観たやつ→ロング・ウェイ・ノース／ディリリとパリの時間旅行／パラサイト 半地下の家族／家族を想うとき／マリッジ・ストーリー／ニューヨーク公共図書館　エクス・リブリス／ジョジョ・ラビット

レミ・シャイエ『ロング・ウェイ・ノース　地球のてっぺん』

とにもかくにも画の美しさがものすごかったです。サンクトペテルブルクの街並み、屋敷の調度にかかる柔らかなライティングから、大胆なレイアウトで描かれる北極の海、クレバス、ブリザードの身構えるほどの迫力。可愛すぎる犬。主線を排した絵柄の、貼り絵のような濃淡に吸い込まれるようでした。

尺の短さも若干シンプルすぎるシナリオも、画の美しさに注視させる導線として機能していたように思います。ヘタに冒険活劇にしない勇気。

観た映画館の暖房が不調で、ちょっとした４DXでした。良い体験。

ミッシェル・オスロ『ディリリとパリの時間旅行』

メラネシアの少女ディリリの、ノーブルかつ愛らしい闊達さを軸に、美しい色彩と細やかな演技と若干マジか！？ってレベルのCGで展開される、素朴なフェミニズムと文化礼賛の映画でした。

タイムトラベルものなのかと思わせて別にそういう訳でもないんですが（原題も『Dilili à Paris』で時間要素なし）、「時間旅行」という言葉は大いに示唆的だなと思いました。人種やジェンダーに対する現代的な感性を携えて過去を振り返る（それを素材に物語を作る）事は、懐古話とも歴史劇とも単純には同一視できない、からこそのこの邦題だったのかなと。それはタランティーノが『ワンス・アポン・ア・タイム・イン・ハリウッド』でやろうとした事と通底するし（ワンハリの邦題は『クウェンティンとハリウッドの時間旅行』でも良かったかもしれない（？））、良きにつけ悪しきにつけ「無邪気」とか「素朴」って印象とも接続する。芸術や科学技術の発展が寛容の精神を培うのだという強靭な信念は眩しく納得できるものだけれど、21世紀に生きている私たちは今や、ノブレスオブリージュが絶滅寸前であることを知ってしまっているので……大いに肯きながらどこか小骨が刺さったような気持ちで観てしまったというのが正直なところです。

私はベルエポックの時代にもフランスの文化人にも全く疎いのでパンフレットは必須でしたが、詳しい人が観ればもうアベンジャーズ的に楽しいのではないかな。カミーユ・クローデルの事、恥ずかしながら知らなかったです。知った後に反芻してみると、ちょっとワンハリにおけるシャロン・テートみたいな位置づけだったな、とか。

マジか！？と言いつつCG結構見どころだとも思う……特に犬……。もぎたてみたいな３Dモデル凄いから見てほしい……。

ポン・ジュノ『パラサイト　半地下の家族』

もう、べらぼうに面白くて隙の無い、良き映画でした。水は下に向かって流れる。下水は上へと逆流する。机の下でも繋がるWi-Fi。レトルト麺の中の高級牛肉。見立てと対比に溢れた、感情の動きすらそっくり含めて「構図」そのもののような映画。とりわけ完璧だったのが「予感」のコントロールで、次の瞬間に起こりうる悲喜劇に身構えさせながら、予想の一段先へと踏み外させる手練手管の連続、なすすべなく滑り落ちていく快感がありました。途中の大仕掛けには何となく既視感があってそんなに驚かなかったんですが、『フィンチ家の奇妙な屋敷でおきたこと』のとあるエピソードとか『クリーピー 偽りの隣人』の事が無意識に頭にあったからかもしれない。

「構図」そのものと言いつつ、ステレオタイプを弄している訳では当然無く、だからこそ心の弱い部分に一段深く刺さってしまいました。身に覚えのある感情をこうも逃げ場なく見せつけられると……。物質的な豊かさや文化的資本以上に、洗練された身振りや性根の善を目の当たりにした時「身の丈」を自覚させられるんですよね。「金持ち」の卑しい部分やダサい部分を必死こいて探してる途中、ふと我に返る時、体の内側に向かって生えてくる「身の丈」という棘を。

同じ空間に対峙するその人の目の中の網に、自分の存在がどこにも引っ掛からず滑り落ちていく時の惨めさ。「居心地の良い」底辺に自らを封じ込め、尊厳の無い充足に満足を偽る哀しさ。大きく奪われ続けている事に目をそらし、掠め取る側を気取る愚かさ。殺意すら重力に勝てないどうしようもなさ。呪詛というにはやり場のない、汚水のように溜まる空しさ。身の丈ボコボコスタンプラリー。なんかめちゃめちゃ書いてますね……止まらなくなる……。

ともかく、大好き！というにはちょっと隙が無さ過ぎたけど、思うところが噴出しまくる大変面白い映画でした。ミッドタウン日比谷で観たので、上映後歩きながら苦いつばが出まくりました。

ケン・ローチ『家族を想うとき』

ほんっとうに『パラサイト』の後に観てよかった……。ジャンル映画が当然取りこぼす社会のひだの部分こそが中心に映されていて、同じ格差社会の苦い話なのに、かえって心の安定が保たれるような気持ちになりました。フランチャイズという「発明」で、本来支払うべきコストを当人や社会保障になすりつけて悪びれもしない企業のフリーライド根性に、もう、もう、暴動しかないわね……とお気持ちになりつつ、映されている人々は終始適切な距離と柔らかな光の中で尊厳を保たれていて、とてもつらい展開でも心にすっと染み入ってきました。例えば息子の反抗一つとっても、そこに至るプロセスや環境を丁寧に描き出すことで、家族間の軋轢に対して当人の資質に責任を負わせすぎない優しい視点があったなと思います。しかし問題やストレスを思いやりで乗り越えていったとしても、それすら単なるメンテナンスコストとして利用されてしまう出口の無さ。家族の間を巡る愛情に、システムの側こそが寄生している構図、ぼ、暴動！！！！

（あと、作中の家族の絆が深い分、家族関係の破綻した人や家族の無い人たちの現実はもっともっと苛烈なものだと思うので、「本来このような階層にいるはずじゃない人たち」すら抜け出せない新自由主義社会、というアプローチなのかな、それでこぼれるものはあるかもな、とはほんのちょっぴり思いました）

ノア・バームバック『マリッジ・ストーリー』

普段あまり観ないタイプの映画なのですが、人に薦められたのと『ブラック・クランズマン』での佇まいにアッ……アッアッ……となったアダム・ドライバーが出ていたので。前2本が2本だったので、パワーカップルだな……って感想が真っ先に出ちゃったのですが、面白かった！スカーレット・ヨハンソンのユニセックスな魅力が爆発してたしアダム・ドライバーは上半身が変に分厚くて最高だった。あとスカヨハ姉（メリット・ウェヴァー）のシーン、声出して笑っちゃうくらい良かったんですが、『マーウェン』のおもちゃ屋店員役の彼女だったのね。気付かなかったです。

社会の中で生きている限り身一つなんて幻想で、職や実家や世間体みたいな外側のネットワークに伸ばす脚まで含めた総体を個人と呼ぶのであって、家族をやっていく事ってそういうタコ足同士が奇跡的に、努力の末、見て見ぬふりをしながら、絡み合うことなんだな……やば……ムッズ……無理では……という気持ちになりました。

一番グッと来たアダム・ドライバーはうっかり包丁で腕切ってキッチンの隅にうずくまって転がるも息子からは無視されるアダム・ドライバーでした。唯一無二の情けなさが出てたんだ。

フレデリック・ワイズマン『ニューヨーク公共図書館　エクス・リブリス』

観よう観ようと思ってたら結局2020年になってしまった。開幕即ドーキンスでちょっと笑いました。映っているものが全てだし、「図書館は民主主義の柱である」という信念にほぼ完全同意なのでそんなに書くこと無いのですが、予算をもぎ取るプロセスが繰り返し登場するところが本当に良かったです。資金繰りについて映すのって誠実。

「寛容」の実践がまさにあるなと思いました。ここまでやるんだ！と驚きの連続。スクリーンで観られてよかった。

タイカ・ワイティティ『ジョジョ・ラビット』

こどもの主観として描くことを徹底している映画だったな。個人的には『崖の上のポニョ』を観た時に感じたいびつさ、おそらく意図的な、に近いものがありました。主人公ジョジョが見聞きした事、知っている事、あるいは薄々気付いている事だけで作品世界は構築されていて、リアリティラインが奇妙な場所で浮遊していました。イマジナリーヒトラーは勿論、ゲシュタポの男の極端な長身やレベル・ウィルソン演じる女性党員の豊満さ、幼児性の強いカリカチュアライズなどは、こどもの主観がゆがめた世界を表すギミックだったのではないかと。だから後半にかけて画面から色彩が急速に失われていくのは、戦争末期という表現以上にジョジョの主観世界の広がりを表しているのだろうし、本質はやっぱり少年の成長譚なのだろうと思います。

だからこそナチズム信奉という罪を少年の形で受肉させユダヤ人の少女と交流させる事と、子どもに罪はなく大人と環境に責任があるという真っ当なステートメントが組み合わさる事で、ある種の免罪符ととられかねない危うさは確かにあるなとニイさんの感想を読んで思い至りました。ジョジョが何を代表しているのかは慎重に検討した方がよさそう。

と、言いたいことは色々ありつつ、キャストの強靭な愛らしさには終始やられてしまいました。

また出たスカヨハはこちらでも卓越した魅力のママを演じていたし、脇カプこと大尉と部下も最高でしたね。戦場で着飾ってドンキホーテ的に見栄を切る男男の図とてつもなく良かった。あの後多分部下の方が先に死んでるのもビンビン来ました。あと私は太った子供が大好きなので……ヨーキー……アーチー・イエイツくん……あれだな……ソフトクリーム食べるか……？

でもやっぱり最後の、ユダヤ人の少女エルサの、ぎこちなくリズムをとる首の動きに全部持って行かれました。トーマシン・マッケンジーさん。おばけのフリの演技も大変素敵だった。

劇中曲の解説は、たまたま聴いてた「ジェーン・スー 生活は踊る」高橋芳朗さんのコーナーがとても参考になりました。　

あと、洋画に本当に疎いので、全編英語でドイツの話をやるのってどういう感覚なんだろうかと掴みかねてます。セルフ吹替みたいな感じなのかしら？この疑問からして島国根性なのかな。前情報殆ど入れずに行ったので、最初アメリカのネオナチカルトが子供洗脳してヒトラーユーゲントの真似事する話なのかな？と思っちゃったくらい。

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知ったきっかけはこの記事。

↓

男女の力関係が逆転したら世界はどうなるのか？ | 渡辺由佳里 | コラム | ニューズウィーク日本版 

https://www.newsweekjapan.jp/watanabe/2018/03/post-42.php

某ノシス某イクの「女尊男卑」設定が悪い意味で盛り上がった時にもちょっと話題になってましたね。

生体電気を操れるようになる「スケイン」という臓器が女性にだけ発現した事をきっかけに、男女の力関係が逆転した世界。虐げられていた女性たちによる革命がはじまり、支配の反転、独裁と圧制、そして大きな破壊へと至る「歴史小説」です。

エンタメSFとしてとても読みやすく面白かった！です。10代に読んでほしい。偽史ものの味付けはそこそこに、どちらかと言うと登場人物たちの内面にフォーカスして、想像と共感の糸を引き出していくタイプの読み口。

何よりスケインという設定の、物語の骨子としての存外な強靭さに魅かれました。設定もそれに連なる描写もかなり直接的で単純なミラーリングなのですが、その鏡像反転の軸に「性」ではなく「力」を据えている事自体が非対称性の本質を否応なく突き付けてくるというか。そして単純が故に強烈なカウンター（オートスキル）を、場外乱闘的にバチボコ決めてくるので妙な爽快さすらあります。

得たパワーに耽溺していく作中の女たちが男たちに為す行為は本当に不気味で残酷で、しかしこれらは現実世界で男が女に行っている仕打ちそのものである事を都度思い出し二重の吐き気に襲われます。同時に、パワー、力、暴力の持つ抗いがたい魅力、甘やかさについてもあけすけに書いてくれている所にグッときました。これ読んで一瞬でもスケインを欲しくならない女はいないでしょう。

話は飛びますがジョジョの奇妙な冒険ストーンオーシャンの何巻かの作者コメントで、荒木飛呂彦が取材で海外の女子刑務所を訪れた際に所長に女性の犯罪は男性のそれとどういう差があるのかと質問したら、女も男も犯す犯罪の内容に違いは無いと言われたという話が自分のジェンダー観の根元のほうにあったりして（その割にうろ覚えなのどうなのという感じですが）、要はのっぴきならない状況に追い詰められた時に発露する本質の、ようなもの、は、邪であれ善であれ性差を超えて同じであってほしいという願望含みの思想です（実際は統計としての犯罪の量や傾向に性差があることは理解しています）。

『パワー』の中には、一度得たスケインを去勢される、与えられた力をもう一度奪われる人物が出てくるのですが、彼女の在り方に著者の祈りが仮託されている感がありました。なにかを与えられたとき以上に、なにかを剥ぎ取られたときに、そこに立っている二つの異なるものが同じであったと分かる。本作においてその「なにか」は「力」であり、それが天秤の両側から剥ぎ取られたとき、作中唯一の男女が心を通わせる瞬間が描かれるのです（そしてそれは大いに、現実世界に対する諦念であるとも思います。持たざる者は持つ者になれず、持つ者にそれを捨てろと言うことはできない）。

メタな仕掛けとして本作は、史学者で「男流作家」のニールが、自身が執筆した歴史小説『パワー』の講評を権威ある作家のナオミに依頼する、という構成の中にあります。この外枠部分（特に末文）自体の皮肉も相当で、読了後に感想を漁っていたら「いかにも女性が書いた小説～男が書いたらこうはならないはずだ～」というような文章を見かけちゃったのですが、こういう「読めてない」感想をすべて作品世界に巻き込んでしまう意地悪で鮮やかな仕掛けだなあと。

気になったところは妊娠出産の扱いがかなり透明なところでしょうか。この設定の中での扱いづらさは想像に難くないので、オミットするのも理解できるけれど。帯の「ディストピア」という惹句も最初気になった（誰にとっての「ディストピア」？）のですが、読んだ後に見ればこれも現実世界に対するカウンター、ブーメランそのもので、やるじゃん、と思いましたよ（何様）。

『ドラッグ・ウォー　毒戦』

面白かった～。頭からおしりまで旨味がたっぷり。

前半の追跡＆捜査シーンは緊張の連続で、見てて疲れるくらいの密度。でも本当に面白い。特にジャン警部（スン・ホンレイ）の文字通りの名演技の数々は、キャラクターの格好良さが頭ではなく心で理解できる名シーン。

被疑者との心理戦や無線電波上の攻防を描きながら、まるでオシャレじゃないところが素晴らしいなあと。登場人物たちは皆息の合った連係プレーを見せるけれど、全然スマートに描かれていない。焦りと疲労と緊張でいっぱいいっぱいの表情からは血の通った必死さが伝わってくる。

後半、それまで捜査に協力していた麻薬組織側の男・テンミン（ルイス・クー）が開き直ってからの大銃撃戦は、前半以上の緊張と興奮の連続でホントもうマジですっっっごく面白かった。敵も味方もとにかく人が死ぬ！テンミン、敵も味方も裏切りまくり！女も身内も轢きまくり弾きまくり！可愛い顔して超卑劣！

彼の生への執着は惨めたらしさを越えて美しくすらあり、その「生き延びるため」という本能ゆえの原罪めいた暴力は、銃器を介しながらどこまでも生々しく痛い。求めよさらば与えられん、の精神であります。

強い強いその本能は彼を「最後の一人」に導いたけれど、逃げ延びる事は他ならぬジャン警部の執念が許さなかった、というのはこれ以上ない落とし所だなと。本能を凌駕した正義という理。試合に負けて勝負に勝ったというか。

それにしても眉毛の細い男が一人も出てこないって最高だなあ～。男も女も顔に厚みがある人ばかり。

『オンリー・ゴッド』

最高だった……。

鈍く重く、粘性が極めて高い画面運びがもたらす負荷は、要所に挿入される暴力の（さながら神罰のような）唐突な瞬きとねばっこく混ざり合って、段々遅さという抑圧それ自体が快感になってくる。それは主人公ジュリアン（ライアン・ゴズリング）が毒母から受けていた抑圧と、ハムラビ方式の復讐天使チャン（カラオケおじさん）が結果的にもたらした解放とを追体験させるようでもあり。

「昔の三池映画っぽい」という評を聞いて喜び勇んで観に行ったのですが、本当に三池映画（初期）っぽかった。おれの、おれたちの三池が帰ってきたぞ！みたいな……。Twitterでも書いたけど、全編バンコクロケ＆キャストの大半をタイ人で固めるのは『極道黒社会』っぽいバランスだし、カラオケおじさんの存在感は田口トモロヲや『殺し屋1』の塚本晋也を想起させる。色彩とねばっこい間、終幕後のポカン度は『牛頭』。武闘場での徒手空拳の対峙は『漂流街』の吉川VS及川の卓球対決を思い出し。なんというか受け手を戸惑わせる外し方なんだよな。

私が三池映画を好む一番の理由は、無茶や破綻をはらみまくった作品の中から何かしらを読み解こうと苦心する観客たちに「意味なんて無いよ」とサラリと言ってのけながら、しかしその笑った目の端の微妙な皺に、観客たちはやっぱり言葉にならない感傷を読み取ってしまう、そんな所なのです。すみません何言ってるのか全然わからないですね。主客が……。

『オンリー・ゴッド』も、意味深なようで意味なんて無い、でもそこから更に深く潜ったら何かが絶対にありそうな、そんな気配が充満していて本当にたまらなかった。これはギャグだいやシリアスだといった論争がちっぽけに思える、「これはこういうものなのだ」と言い切れる不思議な強度がある作品。

意味と無意味の線上で奇妙にバランスをとりながら、時折真理が鼻先をかすめる。そういう体験をさせてくれる映画でした。サンキューレフン。

(2014/1/26)

破滅の美学―ヤクザ映画への鎮魂歌(レクイエム) (幻冬舎アウトロー文庫)/笠原 和夫

・『破滅の美学－ヤクザ映画への鎮魂歌－』笠原和夫
仁義なきシリーズの脚本家による、ヤクザ社会の取材録＆ヤクザ映画の思い出本。幻冬舎アウトロー文庫とかいうなんだか身も蓋もない名前のレーベル。
侠客ものに比べて、ヤクザ映画の作り手は被写体であるヤクザたちをあまり英雄視しないな～と感じます。あくまでも一歩引いた目線で彼らの社会を活写している。とはいえ笠原和夫がこの本の中で書いているように、彼らのようなアウトロー達にどうしようもなく惹きつけられていたこともを確かだったと思います。仁義なき戦いに端を発する、東映ヤクザ映画の魅力の背景には、作り手達の＜男＞という存在に対するリアリズムとリリシズムのせめぎ合いがあったのではないかなと感じました。2つのイズムの中にある、異なるロマンが渾然となっているからこそ、単純なカタルシスには行き着かない、熱く混沌とした感情を観客に呼び覚ましたのだろうなあと。

ちょっとおもしろいなと思ったのが、笠原和夫が『緋牡丹お竜』の藤純子を指して「やくざ映画の〈情感〉は女を通しての方がより美しく、より効果的に書けるという手応え」を感じたというくだり。男性の身体は男性の中の男性的でない部分（そしてそれこそが男性の核心だと笠原は考えた）を「美しく」表現するにはあまりにも男性的でありすぎる、ということなのだと思います（男性男性うるせえな）。三島由紀夫の肉体と精神の噛み合わなさが奇妙にグロテスクに感じられるように。

四方田犬彦と斎藤綾子の『男たちの絆、アジア映画―ホモソーシャルな欲望』

男たちの絆、アジア映画 ホモソーシャルな欲望/著者不明

￥2,592

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という編著の中に高倉健の肉体について書かれた論文があるんですが、そこでは侠客ものの全盛期を担ってきた池部良や鶴田浩二が男性的な緊張をまとった肉体であったのに対し、健さんの肉体には彼らとは明らかに違う弛緩があったと指摘されています。筆者は前者を大人の男の完成された身体、後者を大人になりきる前の未完成な身体と定義し、それは当時の映画の観客であった「大人の手前」にいる男子たちの共感を大いに呼んだ、と論じているのですが、男性的でありすぎる体は男性（≠男性性）を十全には表現しきれない、という話とも結びついていくように感じます。

話はまた脱線しますが川原由美子『ななめの音楽』という漫画のことを少し。

眠れぬ夜の奇妙な話コミックス　ななめの音楽１ (ソノラマコミックス)/川原由美子

￥907

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近未来を舞台に、光子という少女が大戦機に搭乗し飛行レースに参加するという話なのですが、彼女が戦闘機に乗る理由の一つに、第二次世界大戦の記憶を追体験する、というものがありまして。空中戦で敵を撃墜し、敵に撃墜されていった兵士たちの、記録からは削ぎ落とされた歓喜、苦痛、悲哀といった感情群を、光子は自らの身体によって再現しようとしたわけです。
ヤクザや兵士が属するような男性社会は、名誉とは無縁な「弱い（とされる）もの」の感情を忌避する傾向にあり、男の身体の中でそういった情感の部分は表出を許されません。しかしそれが女性の身体で再現されるとき、「男らしくない」という枷が外されるがゆえに、より容易な表出と受容が可能となります。男性たちから奪われ打ち棄てられた「余剰の（しかしそこにこそ人間の核心がある）」記憶を再び掘り起こし弔う女性、という粛々とした構図の中で、男性性というものの寄る辺は非常に危ういものとなっていくわけです。その弔いの中で本当に埋葬されているのは、戦争に象徴されるような「男の社会」そのものなのだから（ネタバレになりますが、『ななめの音楽』最終話で光子は期待と確信を込めて「男性が必要とされない未来」の到来を予言し、後輩の少女・こゆるにプロポーズします）。

『ななめの音楽』を読んで以来、こういうテーマについて考えることが多くなった中で（ジェンダーSF漫画だと庄司創『三文未来の家庭訪問』も面白かったです）、まさか笠原和夫の著書から似たようなインスピレーションを受けるとは思っても見ず。

「これを要するに＜男＞というのは、子宮を持たない人類の半分が幻想として描いたフィクションであって、実体はどこにもない、というのがわたしの結論だった」

という一文を読んだ時は少し感動すら覚えました。＜男＞を突き放すにしろ愛するにしろ、それが仮構のものであることを心に留めて置かなければならないと思います。幽霊を殺すことも、幽霊と結婚することも、同様に不可能であるように。

(2014/1/8)

http://vimeo.com/70463623

※すごいっす

素晴らしすぎ！ライク手塚治虫な柔い描線と偏執的なまでに大量のコマが融合し産み落とされるニューロティックな快楽。繰り返し観てストーリーをなんとなく把握していくと、電灯ウサギが出てくる度に鳥肌が立ちます。後半、変質した少年にカメラが全くフォーカスしない所なんか本当に素晴らしいなあと。異形のものへの注視を拒むコンテが、それから逃げる人間の皮膚感覚との同調を喚起しているというか。見えている世界＝理解できる世界であるとするならば「視界の中心に捉えない」という演出は対象の異質さをより際立たせるんですねえ。其処此処に挿入される不穏なモチーフの連続が提供してくれるのは物語の核ではなく輪郭で、この淡さがまた実に心地よい。人と人ならざるものの境界線の曖昧さ、という主題は偏見かもしれないけれど女性の作家の方が好みかつ得手としている印象があります。「変身」は男の子で「変質」は女の子。スイッチとグラデーションの差というか。

(2013/7/28)

・山本精一
ギター一本と机上の機材で演奏。歌はなし。
先月バウスシアターで吸血鬼ノスフェラトゥを観ていたので、大体あんな感触なんだろうなーと予想していましたが（機材もたしか同じ感じだった）、その何十倍もスケールの大きなライブでした。星の一生を観るような、整合と混沌がてらいなく同居した展開。豊穣そのもの。山本精一という人の引き出しの多さ深さを実感させられたというか。退屈になりかねない長いアンビエントも、絶妙に挟み込まれる（それでいてあざとさのない）細かなフックによって美しさを湛え続けていて。
過剰さはなく、ただひたすらに豊かな時間でした。息をするような自然さであんな空間を作り出せる音楽家、精一さん以外に思いつかない。緊張はなく、かと言って弛緩しているわけでもない。ただそこにいて音楽をするだけの人って感じ。こんなに凄いことはないと思う。

・Phew
レトロくゴツい機材に囲まれ、黒いワンピースにヘッドセットを装着したPhewさん。硬質で単調なビート、しとやかなノイズ、原始的な電子音を忙しなく調節しながら、電波や波長についての朗読（というよりは説明）をマイクに囁きかける、人力マッシュアップという感じのセット。
とにかく物凄い完成度で。このままアルバムにしてほしいくらい素晴らしかった。どこか原点回帰のにおいもしました。現在のPhewさんが昔のPhewさんをプロデュースするような、コニープランクが生きていたらなんて言うだろう、って妄想してしまうような。
オペレーターという設定らしいけれど、遠くにいる人に呼びかける、という意味ではすごくPhewさんの歌にぴったりだと思いました。声や音を電波にのせるのは遠くへ届けたいからなんだよな、って思い出させてくれた。空間、時間、距離にはいろいろあるけれど、誰かに届けるためにそれを越えようとするって、すごく深い愛だよなって。

VJも素晴らしかったです。三面スクリーンでド迫力。山本精一セットはMasato TSUTSUI、Phewセットは本人が用意した写真映像を小林エリカがオペレーションしてたそう。極彩色の図形や光彩がインタラクティブに絶え間なく変化する前者と、白黒の静止画（たまに動画）がやや神経質な手つきで淡々とスライドされていく後者は、アプローチは真逆ながらそれぞれの音楽に実によく馴染んでいて、耳と目の幸福な一体感がありました。

Phewセット終盤で歌われたBig Picture「音楽みたいに」は、この日の総括のような趣がありました。たとえば音楽のようにあなたと拡がれたら～。

(2013/7/18)