次回は、今のところ特に見る予定の映画が無いので、「ポーラｘ」について書く予定です。感想を書いてほしい映画などがありましたら、言ってもらって構いません。

それでは、また。

今回はまだ上映中の地域もあると思うので、簡単なあらすじと見所なんかを書きたいと思います。どうしても批評（感想）とネタバレは分離出来ないと思いますので。この映画はDVDよりも映画館で見る方が望ましいと思います。見ていない方は是非映画館で。

ですが、ある程度はネタバレすることになります。そこは前もって断っておきます。

・あらすじ

中国、唐の時代の話。今から13年前に女道士に預けられた隠娘は両親のもとに帰ってきたが、美しく成長した彼女は暗殺者として育て上げられていた。女刺客となった隠娘の標的はかつての許嫁であった田季安。どうしても止めを刺せない隠娘は、暗殺者として自分の中に残る情愛に戸惑うのであった…

このような物語です。第一回目に引き続き著作権が怖かったので、自分でまとめてみました。

・「黒衣の刺客」本編について

この映画はモノクロ―ムでの二頭のロバのシーンから始まります。この映画はモノクロームとカラーの切り替えや画面の大きさの変更などを行っており、絵画のような映像に仕上げられています。また、隠娘が殺人を行う場面は、カメラが上を向くと木々が揺れ葉がぶつかり音を立て、その前で人物たちが佇み、夜を照らすロウソクの火がゆらめくだけで台詞すらありません。全編を通してこのように、ひたすら静かに、ゆっくりと、物語は進んでいきます。

ここで少し話がずれますが、この監督は台湾出身です。

興味のない方もいるとは思いますが、やはり台湾映画と香港映画は切り離せないものですので（個人的な意見です。悪しからず）、少し書きます。（興味のない方はとばしてもらって構いません。）正直自分も現実のことを分類するのは余り好きではありません。「捉え方」の１つですしね。

台湾では日本統治時代の1900年から映画製作がはじまっていたそうです。しかし、1937年の日中戦争によって、1945年までは実質的には製作されていません。その後、中国大陸の映画製作者が台湾へと渡ってきたことで、1949年以降台湾映画は再び発展し始めましたが、政府の規制によって台湾語などによる映画は徐々に減少していったらしいです。

1980年代になって映画鑑賞が一般的になりましたが、娯楽の要素が強い香港映画などの流入によって台湾映画は淘汰されていきました。（最近の香港映画で有名なものは「少林サッカー」ですかね。この映画は割と好きかもしれません。(笑)）それに対抗して台湾映画の運動が起こるわけですが。この時期の台湾映画は台湾で暮らす人々を写実的に映すことで「共感」を軸とした作りになっているような気がします（あくまで個人的な感想です）。虚構性の追及というより、寧ろリアリズムの追求と言えるでしょう。これによって国際映画祭で受賞するような作品が出てくることになります。矢張り「リアリズム」や「虚構性」というテーマは普遍的なものなのかもしれません。そういうテーマを映像として表現している映画というのが、ずっと見られていくことになるのでしょうか。

矢張り面白い作品を作る人というのは、現実で色々な経験をしているような気がします。面白い作品を見たり、読んだり、批評したりするだけでは不十分かもしれませんね。話がまた脱線していました。

今回の「黒衣の刺客」も娯楽の要素が強い香港映画とは対極にあるような作品だと感じました。この映画のテーマにも「リアリズムの追及」があると思います。こういう作品こそ娯楽だという人もいるでしょうが。台詞が少なく、ストーリーもかなりゆっくりと進みます。そして、ストーリー自体について言及する所は、個人的には無いかなと思います。主人公である隠娘の葛藤や人間性を取り戻す所がストーリーの見所かもしれません。只、カメラワークや舞台といったものが兎に角美しく、圧倒されます。（そういうシーンを１つ１つ取り上げることはしません。）特に「赤」という色が注目されるように作られている印象を受けました。また、「女性」を中心に作られてもいます。（恐らく）暗殺の師匠と主人公は女性ですし、「赤」という色や森のシーンもそれを想起させる意味でも扱ったのかもしれません。「女性」は複雑な感情を表現するという点において、芝居には欠かせない要素とも言えるでしょう。「女性」と孤独の象徴とも言える「刺客」の組み合わせも、官能的な美やエロスを感じさせるためなのかも知れませんね。（あくまで個人的な意見であり、差別を助長するつもりはありません。）そのような演出によって、CGやSFXといった過剰とも取れる演出を行う映画がある中で、寡黙による緊張感こそが最も過剰な演出だと示しているのかもしれません。個人的にも後者の演出の方が好きですね。また、前者のような演出が多い作品は「観客の慣れ」によって頭打ちになりそうな感じが否めません。そういう意味でもこの作品は極めて純度の高い作品だと思います。只、一か所少し残念なアクションだなと感じたシーンがありました。多分僕の気のせいなので、触れないことにします。(笑)

黒澤明監督のオマージュと取れるシーンも散見しました。監督自身も黒澤監督について言及していたので、意識して行っているのでしょう。黒澤作品が好きな方は是非劇場で。(笑)

これで一応終わりですが、自分はホラー映画がとても苦手です。紹介されても絶対に見ません。冗談抜きでトイレに行けなくなるので止めてください。

"All the world's a stage.And all the men and women merely players."

では、またの機会に。

先日書いた「ホーリー・モーターズ」は少し加筆します。後半は書きたいことを結構削っていたので。

それでは、また。

記念すべき第一回目はleos caraxの「holy motors」。

自分にとってはleos carax作品の中でもこの映画は特別な作品です。何しろこの映画でleos caraxという映画監督を知ったのですから。初めてブログを書く上であれこれ悩んだ結果、個人的に思い入れ深いこの作品について書くことにしました。

個人的に言うとこの映画は「人生は舞台」（「役者のメタファー」とも言える）、「映画の変遷及び映画の在り方」、「監督自身（の映画）に対する問い（アイロニー）」という３つの大きなテーマに基づいているように感じました。分けて書きましたが、２つ目と３つ目に書いたテーマはほぼ同じと捉えてもよいと思います。簡単に言うと、”映画”に対する批評を行いながら他のテーマも扱っている、ということです。ここで予め断っておくと、個人的な解釈なので他の捉え方もあると思います。

・「holy motors」の大まかなあらすじ

夜明けから深夜までの一日を巡る主人公oscarの物語。彼は一日の間に様々な人物としてパリの街を往く。あるときは銀行員、またあるときは乞食の老婆、はたまた怪人（merde）から殺人者まで・・・。彼の目的は一体何なのだろうか？

このような物語です。著作権が怖かったので、自分でまとめてみました。先が気になる方は是非映像でみて下さい。ここから先はネタバレなので、まだ観ていない方は読まない方が良いかと。

※ここからは映画を観た前提で話を進めます。また、同監督の他の作品にも触れて話をしているので、分かりにくい部分もあるかも知れません。

・「holy motors」本編について

まず冒頭の白黒映画のシーン。これは恐らく映画黎明期に撮影されたものだと思います。というのも映画黎明期（映写黎明期ともいえるかも）の映像にはある特徴があり、それは「動作の繰り返し」・「無音声」です。勿論カメラは動きません。これによって馬の走り方なんかが解明されたのは有名ではないでしょうか。今でもこういう映像は作れますが、恐らくleos caraxはそういうことはしないだろうという個人的な思い込みからかもしれません。悪しからず。

さて、この黎明期の映像は冒頭にも登場しますが、作中では何度かこのような映像が流れます。ここから、２つの意図が考えられます。

①映画の歴史を示す。

②映画黎明期の映画と現在の映画の比較。

２つと書きましたが、これらは独立したものではないことが容易に分かると思います。特にcarax作品を見ている人なら直ぐに気づくでしょう。映画の中で映画というものについて考えているのではないか、と。（後述）

次に映画館のシーン。とある映画館で顔がない観客達（厳密に言うと顔が見えない）が映画をみている。よく見ると、赤ん坊が通路を歩いています。どういう意図かは良く分かりませんが、監督自身のメタファーというのが一般的でしょう。そこにleos carax（監督本人）が観客達を見回し、映画を見る。（観客の顔がなかったのは、監督にとって観客というものが不特定多数の人間達というのを端的に表しているのかもしれません。）その映画の主人公というのが先程も述べたオスカー（ドニ・ラヴァン）。ここからメインストーリーに入っていきます。（まあ、全部メインですが。）ガラス越しの少女のシーンは印象に残った方も多いのではないでしょうか。監督の娘さんだそうです。

ここから、オスカーの物語が始まります。冒頭でも述べたようにオスカーは様々な人物を演じていきますが、これが彼の仕事です。劇中では"アポ"と呼んでいました。劇中で今日は９つのアポがあるとオスカーの側近のセリーヌ（エディット・スコブ）が言っていました。（後述）

最初のアポは富豪の銀行員。車の中でオスカーが弁当を食べる場面があります。これ。和食なんですよね、恐らく。しかも箸を使って食べています。(笑)後の「アポ」のmerdeに繋がるなあと思った方もいるでしょう。merdeはオムニバス映画「tokyo」に登場した人物です。また、似たようなテーマを扱った邦画（アニメーション）があります。今敏監督の「千年女優」です。そうなってくると…何かしら思うものはあると思います。

・・・考えすぎですね。(笑)

冗談はさておき、この作品はオマージュだと思う場面が多いです。自分が多いと感じるので、人によってはもっと多く感じると思います。従ってオマージュが分かる人と分からない人との評価は大きな差があるのではないでしょうか。また、この映画のテーマの１つである「人生は舞台」というものを扱った作品は他にもあります。先程挙げた「千年女優」がその１つですね。ですから、下敷にあるのではないか、という作品は多いと思います。（そういう作品は自分よりも詳しい人が挙げていると思うので特には触れません。）

２つ目のアポは「乞食の老婆」。１つ目のアポの「富豪の銀行員（老爺）」と対になるようにしているのでしょうか？敢えて決めつけることはしません。演じるアポの幅を示したかったのかも。

３つ目のアポが「モーションキャプチャーでのアポ」。leos caraxには珍しくCGやSFXを取り入れています。後に出てくる「行為の美しさ」というのを（観客に対して）端的に表現しているシーンですね。また、ドニ・ラヴァンの演技も凄い。女性と交わるシーンはモーションキャプチャーでのセックスを表現しています。非常に綺麗でした。劇場で見たときは思わず唾を飲み込んだのをよく覚えています。

また、この後のリムジンの中で「今週は森のアポはないのか？」と聞いていることから、オスカーが疲れており、癒しを求めているように感じられます。これは後の会話に繋がるものなので、少し頭の片隅に置いていて下さい。

４つ目のアポは「merde」。ここも３つ目との対比と見られるかもしれません。同監督作品の「Tokyo」でのあの怪人です。登場はやはりマンホールの中から。「ヴォ―ヒーヴィー！」という叫び声が聞けて嬉しかった人もいるはず。墓場の場面でよく見ると、墓に刻んであるのが人の名前ではなく、サイトのURLなんですよね。(笑)これは監督の皮肉を込めたユーモアなのかも知れません。

女性のモデル（エヴァ・メンデス）がイスラム風の格好をするシーンは絵画のような美しさがありました。ミケランジェロのピエタのような構図の場面もありましたし。また、このモデルは最後の子守唄以外セリフがありません。無言でいることにより、緊張感が出ていて良かったですね。これは全編通して言えることではありますが。矢張りセリフが多いと緊張感が無くなり、間延びしてしまいます。

５つ目のアポは「娘がいる父親」。（人によってはアポでは無いと解釈するかも。）実際にこのようなやり取りが監督と娘の間にあったのでしょうか。車内の中での「（お前の罰は）お前がお前として生きていくことだ」というセリフは、アポをひたすら演じていくオスカーにとってはアイロニーのように感じました。”父親”という「役」へのアイロニーもあるでしょう。この後のオスカーの苛立ちはそういった部分もあったかもしれません。（もしかしたら、苛立ちまでアポかも知れない）この映画はアポとアポではない部分との境界がはっきりとしません。だからこその振れ幅があるとは思いますが。

次は「インターミッション」。インターミッションとは映画館での休憩時間です。また、インターミッションという題名の映画もあります。

恐らく多くの人がこの映画を通して最も印象に残った場面ではないでしょうか。必見。

６つ目のアポは「殺人者」。このアポの冒頭でアレックスと呼ばれているので、オスカーの名前はアレックスかも知れない。因みに監督の本名はAlexandre Oscar Dupontです。アレックス・オスカーなんですよね。また、同監督の代表的な映画の主人公もアレックスという名前です。

（付け加えるとalex oscar→leos caraxアナグラムになっています）

このアポは大事な場面の１つですね。何故ならこの場面によって、オスカーにとってアポというものが単なる酔狂では無いと示すことになるからです。文字通り命を懸けてアポを行っている、と。しかし、首をナイフで刺された後、車に戻ると致命傷のはずなのに平然としています。あくまでこれもアポ（フィクション）に過ぎないということを暗示しているのかも。

その後、リムジンの中でオスカーの仕事の関係者らしい男と言葉を交わします。

「君にとっての原動力は何だ？」

「行為の美しさだ」

「美しさ、それは見るものの瞳の中にあるという」

「見る者がいなければ？」

「カメラは昔は人間より重かった、それが小さくなり、今では見えない」

見る者がいないとき、「作品」は「作品」足るのでしょうか？これはほとんどの”もの”に内在する問いでもあります。誰も見る者がいない美は美では無いなら、行為の美しさの為に演技を続けるオスカーの行為は何なのだろうか？ここからのオスカーのアポはひたすらアイロニーが付き纏います。

しかし、将来に向かった何らかの目標のためではなく、行為というものそのものの美しさこそが、生きること（演じること）の原動力であるとするというのは、目的の為に行為を行う私達からすると、滑稽さを通り越した美があります。

ですが、自分は何者なのか、という問いに対しては答えが出ません。「見られること」―他者の存在―によって自分が存在付けられるのであれば、他者を取り除いたとき果たして自分は何者なのだろうか、と。

また、これは映画という芸術に対する嘆きという解釈も出来るでしょう。観客がいない映画というのは、最早映画として成立しないのだろうか、と。これは冒頭の場面の顔のない観客と繋がりますね。

少し話がずれますが、この「holy motors」は「映画（というフィクション）」の中に「アポ」と呼ばれる映画内での演技を用い、更に「フィクション」を作り出しています。つまり、私達観客が見ているのは「虚構」と「虚構の虚構」という２層構造を同時に見ている訳です。当たり前のことではありますが、フィクションはフィクションであることから抜け出せません。所謂「ノンフィクション作品」というものも、演出や虚構によってフィクション足りえます。この作品はフィクションの虚構性を逆に強調することによって、ある種のリアリズムを追及していると言えるでしょう。ペルソナでは人の本性は分からないとされるが、逆にペルソナ（の集合体）がその人足りえるのではないか？といった感じですね。（因みに個人的には後者の意見です。端的に言ってしまうと、外界への反応を集積、再構築されていくものが心というものではないかな、と。話が脱線してしまいました。）　

また、一日の中で様々な舞台を描くというのは、フィクションであることを観客に意識付けると共に、（映画の中での）一人称・三人称、（映画を見ている）自分という三つの立場を意識させるものでもあります。同じような構成の小説の１つにジョイスの「ユリシーズ」が挙げられると思います。普段はこういう線引きをしないまま生活していますが、線引きがなされたものを疑似体験として捉えることで、対比を観客に意識させるためなのかも知れません。

「カメラは昔は人間より重かった、それが小さくなり、今では見えない」というのは、カメラというもの、ひいては映像というものに対するレクイエムでしょうか。現在はSNSを共有することで、絶えず誰かに見られていると言えます。街頭の監視カメラへの不安というものは以前よりも薄れているでしょう。自らを、また、自らの何らかの人格の”カタチ”を晒すことへの抵抗とも言えますが。

また、自らをカメラに撮り第三者に自分をさらすという者もいます。見られることよりも、見ることの方が寧ろ優先されていると言えるでしょう。見られるということが特別なことではなくなったということです。そして、恐らく意図して撮られた「holy motors」の映像よりも、意図せずに撮られた無数の映像の方が虚構性が少ない分現実に即しています。「人生は舞台」とするならば、全ての動物、植物、空間を映し、繋いで作られる映像群も映画と呼べるでしょう。これは映画を作る者からすると、意識せざるを得ない皮肉でしょう。以前は撮られるという行為はシャッター音やカメラそのものの存在によって”示されて”いました。しかし、現在は”示す”必要がありません。スマートフォンのボタンを押すだけで半永久的で編集可能な映像が手に入ります。文字通り人よりも大きかったカメラは次第に小さくなり、今ではスマートフォンなどの小型の機械に収まる小さなものになってしまいました。カメラそのものの存在が見えず、意思も”示されない”ことで、「撮られる」覚悟は忘れ去られている。このセリフはそんなノスタルジーを示しています。最後の車が話すシーンに繋がるものでもありますね。

しかし、逆に、「設置の監視カメラやそれに類する人々の目によって、常に第三者から監視されており、その他でも役割の演技を強要され、その演技をお互いに監視で鑑賞されながら、疲弊のなか人々が生きているのではないか」という解釈も出来ます。所謂パノプティコン―監視される管理社会―のメタファーですね。アポ（演技）に疲れているというオスカーの描写がそれを物語っているとも言えるでしょう。

７つ目のアポは「銀行員殺し」。これはアポかどうか良く分かりませんでした。しかし、オスカーが１１の役になるとするならば、アポとしないと数が合わないんですよね。更にアポとも取れるシーンもあります。只、鉄砲で蜂の巣にされてもオスカーが生きていることによって、これがフィクションであるということを観客に対して強く印象付けることになります。「股関を狙え！」は痛快です。(笑)

８つ目のアポは「今わの際の老人」。息を引き取ろうとしている老人とそれを看取る姪。これも６つ目のアポと対になっていると言えるのかもしれません。彼女の相手が自分の財産を目当てで彼女と結婚したことで、不幸にしたことを詫びる感動的な場面があった直後に、これも「アポ」に過ぎないということを突き付けられます。そして、姪も「アポ」を演じているに過ぎないと示されることで、この世界全体がフィクションであるということを更に強く印象付けることになりました。

そして、「昔の恋人との再会」。ここも非常に重要な場面です。「あと20分でわたしのパートナーが到着する。20分でわたしたちの20年分を埋めましょう」とかつての恋人（カイリー・ミノーグ）が言い、取り壊されているサマリテーヌというデパートに入っていく。これは「ポンヌフの恋人」で登場した建物であり、実在します。実際に取り壊される建物の中で撮影したんですね。彼女とオスカーは無言のまま階段を登っていき、彼女が「Who were we?」を歌いだします。これはこの映画の大きなテーマの１つでもあります。「行為の美しさ」で演技を続けるオスカーですが、自分自身であることに疲れているように描写されています。その中で改めて「自分は一体何者なのか？」という問いが出てきます。その問いの中で、改めて”自分”を生き直すことを考えるのでしょう。

ところが、この「Who were we ? 」を歌った女性は､　オスカーが建物の下に降りていくと、飛び降り自殺しており、頭から血を流しているのです。その傍らには同じく彼女のパートナーも死んでいます。映画の中のことだが演技であった筈のことが突然映画内の現実となってしまいます。この世界全てがアポ（虚構）ではないのか？という問いがまた出てくることになります。

９つ目のアポは「あなたの家」。チンパンジーの妻と子供が出てきます。「マックス、モン・アムール」のオマージュだと思います。最早映画に人間は必要ではないというメッセージでしょうか。また、他の動物も演技をしていると言えるのではないか？という問いであるようにも感じました。決めることはしません。

最後にリムジンの運転手セリーヌが車庫であるホーリーモーターズに車を停めます。そして仮面を付けて去っていきます。これは「顔のない眼」のオマージュかも。かなりグロテスクなシーンがある映画です。今でも自分はこの映画が見れませんね。(笑)

仕事が終わったのに素顔を隠すところから、ペルソナの具現化とも言えるでしょう。仕事が終わった後は本来の自分を隠し、別の顔になる。彼女もまた演じている一人なのだということを印象付けます。

そして車庫に集まったリムジンたちが話し出します。

「人間は見える機械を必要としない」

「もはや行為も望まない」

「アーメン」

”モーションこそエモーショナル”と示しているが、最早行為が必要とされていない。他の映画に対する皮肉とも取れますね。「行為の美しさ」を原動力とするオスカーの姿と重なります。

この会話でこの物語は終わりです。最後に2011年に亡くなったレオス・カラックスの妻、カテリーナ・ゴルベワの写真と「カーチャ（ゴルベワ）。君に捧ぐ」というメッセージが出てきます。これを見た時、この作品が生と死を繰り返し見せるのは、今まで作り出してきた映画を全て使うことで、最愛の人への想いを表現したかったのかも知れないと思いました。

最後に、この「ホーリー・モーターズ」という題名について。

motorとは「何かに動きをあたえたり、自ら動いたりするもの」という意味です。（間違えていたら御免なさい。）語源はラテン語の「moto」（→set in motion）です。

「holy motors」―神聖な”動力”―映画の冒頭、少年が物を地面に叩き付けて壊すという動作の繰り返しの映像から、この映画は始まりました。

”運動”こそが映画を動かす動力（motor）なのだ、と。

ここまで長々と物語について書いてきましたが、ストーリーを言葉で表現することは恐らく監督自身は望んでいないでしょう。この作品が”motor”―肉体の動き、映画のモーターとしてのカメラ、への映画である以上。これまで映画というものの根本であった様々な”motor”に対するレクイエムであり、映画の再定義でもあるという気がしてなりません。映画という芸術が、ストーリー性に注目される中での、細やかかつ皮肉を込めたメッセージなのかも知れませんね。

”mortalとしてのmotorを”―なんてね。(笑)

"All the world's a stage.And all the men and women merely players."

では、またの機会に。