てていきたいと思っている。

ここで挙げた事例は、すべて過去の私が抱えていた思いや悩みでもあります。私自身、大学を卒業してからも発声に悩み、音楽家としてのこれからの生き方に悩み、何をどうしていいかわからない時期がありました。

そして、この状況から抜け出したい。自分を変えたい。と思っていたときに、歌の先生との運命の出逢いがありました。その出逢いをきっかけに、あり方、生き方、考え方まで、価値観が反転するように自分の全てが変わる、という体験をしました。

「自分なんて・・」と思っていたところから、自分以上に自分の可能性を信じてくれる先生に出会えたことで、自分の中に眠っていた力が呼び覚まされていったのです。

今私が強く思うことは、「人は人との出会いによってしか変われない」ということです。

一流の音楽家の感性や、モノの見方、考え方というのは、多くの音楽家たちとは違います。彼らは多くの人たちとは違う常識を持っています。自分ひとりでどれだけ悩んで努力しても、その考え方や視点を持つことはできません。けれども、そういう人たちの話を聞いて、こんな考え方もあるんだ！と新たな視点を持つことで、スッと理解できることもあります。

自分が変わることは簡単なことではありません。けれども辛く苦しいことでもありません。少しの勇気と、今までとは違うアプローチで努力する必要があります。多くの人が上手くいかない理由は、努力の方向が間違っているからです。

もっとスムーズに、ラクな自分で変わっていける道がある、ということです。

大きな変化のプロセスを体験して、今もなお変わり続けている私だからこそ、伝えていきたいことがたくさんあります。

運命の出逢いというのは、予期せぬカタチでやって来ることがあります。

私自身も、こういう場所へ行けば出会えるだろう。と期待していろいろな場所へ足を運んだ経験があります。けれども出逢える時というのは、意外に簡単に出会えてしまうものです。

出逢いはどんなカタチでやって来るかわからない。

ということで、私自身も新たな出逢いを求めて、この案内文を書きました。

１回のレッスンで変わることは難しいとしても、新たな可能性や、希望を見出すきっかけになると思います。

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お会いできるのを楽しみにしています！

最後まで読んでくださってありがとうございます😊

今日はリハーサルを聞きに行ってきました。

私はできるだけ夫の本番の度に同行して、

リハーサルから本番までを聞くようにしています。

フェスティバルでは、

夫がモーツァルトのクインテットを演奏する予定です。

リハーサルを聞いていていつも思うことは、

良い音楽家って本当に少ない、ということ。

そして、良い音楽家かそうじゃないかは、

ひと目見てすぐに分かります。

ここで言う良い演奏家とは、

経験豊富だったり、肩書きが立派だったり、

ということではありません。

仕事の場合、良い演奏家たちばかりが集まるとは限りません。

良い演奏家だけの本番の場合の方が珍しくて、

その場合はラッキーで、仕事もウンと楽です。

リハーサルも最低限で済みます。

でも、通常は良い演奏家ばかりの本番とは限らないので、

リハーサルがダラダラします。

今回のようなクインテット（５重奏）の場合、

ひとりでもいまいちな人がいると、ダラダラします。

リハーサルで確認したいことはテンポです。

テンポといっても、

メトロノームのようなカチカチとビートを刻むようなテンポではありません。

いかにテンポを感じられるか、

いかに音楽のモーションを感じられるか、

ということが大事なことです。

音楽で大事なことは、

音のモーションが前へ前へと動くことです。

多くの音楽家は、この前へ前へ動くことと、

テンポが速くなることを混同しています。

前へ前へ動こうとすると、テンポまでつられて速くなっちゃう、ということが起こります。

テンポは変わらなくても、

何ならリタルダンドであったとしても、

ピアニッシモや、静かで穏やかなパッセージであったとしても、

やっぱり前へ前へという促進力は必要なんですよね。

そして、このことを可能にするためには、

良いサウンドを持っているか、ということが鍵を握ります。

内に秘めた激しさ、力強さ、エネルギーがサウンドの中にあるかどうか。

このサウンドこそが、

音楽を前へ前へ押し進める促進力の源だからです。

良い音楽家同士が集まると、

リハーサルの間もほとんど会話が必要ありません。

良いサウンドがそこにあって、

テンポやモーションを感じられる感性があれば、

音楽は自然と流れていきます。

大まかな骨組みと、要所要所で必要なことを確認する程度のことで済みます。

これがめんどくさいリハーサルになると、

『モーツァルトはこういう風に演奏した方が良いと思う。』

『１回目はこういう風に演奏したから、２回目のリピートはこうしましょうよ。』

『こういう風に演奏したらもっとユニークだと思う。』

とか、いろいろ言い出す人がいます。

そういう人はリハーサル中、随所で音楽の流れを止めます。

いっぱいいろいろ提案して、

いっぱい喋る人に限って、

サウンドがない、つまり技術がない。

音楽を感じられない。

という場合がほとんどです。

黙って弾きなさい、って思います。笑

みんなで意見を出し合って、

一緒に音楽を作ってる、という気になってるだけです。

良い音楽家であるためには、

技術があること、つまり良いサウンドを持っていること。

音楽を感じられる感性が磨かれていること、つまりソルフェージュ能力があること。

テイストが磨かれていること、つまりスタイルに合った表現を知っていること。

これらのことがとても重要だということです。

そしてアンサンブルに必要な要素を心得ているということ。

改めて、良い演奏家はとても少ないという現実を見ました。

それはなぜでしょうか？

今回ミュージックフェスティバルに世界各国から音楽家が集結していて、

彼らを見てて思うことは、、、

エゴが強い。

『自分自分、私を見て見て！認めて！』が強い。

誰しもの中にエゴは存在するもので、完全に取り去ることはできません。

でもそのエゴが強過ぎると、

身体の機能を歪めてしまうんですよね。

身体の機能に制限もかかってしまいます。

なんだかいびつな人になってしまう。

つまり自然じゃなくなってしまう。

自然体でなければ生きた音楽を生み出すことはできません。

そのことに気づいて、自分と向き合えるかどうかは、

良い音楽家であるためにはとても大切なことです。

それが、音楽の本質と向き合う、ということでもあると思います。

リハーサル。

フェスティバルでは、演奏以外にも、

夫が、『身体の使い方。心と思考が演奏に及ぼす影響。』

などについてのレクチャーもします。

レクチャーの会場です。

『もっと集中しなさい。』

多くの人がレッスンで、言われたことのある言葉ではないでしょうか？

私たちは子供の頃から、

よく考えなさい、集中しなさい。

これをずっと言われてきてるんですよね。

一方、私や夫のレッスンでは、

『考えずにやってごらん。』

『集中しちゃダメだよ。』

とよく言います。

レッスンだけでなく練習をするときでも、

『とにかく考えずにただやる！』

というのはいつも言っていることです。

夫は本番での演奏中においても、

考える過ぎることと、集中し過ぎることは危険でしかない。

とも言います。

もちろん人によっては集中した方が良い人もいるんですが、

良い集中というのは、いろんな条件が整った上で初めて成立するものなんです。

多くの人は、正しい集中の仕方についてを知りません。

そして特に、技術を学んでいるプロセスにおいては、

考えないこと、集中しないこと、というのはとても大切だったりします。

けれども、『何も考えるな。頭を空っぽにしろ。』

と言っているわけではないんですね。

どういうことかというと、

人は考える生き物だからです。

自然にしていれば、いつでも何かを考えているのが当たり前なんです。

だからその状態から、さらにもっと何かを考えなくてはならない、

というのは、それ自体がもう自然ではない、ということです。

ストレスのかかった状態ですね。

必要以上に考えようとすることで、

私たちの機能にはブロックがかかってしまいます。

その結果、上達や成長をスローダウンさせてしまうんです。

考えよう、とするのではなく、

どこか頭の中に少し余白を持つことで、

自分の中の自然な機能に身を任せることができます。

そしてその方が、人はスムーズに成長していけるんです。

夫のクラリネットの生徒さんが、

レッスンですごくうまくいった時、

私が、『今演奏しててどんな感じだった？』と尋ねると、

生徒さん：『なんかまぐれで出来てる気がします。』

と言ってました。

とても正直な反応だと思うのですが、

きっと今までは、

慎重に考えて、それを忠実にやり遂げることで、

何かを掴んだ、できるようになった、

という実感が得られていたんだと思います。

けれども、今できるようになっている事というのは、

あまりにも自然な流れの中で、

自分の自然な機能を使って導かれたものなので、

以前のような、やった感、頑張った感、

みたいなものが感じられないんだと思います。

でも、それこそが正しい方向で、

それをただ考え過ぎずにやっていくこと。

無理のない、無駄のない、

自然で滑らかなモーションの中からサウンドを生み出す、

ということに、ただ慣れていく、だけで良いんです。

慣れるまでは、考えすぎずに思い切りやること！

これがとにかく大事です。

慣れてしまえば、それについてを考える必要もなくなります。

だって、洗濯をするとき、食器を洗うとき、お風呂に入るとき、

その行動ひとつひとつに対して、考えたりはしないですよね？

同じことです。

そして慣れてくると、

テクニックをどのように曲の中で使おうかな、

という風に、表現方法について考えることができるようになります。

つまり、技術があって、表現したい音楽が自分の中にあって、

心や思考が健全に機能していて、

初めて本当の意味で、良い集中を持てるようになるということです。

サウンドを生み出す手前やその過程で、

そのためのアレコレを考えることとは違うのが分かりますよね。

もうひとつ、考えない方が良い理由としては、

技術を学んでいるプロセスにおいて、

あれこれと考え過ぎてしまうと、

恐れや不安の感情とリンクしやすくなるからです。

考えることで、慎重にもなります。

そのことが、体の機能にストップをかけてしまうんです。

練習していて、煮詰まったり、モヤモヤしてしまう理由がなんとなく分かりますよね。

技術が身について、思考から解放されて、

サウンドや音楽を感じながら練習できるようになると、

練習はうんと楽しくなります。

『考え過ぎず、音楽を感じて楽しんで練習しなさい。』

これは夫がよく言うことです。

そういう練習ができるようになってくると、

練習しながら、自分でいろんなことに気づけるようになっていくはずです。

そして、自分自身が自分を導ける先生でいられるようになります。

それこそが音楽家としての自立と言えるんだと思います。

『自然体。海外在住の生徒さん。』海外在住のかわいい生徒さんがレッスンに来てくれました。ソルフェージュに興味を持って頂き、一時帰国している間に通ってくださることになりました。Aちゃんの国の保育…ameblo.jp

音楽って自然体じゃないと出来ないんですよね。

もっと我がままになっても良い、と思う。

初めての感覚。見たことも聞いたこともないようなことばかり。』

これが私や夫の最初のレッスンを受けた

多くの人たちの反応です。

要は、ポカ〜ンって感じなんですよね。

あまりにも今までにないこと過ぎて、

今まで自分が学んできたこととの共通点も見当たらない、

なんなら全てが逆。

でも、なぜだか体は反応できてしまう。

頭と心は追いつかないけれど、

声はいつも以上に出る。

ちょっと怖い。でもなんか気になる。

不思議な感覚。

『なるほど〜！なんか分かった気がする。』

そんな何かを得たような感覚はないはずです。

『こんな世界があるんだな〜。』

と、説明のつかない、

新しい世界に足を踏み入れたような、

そんな感覚かもしれません。

そして、それは自然な反応です。

頭と心はついていかないけれど、

体は反応している。声はいつも以上に出る。

このことの理由は、

私たちが指導していることが、

『自然な機能』に基づいているからです。

頭がついていかないのも、良いことなんです。

だって何も考える必要がないからです。

何をどうするかを考えるのは指導者の仕事です。

生徒さんは、ただ言われたことを思い切りやること。

何かを自分の頭で考えてやろうとすることは最初は必要ありません。

その考えてることが違ってる事がほとんどだからです。

真っ新な気持ちで、

私が言う通りに声を出せば、

体の中に眠っている自然な機能が呼び起こされて、

閉じ込められていた声は、一気に開放されます。

自分には声がない、と思っている人は、

言ってみれば、体の機能に鍵がかかっているような状態です。

自分がセーフティゾーン（安全圏）だと思っている場所こそが、

鍵のかかった閉じ込められた世界です。

『面白そうだな、やってみようかな！』

と思えたならば、

そこから勇気を出して、

まずは最初の一歩を踏み出すこと。

行動すること。

新しい見慣れない景色で、

右も左も分からないかもしれない。

自分がどこへ向かっているのかも分からないかもしれない。

けれども、何かを学ぶって、最初はそういう感覚なんです。

そして、その感覚は良いサインです。

そんな新しい世界を見せてくれる指導者に出会えたら、

それはラッキーなことなんですよ！

たった数回のレッスンで何かを得ようすることは難しいことです。

数回のレッスンで習得できるようなことならば、

そもそもレッスンを受けなくても、

自分でなんとかなるようなことかもしれない。

自分が難しく感じてること、

問題に感じていること、

それらを解決するのは簡単なことではありません。

とても難しいことです。

簡単に解決できるような事ならば、

そもそも問題にすらなっていないはずなんですよね。

本当の学び方を心得ている人って、

実はものすごく少ないんです。

学び方にもセンスのようなものが必要なんです。

多くの人は心の奥で、『自分はこれくらいはできている。』

『重要なポイントだけ教われば、あとはなんとか自分でできるはず。』

という自負、余計な自信みたいなものを持っています。

エゴとも言いますね。

本当に学びたい、と思うのであれば、

エゴに少し退いてもらって、

謙虚になること、素直であること。

これが何かを学ぶためには必要な姿勢なんです。

そして、近道でもあります。

本当の意味で変わっていくためには、

自分の思考と心（感情）と演奏が、

同時に変わっていかなくてはいけません。

そのことを理解するのは時間がかかるかもしれません。

でも、とても大事なことなので、

是非、頭の片隅にでも置いておいて下さいね！

新しい世界へ足を踏み入れるということは、

自分が知らない自分に出会いに行く、ということでもあります。

できなくたって当たり前だし、

知らなくたって恥ずかしいこともありません。

新しい世界の流れに身を委ねてみる、

そんな心持ちも大事です。

双子ちゃん。

近寄ってきました。

こやぎさんたち。鶏も。

めちゃくちゃ見てくる。

『世界で初めて発声を科学にした人』・声は声帯によって作られる。 ・声門と、発声器官とは異なる2つの要素である。 ・音色には、相対する響きがある。暗い⇄明るい　軽い⇄重い　etc.. ・音色の響…ameblo.jp

とても情熱的で、パワフルなテノール歌手を父親に持ち、

小さな頃から厳しい音楽教育を受けて育ったガルシアですが、

ガルシアは父親以外からも歌を習っていました。

それが、ガルシア父の歌の師匠でもある、

イタリア人のジョヴァンニ先生です。

ガルシアは、父やジョバンニ先生から、

OLD ITALIAN SCHOOL、オールドスクール、

という伝統的な歌唱を学びました。

父の意向に背き、

歌手の道を諦めてからのガルシアは、

科学の道に惹かれ、解剖学などを学ぶ傍ら、

歌を教え始めています。

３０歳になったガルシアは、パリ音楽院の教授に任命されました。

当初、彼の指導は、父親から学んだメソッドを基にしていましたが、

次第に、父よりもさらに深い分析で、

より細部までを教えることができるようになっていきました。

発声のメカニズムについても、

指導を通じての経験や、解剖学的な知識、

そして、何よりも彼の鋭い勘から、

『喉はきっとこんな形状をしているんじゃないかな。

こんな風に動いてるんじゃないかな。』

という、ある程度の見立ては出来上がっていたようです。

初めて彼が発明した咽頭鏡（Laryngoscope)を使って、

喉の全容を目の当たりにしたとき、

ガルシアはこう思ったそうです。

『やっぱりそうだった！僕が思ってた通りだ！』

咽頭鏡を使って、様々な発声の原理を証明していく中で、

彼の発声指導法もさらに確立されていくことになります。

中でも、彼がもっともこだわったのが、

音の出だし、音の始まりについて、です。

『クラリネット演奏の極意』今日は、朝から夫が指導するクラリネットのオンラインレッスンの通訳をしました。 音楽大学を卒業したばかりの生徒さんのレッスンでした。  夫（イリヤン・イリエブ)…ameblo.jp

以前、夫のクラリネットレッスンについて書いた記事でも触れましたが、

音の出だし、音の始まりについては、

夫がもっともこだわって教えていることのひとつです。

音楽をひとつ上の洗練された芸術へとシフトさせるほどに、

音の入りは重要なんですよね！

いかに息の音や、雑音をつくることなく、

クリアにサウンドを始められるか、

そのためには喉がどのような働きをしていなければならないか。

そのことに着目したのは、ガルシアが最初でした。

その正確でクリアなサウンドの始まりのためには、

歌の場合は、声が出る手前から声帯をくっつけて準備しておかなくてはいけないんですよね。

咳をするようなイメージ、と言ったら分かりやすいかもしれません。

この彼が唱えたこだわりの発声法は、

coup de la glotte『声門打撃』と名付けられ、

当時、大きな論争を呼びました。

ちょっと過激なネーミングですよね。

論争はさらに拡大し、１８９２年、

ガルシアの発声指導に反論するためのレクチャーまでもが開催されました。

レクチャーでは大袈裟なデモンストレーションを用いて、

『こんな喉に負担のかかる発声をしていたら喉が潰れてしまいますよ。』

『生理学上の原理なんかで、芸術音楽は語れない！』

などと、ガルシアの理念に次々と異議が唱えられたそうです。

そしてなんと、、、

ガルシアはそのレクチャーを観客の一人として、客席で見つめていたとか。。

一言も発することなく、終始静かにレクチャーを見届けていたそうです。

ここまで大きな論争を呼んでまでも、

彼がどうしても叶えたかった、音の始まりに対する美意識こそに、

彼が良い指導者であったと同時に、

素晴らしい音楽家であった、

ということが言えるんじゃないかな、と思います。

外野の論争には目もくれず、

自分が積み上げてきた科学的な根拠を信じ、

自分が正しいと思う道を貫き通したガルシアは、

１０２歳の人生を終えるまで精力的に、指導に邁進していたといいます。

１０２歳の自身のバースデーでは、

ギターを弾きながらスペイン民謡を披露するほど、元気いっぱいだったガルシア。

彼を知る多くの人々が、

彼は晩年、歳をとるにつれ若返っていった、と言っています。

１００歳の彼を、２５年前の彼よりも若々しい、と言った人もいたそうです。笑

元気が湧いてくるほどに、喜びとやりがいを持って、

声の指導にあたっていたんだな、という事が分かります。

なぜ彼がそこまで、声の科学にこだわったのか、、、、

それはガルシア父から引き継いだイタリアの伝統歌唱である『ベルカント』を、

より正確な形で後世へ残したかったからだ。

と彼は語っています。

その彼の原点を知ったとき、

ものすごく納得できました。

ここまでに彼を突き動かしてきたエネルギーの源泉は、

自分に厳しくも愛情を持って、

音楽の本質を教えてくれた、

お父さんの存在があったからなんだ、という事が分かりました。

オールドスクール歌唱こそがベルカントです。

ベルカントって美しい歌声っていう意味ですよね。

正しく機能している身体から生み出される声は、

無条件で美しい歌声です。

・声門と、発声器官とは異なる2つの要素である。

・音色には、相対する響きがある。暗い⇄明るい　軽い⇄重い　etc..

・音色の響きに関わらず、声の音域によって、喉の働きには違いがある。

これらのことは、今日では、

歌に関わるほとんどの人が知っていることですね。

これらの基本的な喉の原理を、

喉頭鏡（Laryngoscope) を使って初めて立証したのが、

マニュエル・ガルシア（１８０５〜１９０６） です。長生き！

ガルシアのお父さん（１７７５〜１８３２）もテノール歌手で、

スペインのセビリアに生まれました。

スペイン、セビリア、と聞くと、

ロッシーニ（１７９２〜１８６８）作曲のオペラ『セビリアの理髪師』を連想しますが、

実際に、ガルシア父は、ロッシーニのお気に入りの歌手で、

アルマヴィーヴァ伯爵は、彼を想定して書かれた役だそうです。

ガルシア父は、ガルシアと二人の妹たちに、

それはそれは厳しく、音楽を指導したそうです。

ピアノはもちろん、ソルフェージュ、歌唱指導まで、

ガルシア父が全てを教えたそうです。

実際に、ガルシア父は、ロッシーニも認める、

作曲家でもあったんですよね。

ピアノの才能豊かだった妹のパウリンは、

フランツ・リストにピアノを学び、後にピアニストになります。

ピアニストとしてのキャリアを着実に積み重ねていたにも関わらず、

なんと彼女は、メゾ・ソプラノ歌手に進路を変更しています。

メゾソプラノ歌手としても、その才能は開花し、

クララシューマン、ブラームス、リスト、ベルリオーズなどに認められ、

その当時ではもっとも有名な歌手だったそうです。

一方、当のガルシアはと言うと、、、

父から受けた厳しい音楽教育の甲斐あって、

バリトン歌手になりました。

１８２５年、ガルシアファミリーは、

音楽ツアーのためアメリカと南米へ出かけています。

イタリアオペラを当時初めて、アメリカで上演したのは、

他でもないガルシアファミリーだったんですね。

当時、ガルシアはまだ２０歳。

まず、ニューヨークに到着し、

初めて公演した演目が、

ロッシーニの『セビリアの理髪師』です。

ガルシア父がアルマヴィーヴァ伯爵を歌い、

ガルシアがフィガロを、

もうひとりの妹のマリアがロジーナを歌いました。

まさに家族総出のオペラ公演でした。

ガルシアは、ドンジョバンニのレポレッロ役に始まり、

ときには、テノールである父の代役までをやらされることもあったそうです。

若干２０歳のガルシアは、

声も心も限界を超えてしまいます。

そして、『歌手をやめたい。』と父に懇願します。

でも父は、『まあまあそんなこと言わずに、一時の気の迷いだよ。』

くらいに彼をなだめて、

『もっと勉強しろ！』とガルシアをイタリアへ送り返します。

妹たちが、華々しくヨーロッパの歌劇場へデビューし、

脚光を浴びているのとは対照的に、

ガルシアの声のトレーニングは混迷を極めていました。

１８２９年、ガルシア２４歳の時、

彼はついに、もう一度舞台に立つことになりました。

やはり、同じフィガロ役でした。

そして、その批評はそれはそれは酷いものでした。

『みにくい声』

『ステージ上での酷い立ち振る舞い』

『歌手を辞めたほうが良い』

など、ありとあらゆる悪い批評を受けます。

けれども、ガルシアはホッとするんですね。

『あー、これだけの酷評があれば、

さすがの両親も納得するだろう。

やっと歌手が辞められる。』と。

けれども父の執念はどこまでも深く、

諦めることなく、ガルシアを説得し続けます。

そしてついにガルシアは父の元から逃げるように、

軍隊への入隊を決めます。

ガルシアは元々、科学に興味があったそうです。

天文学(Astronomy) 航海学(Navigation)などを学びたいと思い立ち、

それらが学べるフランスの海軍へ入隊しました。

海軍を除隊してからは、

経験をかわれて、フランス軍の病院で働きながら、

薬学(Medicine) 解剖学(Anatomy)などの勉強をしました。

そこでついに出会ってしまったんですね。

『Larynx 咽頭』という科学に！！

彼の探究心は掻き立てられ、研究は熱を帯びていきます。

ガルシア は、

『咽頭（のど）』の研究のために、

牛、羊、鶏などの動物の喉を使って、

いつも嬉々として実験を楽しんでいた、

と、当時のことを妹のパウリンが証言しています。

そして、当時まだ知られていなかった、

咽頭の働きやそのメカニズムを、

科学的な見地から、次々と証明していきました。

これらの彼の功績は、

音楽家としての厳しい鍛練と、

その後の挫折がなければ生まれなかった、

と言えるのかもしれません。

実際に彼はその後、父を凌ぐほどの、

声の教育者になっています。

自分が悩み苦しんだ経験も、

多くの音楽家を救うために生かせるのであれば、

こんなに幸せなことはない。

これは夫がよく言うことですが、

きっとガルシアも同じような気持ちだったのかな、

と思いました。

L.Spohr Six German Songs op.103 Sei Still Mein HerzMichiko Date Ilieva：Mezzo Soprano Ilian Iliev：Clarinet Boryana Lambreva：Pianosoundcloud.com

ブルガリアのナショナルラジオでの録音です。

２年以上前、懐かしい録音。

じゃがいもをたくさんいただいたので、ポテトを揚げました。

ポテトは常温の油から揚げると美味しく仕上がる、ということを知りました。

音楽大学を卒業したばかりの生徒さんのレッスンでした。

夫（イリヤン・イリエブ)のサウンドは、

これが同じクラリネットのサウンドなの？

と思うほど、よくある今まで聞いてきたクラリネットのサウンドとは、

別物と言っていいくらい違います。

私は、夫が練習しているのを毎日聞いているので、

夫のサウンドに耳が慣れてしまっているんですけれど、

たまに、他の人が演奏しているクラリネットを聞いて、

夫に、『これってクラリネット？』

と尋ねることがあります。笑

それくらいサウンドも、演奏も全然違うんですよね。

その１番の特徴は、なんと言ってもSEAMLESSであること。

どういうことかと言うと、

サウンドが途切れない、継ぎ目とか、縫い目のようなものが一切感じられない、一体感や統一感。

どこで息を吸っているのかもわからないほどに、息継ぎの音が一切聞こえない。

そのどこにも引っ掛かりのないスムーズさは、

音楽の芸術度をグンと高めるような、

高級感のある音楽、という感じがします。

私の９５歳になる祖母も、イリアンのクラリネットを聴いて、

『高級〜！』と言っていました。笑

そして、そのSEAMLESSを可能にする、

最も重要なエッセンスが、音の出だしなんです！

９５%のクラリネット奏者は、

音の出だしにどうしても雑音が混ざるんですよね。

タンギングとか、息の音とか、

音の入りの破裂音のようなものであったりとか。

夫の場合はそういうのが全くなくて、

例えるならば、

石鹸に絡んだ髪の毛をスーッと指で抜き取るような、

それくらいスムーズに、

なんの引っ掛かりもなくサウンドが始まるんです。

今日の生徒さんは、今まで時間をかけて、

顔全体の筋肉を使ったアンブシュアや、

それぞれのレジスター（音域）で正しく音を発音することなどを

学んできたんですけれども、

今日のオンラインレッスンでは、

いかにして、そのseamlessな音の入りを作るか、

というところにようやく着手しました。

これがとっても難しいんです。

けれども、確かなメソッドのようなものはあるんです。

決して、勘でやっているわけでも、

音楽的なセンスのみがそれを可能にしているわけでもなく、

確実にやるべきことがある、ということです。

それが、演奏のメカニズム、と言われるものです。

夫は、この一連のメカニズムを総称して、

『キャットタン・メソッド』と名付けています。

自然な呼吸のなかで、

舌とあご、喉までをいかに自然な機能に基づいて働かせるか、

というのがキャットタン・メソッドの特徴です。

猫の舌使いにとてもよく似ていることから、夫が名付けました。

スムーズな音の始まりのためには、

体に息が自然と取り入れられると同時に舌が後ろに引き下がり、

自然な舌のモーションの流れの中で、

リードに触れる絶妙なタイミングを掴んで、

リードに少し当たるか当たらないかで素早くリードから舌を離して、

そのままにサウンドに繋げる、というのがザックリ一連の流れです。

もっといろいろ細かくあるんですけれどね。

ひとつひとつのモーションは、

本当にごくごくわずかなことなんですけれど、

全てのモーションがピタッと噛み合ったときには、

なんの雑音もなくスーッと音に入っていけるんです。

ほぼ全員と言ってもいいくらいのクラリネット奏者は、

楽器を習い始めた一番最初の、

DAY1からすでに誤った方向で教えられています。

それはつまり、

自然な機能や、自然な呼吸から大きくズレたことを教えられている、ということです。

自然な機能であるためには、

ルールのように縛られたポジション、

のようなものであってはいけません。

食べることや飲むことのために、

ルールやポジションはないですよね？

演奏も同じことです。

自然なモーションや、自然な機能を使って、

サウンドは生み出されなくてはいけません。

そしてレッスンで夫がやっていることは、

生徒さんが機能するための、

彼女にとってベストなモーションやそのタイミングを、

一緒に見つけていく、

ということでもあります。

何かの型にはめる、ということではなく、

ひとりひとりの生徒さんがそれぞれに機能するための、

ちょうど良いバランス、塩梅のようなものを、

紐解いて導く。

これが夫がレッスンでやっていることです。

スムーズな音の入りを生み出すのは、

本当に難しくて、時間のかかることだそうです。

ここはまたひと山粘りどきかな、そんな感じのレッスンでした。

でも大丈夫ですよ！きっとできるようになります。

第一音目の音の出だしを聴いてみてくださいね！

スーッと美しい音の入りです。

パワフルで彩り豊かなサウンド、

スタイルにマッチした洗練されたアーティキュレーション、

生命を得たかのように生き生きと音楽が動いているような、

そんな演奏も特徴です。

夫の買い物。

イタリアのビール、ペローニ。

夫はビールを飲みません。

私用です。

声がビュンビュン出ていたな〜、

長時間練習しても平気だったし、

喉の疲れも後を引かなかったな。』

こんな風に感じたことのある人は多いかもしれないですね。

多くの人が、２０代後半に差し掛かかると、

今まで通りではないことに気づき始めるように思います。

練習するたびに、喉が疲れる。

喉を疲れさせないように、

喉に負担のかからないような発声に変えてみる。

けれどもやっぱり喉は疲れる。

体の至るところに力が入り始める。

喉をいたわるがあまり、神経質気味になる。

声の調子をいつも気にするようになる。

のど飴が手放せない。

こんな感じのことが、当たり前の日常になっている歌手も多いかもしれません。

辛い状況ですよね。

音楽仲間にもシェアしづらい状況かもしれません。

そしてそこからは悪循環の始まりです。

練習すればするほどに、

自分がやってることが分からなくなる。

数年前までは楽に出ていた高音も、

絞り出したようにしか出せない。

今ではどこか苦しい。

何かがおかしい。けれども何をどうして良いかは分からない。

これが声の老いというものなのかな？

私は生まれつき喉が弱いのかもしれない。

私には声がないんだわ。

私には才能がないんだわ。

そんな風に考えることが多くなっていくかもしれません。

学生時代に歌っていたようなオペラアリアはもう歌えない。

アリアは生まれつき声のある人が歌うもの。

これからは、無理なく歌える歌曲や童謡などを歌っていこう。

自分を納得させるためのストーリーや言い訳が、

いくらでも思いついてしまうかもしれません。

自分の限界をどこかで感じながら、

自分を騙し、誤魔化しながら、

音楽活動を続けていくことは、

決して、爽やかなことではないですよね。

こういう経験は、

声楽を学んでいる人たちであれば、

共感するところが多いんじゃないでしょうか？

私が指導している生徒さんの中にも

同じような経験を経て、

私と一緒に歌を学び直している歌手の方がいます。

彼女は今では自分のサウンドを取り戻して、

別人のように生き生きと歌っています。

普段の暮らしにおいても、

心も体も以前より元気になって、

より幸せを感じられてるんじゃないかな、と思います。

きっと、数年前の彼女には、

自分の中にこんなサウンドが眠っていたなんて、

こんなに自由に声を開放できるようになるなんて、

想像もできなかったことだと思います。

こんな風に、人って変われるんですよね。

年齢は関係ありません。

そのためには、正しい声の技術、テクニックを手に入れることです。

老化現象のように思える声の不具合は、

ほとんどが、技術不足によるものです。

ベテラン歌手と言われる人たちの、

決してビブラートとは言えないような声の揺れ、

高音が保てない、

音程が悪い、

これは老化現象じゃなくて、明らかに技術不足です。

声の老化現象というのは、

私たちが思っている以上に、

もっとずっとあとになってから現れるものです。

自分が歌っていても、教えていても、

日々の研究からもつくづく思うことですが、

人の声（楽器）はとても複雑なものです。

そして、本当によくできた楽器だな〜！と感心します。

いろんなことができるんです。

明るいサウンド、暗いサウンド、

豊かなボリューム、幅のあるダイナミクス、

様々な種類のアーティキュレーション、

その表現は無限にあります。

そして、無限にある表現の中から、

選択肢を持てるようになること。

これこそが、音楽の中に自由を獲得する、ということなんですよね！

歌手として、幸せな音楽家でありたいならば、

この複雑な楽器を、

いつでも自分の思い通りに取り扱えなくてはいけません。

そのための技術を持つことです。

『特に喉に良いことを心掛けてるわけでもないけれど、

敢えて言うなら、良い睡眠をとる事くらい。

お酒も飲むし、辛いものも好き。

のど飴なんて、何年も舐めてない。

歌い過ぎると疲れることはあるけれど、寝れば治る。

喉のお医者さんになんて大学を卒業してからは行ったこともない。

でも、低音から高音までいつでも声は出る。

歌ってるのが心から楽しい。

練習が楽しい。そして練習すればするほど良くなる。』

これは私の現在の心境でもありますが、

テクニックを持つと、

こんなにも、生活や、心持ちまでもが変わります！

あなたは幸せな音楽家ですか？

キッチンで、お肉が焼けるのをじっとみているジリちゃん。

お肉がもらえなくて拗ねてるジリちゃん。

『美しく歌おうと思わないこと。

ただ言われたことを、思いっきりやること。

あまり何も考えずに直ちにやること。

どんな声や音が飛び出してきても気にしないこと。

間違ったと思ったときに、「あっ」といちいち反応しないこと。

全ては実験だと思って、正しくやろうとしないこと。』

そんなことを、どの生徒さんにも毎回言います。

夫のレッスンを見ていても、同じようなことを言っています。

それも何回も。

よくある一般的なレッスンでは、

『美しく響かせる』ためにはどうするか、

ということを教えられることがほとんどだと思います。

だから生徒さんのほとんどは、

『美しく歌おう。正しくやろう。』

という構えがあります。

レッスンで良い声を出したい、上手に歌いたい、と思うのは当然のことですよね。

ただ多くの生徒さんに知っておいて欲しいことは、

まだ美しく歌おう、という段階ではないですよ。

ということです。

例えるならば、

今あるお家は、欠陥住宅で、

一度、その古いお家を取り壊さなければ、

新しいお家を建てることができない、ということです。

土台が間違っていては、

いくらその上に練習を重ねても、

レッスンで、少々の手直しをしても、

なにも良く変わりません。

生徒さんはレッスンに、

新しいお家を建てにやってきていると思っています。

なんならもう、そこそこ良いお家が建っていると思ってるところから、

より素敵なインテリアや外装にしたい、と思ってやってくる人もいます。

そういう場合、

私がレッスンでやろうとしていることに対して、

思考がついていかない、

心がついていかない、

という場合もあります。

だからレッスンでは歌うだけでなく、

会話もとても大事にしています。

古い家を取り壊す、ということは、

今までのやり方、今までの思考を手放す、ということです。

中でも一番難しいのが、思考を手放す、ということです。

今まで信じてやっていたこと、

信じるもなにも、それが当たり前だと思っていること、

それらは、深く潜在意識にまで染み込んでいるものです。

たとえ手放したい、と思ったとしても、

そう簡単には手放させてもらえない、

という苦しさや、もどかしさがあります。

多くの場合、思考がストッパーのように立ちはだかっていて、

体の機能を止めていることがほとんどです。

今までの思考で、一生懸命考えて、どうにかしようとしても、

当然、上手くいきません。

体は本来の自然な機能を発揮したいのに、

思考によって、発揮させてもらえない、

みたいな状態です。

だから、本当に良く変わっていくためには、

あんまり何も考えず、

どうなったっていいや！くらいに、

マインドを自由にして、

ただやってみる。

くらいのことが最初は必要です。

それくらいの気楽さが必要なのです。

まずは、お家を完全に取り壊すことが大事なことで、

それが一番難しいことだからです。

だから、覚悟が必要なんですよね。

今までの積み重ねを手放すのは勇気のいることです。

恐れや不安も出てきます。

けれども、手放すことは、なにかを失うことではありません。

だから悲しむことではありません。

あくまで、本来の自然な在り方へと還っていく、というだけのことです。

そのために、古いお家を完全に取り壊すことができさえすれば、

新しいお家を建てるプロセスは、

より軽快で、喜びを持ってサクサクと進んでいけるはずです。

今まで自分が安全圏だと思っていた場所は、

制限のかかった小さな箱の中にすぎません。

勇気を出して、セーフティーゾーンから一歩を踏み出さなければ、

なにも変わりません。

ジリちゃん