既にシューベルトはもとより、モーツァルトが亡くなった歳よりも生きて来た、というのにである。

そんな歳にもなって、まだ高校球児がお兄さんに見えているなんて、普段、如何に鏡を見ていないか、なんて問題では済まされまい。

尤も、電車などで遭遇する高校生は明らかに若さに溢れているから、そんな錯誤も早々起きないのだけれども、テレビジョンに映る彼等の人生を掛けたプレー、年々ハイレベルになるインタビューへの受け答え等を見ていると、数段、自分よりも成熟した人間に思われるのだ。

そんな気持ちで日々生きているのだけれども、仕事先等で初めて会う方には、屡々、もうシューマンの歿年を越えるくらいの歳と見積もられている。

それは容姿の問題なのか、それとも人にはよく成熟した人間として私も写って見えるのだらうかしら。

何れ、歴史に名を刻む大家の音楽を聴く度に、天才は押し並べて如何に早熟であるかを思い知らずには済まされない年齢になったのだけは確かだ。

ギヨーム・ルクーもまた２４歳で夭折したベルギーの天才である。

私が、ルクーに夢中になるきっかけとなったのは、未完に終わったピアノ四重奏曲の第１楽章だった。

冒頭、何とも異様な熱情に駆られた幕開けをする作品で、こんな音楽を書いていたら早く死ぬのも道理だな、と得心したものだ。

偉大な作曲家は、皆、作品の中で、半ば自らを葬り去ってから死んでいくが、ルクーのピアノ・カルテットにも、そんな気配が漂っている。

だから、彼の死因が食中毒による腸チフスでの急死というのは、些か拍子抜けの感がある。

ルクーの音楽に彼の死を予見させるものを聴いたならば、それは聴き手のいい加減なイマジネーションの賜物に過ぎない訳だ。

しかし、そのずれにこそ、芸術が高尚たる所以もあろうか。

それは兎も角、ルクーの代表作は、なんと言ってもヴァイオリン・ソナタである。

30分に及ぶ大作で、仮にそれまでに書かれたカルテットやトリオ、チェロ・ソナタが、とても才能ある作曲家の優れた習作という域を脱していないと鑑定されるとしたら、ルクーの才能が開花した殆ど唯一の作品とも言える。

ルクーは、音楽の始め方がとても上手い作曲家で、ヴァイオリン・ソナタも冒頭の旋律からして、一瞬にして清々しくもどこか孤独な世界が開かれ、この瞬間に感動を覚えなかったら、恐らく30分間、一度も感動する場面はなく終わってしまうだろう。

ベルギーの作曲家のヴァイオリン・ソナタと言えば、ルクーの師でもあるセザール・フランクの作品がやはり高名で、フランス系のヴァイオリン・ソナタの最高峰とされている。

フランクもルクーも、ベルギーの偉大なヴァイオリン奏者である、イザイの為にソナタを書いており、そのヴァイオリン・ソナタを以て、偉大な作曲家と認められる様になったという所まで共通している。

どちらもフランクが編み出した循環形式という仕組みの音楽となっているが、師のソナタには鬱々とした雰囲気が漂い、且つ、デカダンスな薫りのない敬虔な重みがあり、対する愛弟子のソナタはとても瑞々しくて、やや頽廃的な気配も籠る、耽美的な陶酔の世界を揺蕩う。

私は断然、ルクーの方に惹かれるが、それが性分なのか年齢的な共感の故かは分からない。

人間は年齢と共に好みも価値観も変容する。

しかし、若い頃と晩年とでどちらが深化しているかは、案外に分からないものでもある。

創作の頂点が比較的若い頃に訪れた長命な作家ほど、不当に扱われるものもない。

ルクーの素晴らしいヴァイオリン・ソナタが、彼の早すぎた死によって、その価値を高める事はあっても、減ずる事はないのである。

そういう音楽の聴き方に対して、音楽を聞く耳がないと評する向きは多いけれども、夭折の作家に同情する真心の方がどうして浅はかだと言えようか。

そもそも、人間が人間の仕業に感動するという事に、私は大した値打ちはないと思う。

なんの値打ちもない事として、私はルクーの音楽に魅了され、強いては己の人生に喜びを禁じ得ないまでの話だ。

一、

フィリップ・ヒルシュホーン（ヴァイオリン）

ジャン＝クロード・ヴァンデン・エインデン（ピアノ）

1991年録音、リチェルカーレ盤

ルクー大全に納められている録音。

ヒルシュホーン程、ルクーを弾くに相応しい人もいない。

だから、これ以外の録音は、巖本真理からデュメイに至るまで多くの盤を既に手放してしまった。

ヴァイオリン・ソナタに限らず、ルクーを聴きたいなら、兎に角、リチェルカーレのルクー大全を入手すべきだ。

作者：

Guillaume Lekeu（白1870-1894）

演者：

Philippe Hirshhorn（拉1946-1996白）

Jean-Claud Vanden Eynden（白1948-）

内心の自由に干渉してまで、労働災害を阻止しようとは、並々ならぬ覚悟があったに違いない。

差し詰、階段は、細心の注意を払って上り降りなければならない、予断を許さぬ危険地帯である、という所か。

そんな事を考えながら階段を上っていたら、勢い目的階よりも二つも上の階まで上がってしまった。

上りだから行き過ぎくらいで済んだけれども、これがもしも下りだったら、足を踏み外して骨折していたとも限らないし、打ち所が悪ければ命を失うとも限らない。

やはり、階段とは空恐ろしい危険が潜んでいる場所である。

否、いっそ恐ろしいのは人間の内心の営みの方か。

ベルリオーズがフランスの偉大な作曲家であることに異論のある人は少ないだろうが、幻想交響曲以外の作品が然程知られていないのもまた現実である。

幻想交響曲では、失恋して阿片を服用した感性豊かな芸術家が幻覚に苛まれるさまが、シンフォニーという枠の中で描かれている。

これは失恋を題材とした半自伝的な作品でもあり、ベルリオーズという人自身、とても感性の鋭い作曲家ではあったのだけれども、実際に阿片の服用者であったかは不確かなのだそうだ。

女装したとか、楽器ができないとか、ベルリオーズを奇才に仕立て上げようとするエピソードも、どうも事実を大袈裟にしている様で、ベルリオーズという人を見誤らせる類いの話である。

この人の音楽は、本質的にはとても全うで常識的だと私は思う。

幻想交響曲は五つの楽章に別れている。

後半の二つの楽章が何やらグロテスクであり、圧倒的に面白いのだけれども、前半の二つの楽章のロマンティックな情景も色彩鮮やかだ。

問題は第３楽章で、ここが幻想交響曲の物語の核で、幸せな想い出が忌まわしき記憶へと徐々に変貌を遂げる山場でありながら、音楽は比較的穏やかに進むため、聴いていて屡々眠くなる。

その音楽の柔和な移ろいに陶酔出来るか、或いは何とも冗長であると感じて退屈するか、ベルリオーズの音楽世界への扉は、正にこの楽章にこそ開かれている。

そして、その扉の鍵を探し出したからといって、扉が簡単にこじ開けられる保証もない。

ロマン派の音楽には文学と切り離せない作品が少なからずあるが、ベルリオーズの音楽は、その中でも殊に文学的な指向が強い。

そういう音楽作品の文学的な背景をきっぱりと切り捨てて、幻想交響曲を聴いたなら、それは中々に骨が折れる作業だ。

それこそ階段を転げ落ちる程に、物語の中に入り込んでみなくては、ベルリオーズの音楽は響かない。

内心に深く働きかける事を音楽の方から欲して来るのである。

それくらい、幻想交響曲は、或いはロマン派の音楽とは危険な存在なのだ。

大いに考え事推奨という算段なるか。

一、

レオポルド・ストコフスキー（指揮）

ニュー・フィルハーモニア管弦楽団

1968年録音、デッカ盤

ベルリオーズという人が冷静に幻想交響曲という狂乱な音楽を書いている、という点にフォーカスした演奏。

作品の中に入り込み主人公となるのではなく、あくまで語り部としての客観的で理知的なアプローチを取りながら、一筋縄ではいかない狂った音楽が鳴り響く。

第３楽章の美しさは筆舌に尽くしがたい。

二、

アラン・ロンバール（指揮）

ストラスブール・フィルハーモニー管弦楽団

1973年頃 エラート盤

颯爽と流れる演奏。とにかく若い。音の運びが好い。

いたずらに勢いに逃げるのではなく、物語の描写にも優れており、主人公の見た世界を見事に代弁する。

小説を映画化した様な演奏だ。実に儚い。

作者：

Hector Berlioz（仏1803-1869）

演者：

Leopold Stokowski（英1882-1977）

Alan Lombard（仏1940-） 

本当に用意できるか確認されたので、背広はブラックとネイビーとダークグレーではどれが一番相応しいか、ピークドラペルとノッチドラペルではどちらが良いのか、短靴はストレートチップが望ましいのか、内羽根が良いのか外羽根でも問題ないのか、逆に確認させて頂いたところ、そこまで拘る必要はないと言う。

というよりも、こちらの質問の意味が全く分からないというのが本音の様だった。

そんな調子なので、こちらとしてはどんなネクタイを用意したら良いのか聞くのを忘れて、いよいよ困ってしまったのだけれども、担当者がいい加減なのだから、こちらも適当なネクタイで行くしかない。

当日、現場に行ってみたら、成程、そもそも先方が甚だ出鱈目なのだ。それなら、初めから答えようも無さそうなものである。

短日派遣を馬鹿にする人は多いけれども、派遣会社に仕事を依頼する方も依頼する方という事か。

さて、ロベルト・シューマンは、ドイツ・ロマン派音楽のど真ん中に君臨する作曲家である。

この人の音楽を好きか嫌いかと言われると、私はとても困る。

普段、録音を聴くことは殆どないけれども、シューマンの交響曲、弦楽四重奏曲、そしてピアノ三重奏曲は、実演で聴きたいと思う音楽の筆頭格だ。

これらの音楽は、シューマンのファンタシュティック、或いはエキセントリックな才能が存分に発揮されているとは言えない面があって、どこかぎこちない。

新入社員がまだまだ背広に着られている、そんな感じだ。

その初々しさこそが、私の心を捉えて離さないのである。

シューマンは、形式に捉われずに、自由に創造の翼を羽ばたかせた小品にこそ、その才能を存分に発揮できた人なのだけれども、そういう完璧な着崩しの技を見ていると、シューマンの趣味は、少々悪趣味だと思わないでもない。

シューマンに限らずロマン派の音楽がそれほど好きではない理由も、多分、そういう着崩しの妙味の趣味の違いにある。

だから、フォーマルな型の中で窮屈にもがいているシンフォニーやカルテット、トリオにこそ、シューマンという人の生き辛さが出ていて、同情と共感を禁じ得ない訳だ。

そんな中にあって、交響曲第４番は、晩年に改訂した事もあり、見掛けはとても立派であり、交響曲という型をよく着こなしている。

タキシードにホワイトタイをする様な不可思議さはなくて、それどころか足元を見ればオペラパンプスなんかをきちんと履いている、といった具合に整っている。 

その誂えには、親しみを持って接していた人が、実はとても遠い世界の人だった様な、よそよそしさ、距離感を覚えなくもないが、逆に、こんなにもご立派になられましてという感慨も勝手に沸くし、馬子にも衣装という気もしないでもない。

装いは人格を造る。

けれども、人間の本質は、やっぱり何も着ていない姿にこそ現れるものだ。

ただ、仕舞いには生身の肉体までをも変えてしまう位に、装いは人間を鍛え上げるものである、という事を知る人は少ない。

無論、私もそんな高尚な世界の住民ではない。

しかし、交響曲第４番は、シューマンが、そんな高みをひたすらに目指し、確かな成果を掴みながら、それでもなお人生に敗北する兆しをも見せつけられる様な音楽だ。

その一連の人生のプロセスが、こんなにも儚くも美しい音楽として昇華されるのは、先にも後にも、ロベルト・シューマンだけの特権の様に思われてならない。

一、

北村憲昭（指揮）

チェコ国立モラヴィア・フィルハーモニー管弦楽団

1997年録音、G.face盤

全編を通じてくぐもった響きがあり、シューマンのハーモーニー、オーケストレーションの妙味を味わう事が出来る。

オーケストラの卓越した音楽性には驚くばかり。

二、

ヘルマン・アーベントロート（指揮）

ライプツィヒ放送交響楽団

1956年録音、ベルリン・クラシックス盤

稀代のシューマン指揮者アーベントロートの代表的な録音。

シューマンの魂が完全に乗り移った凄みは、録音の古さを軽く超えてしまう。

シューマンを聴いて、大伽藍を仰ぎ見る様な崇高な気持ちを抱かせるのは、ただ一人アーベントロートだけだろう。

三、

トーマス・ダウスゴー（指揮）

スウェーデン室内管弦楽団

2007年録音 ビス盤

交響曲第４番は改訂版のみならず、原典版も残されており、ダウスゴーはどちらも録音している。

単に小編成の演奏というに留まらず、ハーモニーの明晰さ、リズムの切れ味共に、他の追随を許さない。

ダウスゴーの交響曲全集は、シューマン録音史上最も精練された標本である。

作者：

Robert Schuman（独1810-1856）

演者：

北村憲昭（日1949-）

Hermann Abendroth（独1883-1956）

Thomas Dausgaard（丁1963-）

そう言う私も左利きではあるけれども、酒は飲まない口だ。

一口に左利きと言っても様々ある。

モーツァルトがどの程度の左利きであったのかは、文献を調べたこともないので私は知らないのだけれども、少なくとも利き手は左手であって、左利きに天才が多いという話題には、レオナルド・ダヴィンチと共に、必ずと言ってよいほどに名前の上がる天才中の天才である。

また大変な神童でもあったから、比較的短い生涯であったにも拘わらず、沢山の名作を残している。

詰まり、二十歳過ぎてなおただの人になる事もなかった、正真正銘の大天才という訳だ。

そういう天才の音楽であるから、凡夫の私には中々に共感しがたい、ある種の冷たさをこの人の音楽に感じることが屡々ある。

全般的にどこか酔狂で、掴みどころのない、いや捕らえられる事を拒絶した様な音楽だと思うのだ。

だから、巷で傑作とされている作品よりも、モーツァルトにしては秀作という程度に扱われている作品の方が、親しみを持って聴くことが出来る。

交響曲なら29番、ピアノ協奏曲なら12番、そしてヴァイオリン協奏曲なら3番だ。

全ての楽章が名旋律に満たされており、難しい事を考えずに、ただただ耳を傾ければよい。

逆に言えば、その名旋律に頼り過ぎているとも言える、起伏の穏やかな音楽であるから、好みの演奏で聴かないと、酷く詰まらなくもある。

特に美しいのは、何と言っても第二楽章だろう。

モーツァルトにしては珍しく息の長いメロディで、ヴァイオリンが延々と歌う様は、嵌まれば天国、外れれば地獄だ。

一、

ブロニスワフ・フーベルマン（ヴァイオリン）

イッサイ・ドブロウェン（指揮）ウィーン・フィルハーモニー管弦楽団

1934年録音、オーパス蔵による復刻盤

とても古い録音ではあるけれども、お薦め出来るのはこれ一枚のみである。

兎に角、この録音が好きで、他のヴァイオリニストの録音は、自分が贔屓にしている人を含めて、どれも詰まらないと思ってしまうので、聴く気がしない。

フーベルマンは、完全に自己の音楽世界に入り込んでおり、官能的で艶かしい。

伴奏のウィーン・フィルの音色がまた絶品で、フーベルマン共々、モーツァルトの美旋律に酔いしれている。

ただ、聴き逃してはいけないのは、どんなに耽美な世界に陶酔していても、終始ヴァイオリンの音色は隅々まで研ぎ澄まされていて、一切の弛緩がない。

この緊張感こそが妖艶也。

フーベルマンの演奏は、とても評価の別れる所ではあるけれども、他の多くの真摯なヴァイオリニストの誠実な演奏の方が、余程、甘美に流れて隙があろうと思われる。

フーベルマンのヴァイオリンは、言わば酔拳の達人の様なものか。

酔っぱらっている様に見せて、実のところは素面の達人のみがなせる、冷徹な戦術なのだ。

但し、それを愛でる私は、ただの酔人に他なるまい。

人は音楽にも酩酊するものだ。

作者：Wolfgang Amadeus Mozart（墺1756-1791）

演者：Bronisław Huberman,（波1882-1947）

今年も桜はよく咲いて、早々に散った。

酒飲みも、行き交う人も、はたまたカメラを思い思いに構える人も、皆、一様に桜を見上げて、何となく今年も感動してみたに違いない。

染井吉野という桜は、これは日本人の執念の花だと思う。

満開の桜が見たいが為に、クローン技術を重ねて作り上げた美しさは、とても人工的でデカダンスの薫りがするが、そんな事にはお構いなしに、井の頭公園の老木たちは、今年も健気に花を咲かせる。

如何にも都会的な春の訪れだ。

この時期に、真っ先に思い出される音楽と言えは、やっぱりヴィヴァルディの協奏曲「春」だろうか。

ヴィヴァルディという人も、また、ある意味でクローン技術の大家であって、実に沢山のコンチェルトを書いているのだけれども、それは創造的な音楽であるというよりは、紋切り型のコンチェルトを大量生産しただけだ、と揶揄される事もある。

そういう硬派な向きにお勧めなのは、桜ならばソメイヨシノではなく山桜、音楽ならばヴィヴァルディではなしにコレッリという事になろうか。

ヴィヴァルディの四季は、春に限らずどの季節も有名で、よく知られている。

季節の違いをよく描写した音楽であるから、春夏秋冬、四曲を通して聴いても、どれも一緒に聴こえるなんて事はそう起きない創造的な意欲作だ。

否、音楽に関心がない人が聴いたなら、ヴィヴァルディもワーグナーも違いはないのだから、やっぱり紋切り型とも限らないかな。

花に興味がなくとも桜花をだしに酒を交わす様に、ヴィヴァルディをだしにするならば、もうどの曲を聴いたって宜しい。

そういう手っ取り早さが、ヴィヴァルディのクローン技術の奥義だろう。

速い楽章、遅い楽章、そしてまた速い楽章、ヴィヴァルディの協奏曲は、大体そういう音楽で、春も例外ではない。

描写音楽なので、例えば、第二楽章で犬の鳴き声が聴こえる様になったら、聴き手としては中々きちんと聴いているね、という部類になって来るけれども、そんな遠吠えは聞こえずとも存分に美しい音楽だ。

協奏曲というだけあって、ヴァイオリンが大活躍するのも聴き物である。

一、

カール・ミュンヒンガー（指揮）

ラインホルト・バルヒェット（ヴァイオリン）

シュトゥットガルト室内管弦楽団

1951年録音、デッカ盤

ヴィヴァルディの四季と言えば、ミュンヒンガーかイ・ムジチ合奏団という時代がかつてあったそうである。

どちらも何度か再録音しているが、一連の録音の中で私が聴きたいと思うのは、このバルヒェットとミュンヒンガーが組んだモノラル盤のみ。

彼等の高潔で厳格なヴィヴァルディを聴いてしまうと、後の再録音はみな絵空事だ。

二、

ジャン＝クロード・マルゴワール（指揮）

ジョン・ハロウェイ（ヴァイオリン）

王室大厩舎・王宮付き楽団

1978年録音、ＣＢＳ盤

和やかな春を迎えたい時には、マルゴワールに止めをさす。

ミュンヒンガーの録音が、新年度の真面目な式典という趣きならば、こちらは楽団の仰々しい名称とは裏腹に、花見遊山にぶらりと出かける野趣に溢れている。

三、

イーゴル・キプニス（指揮）

イェルク＝ミヒャエル・シュヴァルツ（ヴァイオリン）

コネチカット古楽音楽祭アンサンブル

1992年録音、チェスキー盤

独り静かに夜桜相手に一献傾けましょうか、という大人の贅沢が味わえるヴィヴァルディ。

余り有名な録音ではないけれども、チェスキーの録音の素晴らしさも相まって、高雅極まり、本居宣長も清少納言も飛び越えて、遠く唐代の詩人と静かに語らうような心地哉。

作者：

Antnio Vivaldi（伊1687-1741）

演者：

Karl munchinger（独1915-1990）

理由は分からないけれども生涯未婚でもあった。

しかし、だからヘンデルを"音楽の母"と呼ぶ訳ではない。

もしかしたらゲイかバイであったかも知れないが、少なくともオカマの振る舞いはしていなかったし、かつらを被っていたのも、当時の正装であって、決して女装の為ではなかった。

同年生まれのバッハが音楽の父という事になっているので、ヘンデルは便宜上、母にされてしまったというだけの事だ。

しかし、である。厳父慈母という言葉がある様に、考えてみるとバッハの音楽はしばしばどこか厳めしく、ヘンデルの音楽はいつでも不思議と慈しみ深くあるものだから、強ち母とは言い当て妙な命名だとも限らない。

そんなヘンデルの本分はオペラであったのだけれども、諸事情あってそのオペラ活動が頓挫して後は、専らオラトリオが本分となった。

オラトリオとは何ぞやというと、宗教音楽劇という明快な邦訳の如し。

当時のオペラが多くギリシャ神話から題材をとられていたのに対して、オラトリオは当然、聖書から題材をとっている。

また、オペラには付き物の輝かしい舞台装置や演出はなく、純粋に音のドラマのみで勝負し、尚且つ、キリスト教を賛美しなければならない真面目な要素もあった。

だから、オラトリオは時に抹香臭い趣をなしてしまうというか、エンターテイメントとしては些か地味だ。

ヘンデルのオルガン協奏曲は、そんなオラトリオの幕間に、ヘンデル自らがオルガンの腕を奮るって呼び物の一つとする為に書かれたもので、言わばオラトリオをエンターテイメントとして担保する為の役割を担った音楽と言える。

オルガン協奏曲第１３番も例外ではなく、４つの楽章から構成されるが（場合によっては、オルガンの即興演奏が挟まれ５楽章となる）、その内の２番目の楽章に、カッコウとナイチンゲールの鳴き声を模倣した旋律が出て来るのが、副題の由来。

しかし、カッコウは兎も角、ナイチンゲールって本当にこんな鳴き声なのか、聞いた事がないので私には皆目分からない。

それに、この協奏曲の本当の聴き物は、愉しい鳥の囀りの後に訪れる、少し気だるくも淑やかなラルゲットの方にこそある。

その一節を聴くだけでも、忽ちヘンデルの慈母たる所以を存分に知る事になるだろう。

無論、エンターテイメントだから、本質的に聴衆を楽しませられる様に出来ていて、なんの毒気もない、明朗な音楽だ。

即興演奏を挟まなければ、10分少々の小さなコンチェルトなので、ヘンデルの音楽世界にどっぷりと浸かりたい向きには向かないかも知れないが、少ない時間で音楽の起承転結を味わうことが出来るのは、忙しい当世気質にも利害が一致するものと思われる。

そんな音楽が、何時でも何処でも手軽に聴ける時代とは、正に21世紀とは夢の中の様な世界である。

一、

ルドルフ・エヴァーハルト（オルガン）

コレギウム・アウレウム合奏団

1967年録音、独ハルモニア・ムンディ盤

コレギウム・アウレウム合奏団は、基本的に指揮者なしの合奏団で、各人の自主性を重んじる傾向が強く、故に音楽の方向性が定まらない事がある。

そういう特質の良さが出ていて、典雅この上なく天国的だ。

エヴァーハルトのオルガンも染々としていて、ラルゲットでの音色の選択も夢幻也。

二、

クリスティアン・シュミット（オルガン）

ニコル・マット（指揮）

シュトゥットガルト室内管弦楽団

2004年録音、ブリリアント盤

ナイチンゲールがどんな囀り方をするのか知らずとも、シュミットのオルガンは如何にもナイチンゲールが鳴くかの様である。

オルガンによる即興演奏の挿入の替わりに、ヘンデル作のフーガを配置しているが、ＣＤの特質を活かして飛ばして聴くとなお流れがいい。

三、

エドゥアルト・ミュラー（オルガン）

アウグスト・ヴェンツィンガー（指揮）

バーゼル・スコラ・カントルーム

1966年録音、アルヒーフ盤

言うことなし、全てが最高！

四、

パワー・ヴィッグス（オルガン）

サー・エードリアン・ボールト（指揮）

ロンドン・フィルハーモニー管弦楽団

1957年録音、ＣＢＳ盤

闊達なイメージの強いヴィッグスも、ボールトと組んだせいか如何にもジェントルマンだ。

ヘンデルのオルガン協奏曲は、とてもシンプルに書かれた音楽にも拘わらず、演奏者による差異が少ない気がする。

理由は、恐らく私が自分の好みで音盤を選んで買うからだろう。

作者：

George Friedrich handel（独1685-1759英）

演者：

Rudolf Ewerhart（独1928-）

Christian Schumitt（独1976-）

Eduard Muller（瑞1912-1983）

Edward George Power Biggs（英1906-1977米）

ただ、そういう隙のある作品だからこそ、逆に魅惑的に響く面もあるのだろう。

疑念は晴れず、人気は尽きずの、メイサクである。