「ここがどうしてもすぐ押さえられず

難しい！」と言っていました。

該当箇所を見ると、うーんどう考えても

省略しちゃっても良いかな、って音。

練習としてなら頑張ったほうが

イイかも知れんけど(´･ω･ `)

しかしこのような

「そのフレーズ・音楽を成し得るのに

【重要な音】と【そうでもない音】」を

初心者の方は楽譜から見分ける事が

出来ないんですよね。そりゃそうだ(´-ω-`)

その音が「その曲の曲想にどれだけ

貢献しているか」を見極めるには

多少経験が必要かも知れません。

正解には個人的な嗜好もあるでしょうが

このような判断は楽譜よりも

「耳で聴いて感じ取れる重要性」

のほうが正解を導くのに早いのでは、

と思います。

それは音量や音質でなんとなく

伝えていたりします。

楽譜は全ての音が

(ポピュラーの市販の印刷物では特に)

同様の価値を持つように見えてしまいがち。

とにかくアンサンブルは勿論、例え独奏でも

1曲を成す音の数は膨大です。

その【全て】に意味がある、といえば

あるのかも知れませんが

(何十年もかけてシンフォニーを作曲する

ようなクラシックの御大はそうでしょう)

現実的にはわりとどうでもいいw

その日の気分で入れてしまった音も

ポピュラー系には結構あるようです。

・非常に重要な音

・リズムにとってのみ重要な音

・音高だけが重要な音

・アタックが意味を持つ音

・サステインや残響や終わり方が重要な音

・ただ鳴る事が重要な音

・たまたまその日は弾いちゃった

わりとどうでもいい音🤪w

もし弾けなくて苦労しているのが

↑最後の物だったら、そんなものは

さっさと省略しちゃって良いですよね。

もしくはそこはどうしても「ド」じゃないと

いけないのか。「ソ」でも良いんじゃ？

ソなら簡単に押さえられるのに、とか。

逆にちょっとしたピッキングノイズや

歌ならブレス等がそのフレーズの始まりを

凄くドラマチックにしている場合も

ありますよね。

楽譜とニラメッコし過ぎると

音楽をデータとして受け取りがちです。

良く音を聴いて、何を表現しているのか

何が素敵な要素なのか、ぼんやりとでも

思い巡らせれば

きっとその音楽の【芯】が見えてきて

その為の大切な表現の優先順位を

間違えずに済むようになってくるのでは

ないかな、と思っています。

このへんはまだまだ自分も受取り方の

センスを切磋琢磨中です(›´ω｀‹ )

楽しみながら頑張りましょう(›´ω｀‹ )✨

様々な意見があります。

反骨精神的な世界観の歌詞や

歪んだギターの音などのアレンジや

バンドサウンドetc.…

何を持ってロックというのか、は

とりあえず別の機会にでも。

ここでは音楽理論的に、音楽の仕組みとして

特有のモノを持つ

「ブルース」

「ブルースをルーツとしたロック」を

取り上げてみたいと思います。

The Jimi Hendrix Experience - Hey Joe (Official Audio)Click to subscribe: http://smarturl.it/SubscribeJHVevo?IQid=ytd.jh.HJListen to Jimi Hendrix on Spotify: http://smarturl.it/JimiHSpotify?IQid=ytd.jh.HJAlbum's...youtu.be

コード進行。

(※コード検索サイトU-FRETより引用)

ざっと見て頂ければ分かるように

全部メジャーコードです。

でも、聴いた感じはあんまり明るくない。

そして基礎的な音楽理論から考えると

このコード群が全て該当する調は無いし

歌い出しからずっと5度上に進行してるから

転調しまくり…?

と、考えてしまいますが

ブルースルーツのロックやブルースは

この「クラシックルーツの西洋音楽的な

音楽理論」を逸脱しないと

できない音楽です。

まずブルースは、メジャーキーの場合は

音階の3度が

長3度でも短3度でもアリということ。

ていうかどちらもハマってなく

その間の音程なんですよね。

これはアフリカの民族音楽がルーツとか

調律の純正律と平均律があーだこーだとか

色々ありますが、とりあえず置いといて。

メジャーキーの音階の中に現れる短3度は

ブルーノートと呼ばれ、和音とのぶつかりも

OKとされています。

もうこの時点で曲のキーがメジャーか

マイナーかの判別がそうとう怪しいですが

ブルースの世界では一応、メロディに

長3度が頻出して、主要3和音がメジャー系で

あればメジャーキー、メロディに長3度が

ほぼ出なくトニックコード(主和音)が

マイナー系であればマイナーキー

という判別です。

こんな音階の状態ですから、ダイアトニック

コード理論的な解釈をしちゃうと

メジャーキーのブルースの場合

「同主調のマイナーキーとしょっちゅう

行き来する」という状態になります。

しかしこれを部分転調という解釈はせず、

キーは変わらず1発で進むと考えます。

ダイアトニック的な考え方で言えば

キーは

イントロ→Eメジャー

歌い出しのコードC.G.Dの部分→

同主短調のEマイナーの平行調

Gメジャーに転調

その後のA.Eの部分→

Eメジャーに戻る

または(聴こえ方としてよりしっくりするのは)

C.Gの部分→キーCorGメジャーに転調

D.Aの部分→キーDorAメジャーに転調

Eコードで戻る

と、なりますが

通常ブルースロックのコードは

以下の考え方です。

「マイナーペンタトニックスケールの

各音をルートにしたメジャートライアド

コードをダイアトニックコード的に扱う」

マイナーペンタトニックスケールは

マイナー系のスケールなのに

キーはメジャー扱いだし

使われるコードは全てメジャーという

謎状態です。

これは上記の音階の3度が曖昧な事から

成立しているのだと思います。

このタイプの曲で分かりやすいのは

こちらの名曲！

キーはGメジャーでコードは殆どが

G.B♭.Cです。

RCサクセション / よォーこそ 1980RCサクセション　よォーこそ　Fighting80thyoutu.be

「マイナーペンタトニックスケールの各音を

ルートとしたメジャートライアドコード」

群には、マイナーペンタトニック

スケールの音以外も含まれてきます。

具体的にEメジャーで考えてみます。

まずコード群は

E G A B D

全てメジャートライアドコード

Eマイナーペンタトニックスケールの音階は

E G A B D

当然、同じですね。

全てのメジャートライアドコードの

構成音を書くと

E→E.G#.B

G→G.B.D

A→A.C#.E

B→B.D#.F#

D→D.F#.A

ちょっと実験的に…

これらの構成音からスケールを生成すると

E.F#.G.G#.A.B.C#.D.D#

音階の度数で言うと

1.M2.♭3.M3.P4.P5.M6.♭7.M7

(Mは長音程、Pは完全音程)

なんでもアリな気がしてきますw

そしてブルーノートには♭5もあります。

それも足してみます。

それと同時にメジャーマイナーが

曖昧という事なので…ついでに

7音音階のEメジャーとEナチュラルマイナー

の音も足してみましょう。

E.F#.G.G#.A.B♭.B.C.C#.D.D#

音階の度数で言うと

1.M2.♭3.M3.P4.♭5.P5.♭6.M6.♭7.M7

全12音階から♭2を除いただけという

凄い事になってしまいましたw

ではやはり部分転調なのか？となれば

それはまた違うかなと思います。

このようにブルースルーツの音楽は

西洋音楽的な音楽理論が

あまり役に立ちません。

「こういうものなんだ」と覚えたほうが

良いかと思います。

ジミヘンのHey Joeに戻ります。

もう一度、イントロ〜Aメロのコード進行を…

E    C G D A E

Cを除き、ブルースロックのコード群に

該当していますね。

ではCはどう考えたら良いかというと

「時折同主短調から借用されるコード」と

捉えれば良いと思います。

そもそもマイナーペンタトニックという

マイナー系スケールでメロディを

つくってますからね！

まとめます✨

・ブルースルーツの音楽は音階の3度が

曖昧&ブルーノートが多用されるので

ダイアトニック理論が通用しない

・ブルースロックはマイナーペンタトニック

スケールの各音をルートとした

メジャートライアドコードが

ダイアトニックコード的に使われる事が多い

ギタリストにお馴染みのブルースは

簡単そうに見えて実は

音楽理論的に解析すると

結構複雑なのでした！(꒪ཀ꒪)ｸﾞﾊｯ

読んで頂きありがとうございます

お疲れ様でした。

(　'ω')っ🍵

1.キーのスケールを弾いてもコードを

考えないで弾くので当然フィット感が

イマイチ

2.なのでコード分散を…って事で

コードそれぞれの構成音を弾いたり

コードひとつひとつに対応する

所謂コードスケールを弾くと

(そもそもこれらはメンドクサイw)

メロディの横の流れがイマイチ

これわりと「あるある」ですよね(-ω-；)

めくるめく部分転調する曲ならともかく

ロック、ポップスにおいては

それほどノンダイアトニックコードは

出てこないので

基本そのキーのスケール一発弾きで

良いと思うのですが

(細かい速いフレーズ等は特に)

やっぱりコード進行やコードを

完全に無視するとイマイチな

感じになりますよね。

というわけでダイアトニックスケール

1発でコード進行に簡単にフィットする

フレーズの発想法のひとつをやってみます。

言わばスケールとコードアルペジオの

ミックスなんですが、それを簡単に！

①1.を解決するために、まずそれぞれの

コードに対してひとつ軸音を決めます。

これはそのコードの構成音のいずれかに

設定します。

動画の例では、コード進行は

FM7　E7  Am7

keyはAmなのでスケールは

ほぼCメジャーと同じ。

軸音は

FM7はファラドミなので　ド

E7はミソ#　シレなので　ミ

Am7はラドミソなので　ド

に設定しました。

これらの音を強拍に、または多めに、

みたいな感じで…

まさに「軸」としてあげれば

フレーズは当然必ずコードに

フィットします。

②軸音を設定したら軸音の隣の

スケールの音をまとわり付かせます。

ミが軸音ならレやファです。

こうする事でスケール弾きのようで

コードにフィットするという

縦(ハーモニー)と横(メロディの流れ)を

両立させる事が出来ます✨

いい感じにするコツは軸音の設定を

「程良くコードに対する度数を散らす事」

例えば軸音をFM7でファ、E7でミ、

Am7でラ…とか設定すると

(全部コードのルート！)

ちょっと規則的なものが感じられて

伴奏っぽくなってきます。

逆に言えばそのような設定にすると

リフ等、伴奏を担う短いフレーズみたいな

ものが出来やすくなりますね。

これを色々試しているとそのコード進行の

コードの構成音の中に各コードに共通な

音があったりする事も発見できます。

(例ではミ)

そしたら、ひたすらそれを軸と

するのも面白いですね。

割と簡単ですので是非色々試して

みて下さい✨( ᵒ̴̶̷᷄꒳ᵒ̴̶̷᷅ )✨

・近親調への転調

・セカンダリードミナント

(ダイアトニック各コードをⅠと見立てたⅤ)

・終止形(Ⅴ→ⅠやⅡ→Ⅴ→Ⅰ)

・裏コード(♭Ⅱ7)

このへんを使って、Cメジャートライアド

コードから他の11個全ての

メジャートライアドコードへの進行を

理屈付けてみます。

始まりはCメジャーコードなので

元キーはCメジャーとして行います。

理屈付ける…というのは元のCコードと

次のコードとの関係を無理矢理にでもw

ダイアトニックの関係にしたり、

またはピボットコード化したり、

という風に「理論的に関連付ける」

という事です。

(※ピボットコードとは2つの調に

共通する転調時の橋渡しコード)

「面白いコード進行無いかなー」とか

「ここはメロディどーすれば良いの？」とか

思ったときのネタにでもどうぞ！

1.C→D♭

D♭メジャーへの転調でCが装飾

or

Cメジャーのドミナント裏コードの

7th省略(またCに戻れば)

2.C→D

近親調へ転調。

(属調GメジャーのダイアトニックⅣとⅤ)

3.C→E♭

近親調へ転調。

(元キーの同主調マイナーCmの平行調)

4.C→E

近親調へ転調。

(平行調Amのドミナントの7th省略)

5.C→F

ダイアトニック。

6.C→F#

これは結構強引ですが、近親調Fの

裏コードの7th省略。

7.C→G

ダイアトニック。

8.C→A♭

近親調へ転調。

(同主調Cmのダイアトニック♭Ⅵ)

9.C→A

次にDmが来れば、

セカンダリードミナントの7th省略。

(POPS、ROCKはシレッとDmに

行かない場合も多い)

10.C→B♭

近親調へ転調。

(同主調Cmのダイアトニック♭Ⅶ…

ていうかロックでは定番)

11.C→B

近親調へ転調。

(属調Gメジャーの平行調Emの

ダイアトニック♭ⅥとⅤ)

ここに示したのはあくまで1例で

他の解釈も、勿論あります。

是非みんなめちゃくちゃなコード進行を

つくって(笑)無理矢理に理屈つけて

メロディを乗っけてみましょー！

ありません！的な話です。

「理論書にそう書いてあったから」

は実際には通用しない事が多いのです。

いくつか例を挙げると…

「コードの3度はメジャー、マイナーを

決定する音なので省いてはいけない」

❌！

これは有名かも。でも今だに

セオリーとして言われていますね。

エレキギタリスト御用達のパワーコードは

(3度省略、1度5度で弾く)

コードじゃないという方もいますが

実質、3度を省略してるコードでしょう。

ギターだからOKなんじゃないか、って？

ロックだからOKなんじゃないか、って？

心配無いです！3度抜きコードは

ピアノでジャズトリオもやってる

Bruce Hornsbyをはじめ、沢山の

ピアニストやキーボーディストが

色々なジャンルで使っています✨

3度を省いたってコードの進行とメロディに

よってメジャーかマイナーかなんて

分かります。また、あえて分からなく

していて自在に3度を変化させるような

メロディもあります。

「メジャーコードの11thテンションは

3度と半音でぶつかってしまうので

#11thにすること」

これは結構有名な音楽理論を学ぶ

サイトにありましたが、❌！

バツというか説明がちと違う…

addなら問題無い事が実際多いし

「3度とぶつかってしまうので」は誤り。

(だからⅣコードでは状況により注意)

例えばCadd11はドミソファ。

このファがコードトーンで重要な3度のミと

半音上でぶつかるのでNGという事です。

基本はそうかもですが…

たしかに同じオクターブ内でドミファソと

同時に鍵盤で鳴らすと不協和に聴こえます。

しかしこのファを転回してファドミソと

してあげると、ほぼ響きは

FM7(9)となります。(3度抜き状態)

ドミソファだってオクターブ解離してるので

大丈夫と思いますよ。

また、ギタリストで基本のローコードの

Cメジャーを何気に2フレットずらして

弾いたことがある方は居ませんか？

実際の曲でも使われていますよね。

(6弦ミュートで5弦から1弦へ

レ　ファ#  ソ　レ　ミ)

5度抜きコードと考えるとDadd9.11。

これなんか隣接してモロに

ぶつかってますがギターだと

結構良い響きですよね。

福山雅治の桜坂で使ってたような…

( _ ˙꒳​˙ )_🍵🍵_( ˙꒳​˙ _ )ｷｭｳｹｲ

要は、結構難しいところまで勉強しても

音楽理論は基本しか学べないのです。

実際には、ある楽器の音色だとダメだけど

こっちの楽器では大丈夫！とか

この音域だとダメだけど高くすれば

大丈夫！とか

時間が短ければなんでもOK！とか。

だから何処まで行っても大切なのは

音楽的センスを持った「耳」なんですね。

よくジャズプレイヤーはⅡ→Ⅴ→Ⅰの

ケーデンスのバッキングやアドリブを

凄く練習しますが

ケーデンスが存在しない曲なんてのも

沢山ありますしね…(-ω-；)

ギタリストの養父貴さんが名著

「ギタリストの為の全知識」で

仰っていた話で印象的だったのは

「バークリーではクラス1からクラス7まで

ひたすら音楽理論でコレはこうする、

と学んだ後、最後のクラス8で

今まで学んだその全てに…

「例外がある」事を学ぶ」

どうかどうか…理論や定石と

自分の耳の判断がぶつかった時は

自信を持って「自分の耳」に

従って下さい✨

(逆に言うと耳を鍛えないといくら

音楽理論を学んでも無駄とも言う…)

:(´◦ω◦｀):ｶﾞｸﾌﾞﾙ

なると言ったのは何故でしょうか？

ひとつは…視覚からの情報は

五感の中でも脳が重要視する割合が

圧倒的にデカいのです。

だから、実際に目の前に見えていない

無数の選択肢(手)を「考える」場合

視覚情報の量を脳内で意図的に

下げる必要があるからでしょう。

現状の戦況は見たいけれど

「ボンヤリとだけ」しか見たくない。

脳の五感の情報処理の割合を

あらためて調べてみると…

視覚　83〜87%

聴覚　7〜11%

嗅覚　3〜4%

触覚　1〜2%

味覚　1%

視覚はエラく脳のリソースを

食っているという事になります。

視覚をOFFにすれば当然それに

使われていたリソースが

他に回しやすくなるという事です。

ふたつめは身体能力による

自分の適正の限定ですかね。

子供はどちらかというとスポーツで

活躍したいと思う事が多いでしょうが

(男子はそのほうがモテるしね!)

ド近眼メガネっ子はどうしてもスポーツに

気後れしてしまいますからね。

「なんでもできる人」よりも

「これしかできない人」のほうが

(思い込みも多々あると思いますが)

その分野に秀でる事は多いんじゃない？

音楽の話に戻します。

ストラヴィンスキーの言った言葉を

「目をつぶって音楽を聴くのは馬鹿」と

単純に捉えてしまうと、上記の将棋の話や

盲目のピアニスト…辻井伸行さんとか

レイ・チャールズさんとかは

どうなんだい( ｰ̀дｰ́ )って話。

そう考えるとどうやら音楽には

「視覚を活用したほうが良い局面と

目を閉じたほうが良い局面」が

あるようです。

視覚ONで理解しやすく練習になるもの

・曲の構造や演奏中の作業の理解

・ポジション(指や音の位置)の理解

・姿勢や指の形、動作の修正

視覚OFFで理解しやすく練習になるもの

・暗譜力アップ

・思考力、想像力アップ

・より詳細に音色を聴き取れる

・より繊細に触覚を感じ取れる

まとめ✨( ˙꒳​˙ )✨

作業や位置を

「理解」する段階では「視覚」を重視！

理解した後にそれがしっかり

行われているかを「確認」する段階では

ときには目を閉じて

「聴覚」を重視！

これでより効率的な練習が出来るように

なるんじゃないかなと思います！

読んで頂きありがとうございました

お疲れ様でした(っ･ω･)っ🍵

なにか歌ったり弾いたりして

それを録音すれば一応音源ですが

いわゆる大手レコード会社等で流通する

多数のメディアで流れるような

「ちゃんとした音源」をつくる為に

何が必要なのか考えてみます。

まず必要なスキルをざっと挙げてみます。

・音楽理論

(和音、音階、拍子等)

・和音が出せる楽器の演奏

(アプリやソフトで多少カバーできますが)

・音響工学

(周波数特性、残響、定位、音圧、ノイズ等)

・アプリケーションの知識

(DTMソフトやアプリ、プラグイン等の知識)

・楽器の知識

(音域、ジャンル別による使用法の定石等)

・デジタル領域の知識

(データのフォーマットやD/A変換等)

…etc.

(›´ω`‹ ) ｹﾞｯｿﾘ

このように結構多いですよね。

しかも現代はネットで情報がいくらでも

出てきます。

手をつける前に必要なスキルや知識の

多さを突きつけられます。

昨今は作詞作曲から演奏、音源制作、

おまけにPV制作までひとりで

やってしまうようなアーティストが

現れていてそれを目指す

若いミュージシャンが増えていますが

学ぶ事多過ぎ！！

これを1からやり始めようとするならば

ニートにでもならないと無理な感じが

してきます…

比較的時間がある学生さんでさえ

マトモに学校の勉強をしていたら

大変ですよね。

とにかく時間がかかりそうです。

なので、ある日突然

「俺も米津玄師のようになりたい！」

と思っても環境的に無理！となります。

でも絶望させる為に書いてるのでは

ありません(｀･ω･´)✨

むしろ上記のような理由で…光るセンスを

持っているのに戦意喪失している

音楽家の卵を救済する為には

どうしたらいいか考えてみました！

参考にしていただけたらと思います。

1つめは「時間の創出」です。

時間がかかるなら時間をつくる！

単純にテレビを観ないとか

残業を避けるとか

そのような直接的な事に留まらず

考えて欲しいのは

「必要なスキルを厳選する」です。

例えば演奏技術の習得には大変

時間がかかりますよね。

YouTubeやSNS等を観ると派手な

テクニカルプレイや珍しい弾き方等に

目を奪われたり

知っておかなければ

いけないんじゃないか？と思ってしまう

技術や知識の動画が次々と出てきて

「あれもこれもやってみたい」

もしくは

「あれもこれも出来なければならない」

情報過多で、こんな思考になりがち！

(なのにこんなブログ書いてすみませんw)

それらを履修する事自体が楽しい、

それこそがやりたい事である…なら

勿論良いのですが

自分の元々目指した音楽、音源と

それが関連が薄いならキッパリと

切り捨てる事が大事かと思います。

勿論知識や技術は沢山あったほうが

良いです。が…しかしそれは

時間を充分に割ける人ならば、です。

そうでないと気がつくと歳をとって

しまっているというオチが待っています。

他人事じゃないなぁ…( ꒦ິ꒳꒦ີ)

例えばポピュラー音楽の場合は

音源制作に必要な演奏って意外と

表面的に難しい箇所は少ない気がします。

それよりも重要なのは

簡単な事を上質に行う事です。

32分音符だろうが難易度が凄かろうが

雑では全く無意味で、収録出来ません。

ゆっくりのただの8分音符の同音連打を

いかに精密に「いい感じに」弾けるか。

このほうが遥かに重要です。

このように何が必要で何が不要かを

見極めて時間を割く事を決めると

良いかと思います。

作曲や演奏には沢山の引き出しが重要、

というのは全くの正論ですが

理想論でもあり

度が過ぎると旅行に「備えあれば…」と

アホみたいに大荷物を持ってくる

心配性の人みたいになってしまいます。

( _ ˙꒳​˙ )_🍵🍵_( ˙꒳​˙ _ )ｷｭｳｹｲ

2つめは「分業化」です。

苦手な事は得意な人に頼みましょう。

米津玄師のように

ひとりで全てこなせるアーティストに

憧れてるんだけど…って

声が聞こえてきそうですが

ちょっと考えていただきたいのは

ひとりで全てをこなす「意味」です。

それは、音楽の場合は普通は

「その個人の思想が100%反映される」

という事なんじゃないかな、と思うんです。

(とにかくただただぼっちでやりたいんだ！

って人じゃなければね)

そうやって考えれば逆に

「殆ど作品の本質に関係ない…だけど

音源制作に必要な作業」

このようなものは自分がやらなくても

いいという事ですよね。

たとえばDTMの環境作りや

マスタリング作業

(音質や音量の最終微調整のようなもの)

なんかはそうですね。

なんでもかんでも自分で…と

頑張らずに欲張らずに

自分の作品の「思想」「世界観」を

高純度で表現する為に必要な領域を

厳選するという事です。

DTMに必要な機材は何か、

それがわからないなら

楽器店や詳しい人に頼んで

オススメしてもらう。

マスタリングの為の機材やソフトや

知識やスキルが無ければ

それを持っている得意な人に頼む。

もし自分の世界観を表現するのに

ギターメーカーの微妙な音質の違いは

重要じゃないならば、なんでもいいから

さっさと適当なヤツを買って必要な事に

つながる練習のみ、さっさとやる。

もしくは上手い人に弾いてもらう。

そしてどうしても譲れない領域を

明確化して

そこ「だけ」に

持てる力を全振りするのです。

これが最短の方法かと思います。

読んで頂きありがとうございます✨

良い作品が出来る事を期待しています！

ﾅﾑｰ(｡-人-｡)

前回コードの作り方の話をしました。

わかっていただけましたか？( 'ω' 三 'ω' )

ところで

実は1番大切な事は…

そのコードがマイナーなのか、セブンス

なのか、dimなのか

を

「聴いたら解る」

例えばあるメジャーセブンスコードを

聴いたときに、Fmaj7かAmaj7か

解る…的な、絶対音感的なものは

無くても良いのですが

「maj7」である事が聴いて解る。

コレめちゃくちゃ大切で

出来れば、それに加えて

曲中でコードを聴いたときに

そのコードのルートが、その曲のkeyの

音階の何度(何番目)か解ると尚良いです。

(これをコードのディグリーネームと

言います。後述します。)

例えば上述の「maj7コード」って…

ダイアトニックコード

(音階の音からできているコード群)

としてはメジャースケールの1度と4度の

ルートから出来たもの。

例えばkey Cメジャー(ハ長調)では

ドミソシ(CM7)とファラドミ(FM7)ですね。

(※maj7=M7)

この曲を移調してkey Fメジャーにしたら

スケールの1度と4度の音をルートにして

できるダイアトニックコードは

FM7とB♭M7。

ここでkey Cメジャーにもあった

FᎷ7が出てきました！

しかし、この

「key Cの中でのFM7」と

「key Fの中でのFM7」は

絶対的な音は同じですが

スケールに対する位置が違いますよね。

key Cの中でのFM7は4度のコード。

key Fの中でのFM7は1度のコードです。

むしろ「意味、役割として」同じなのは

同じ1度からのコード同士です。

つまりそれは

key CのFᎷ7とkey FのB♭M7　

key CのCM7とkey FのFᎷ7　ですよね。

与えられた曲を弾くって事だけ

考えた場合は

「FᎷ7はファラドミ。Keyとか知らんけど」

で弾けますが

アドリブや編曲、作曲、では

むしろこの「意味、役割」のほうが

絶対的な音高よりも重要です。

なので

keyの中でのそのコードの位置や

意味・役割を分類してあげるために

「ディグリーネーム」を使います。

ディグリーネームとその付け方は

keyが何であっても…

音階の1番目の音をルートとして

つくられたコードは

ローマ数字のⅠ(1)をつけます。

これがコードネームのルートの

アルファベットの代わりになり

例えば上述のkey CのCM7や

key FのFM7は

共に「ⅠᎷ7」と表記されます。

以下同様に音階の2度ルートの

コードはⅡを、3度ルートならⅢを

つけていきます。

例としてkey Cメジャーとkey Fメジャーの

ダイアトニックコードを書いてみます。

key Cメジャー

CM7  Dm7  Em7  FM7  G7  Am7  Bm7♭5

key Fメジャー

FM7  Gm7  Am7  B♭M7  C7  Dm7  Em7♭5

で、これらはディグリーネームでは

共に左から

ⅠᎷ7  Ⅱm7  Ⅲm7  ⅣM7  Ⅴ7  Ⅵm7  Ⅶm7♭5

と、なります。

これで、keyがCメジャーでもFメジャーでも

B♭メジャーでも(メジャーkeyなら何でも)

コードの「意味、役割」の話を

key不問で共有して

分かるようになります。

余談ですが、自分は絶対音感が乏しいので

カフェ等でふと耳に入ってくる音楽の

keyのルート…絶対的な音高は

分かりません。楽器が無いと( ˆ꒳​ˆ; )

しかし上述のディグリーネームでの

コードやコード進行がどうなっているのかは

大体その場ですぐ分かります。

慣れてくると大体みんなこうなって

くると思います。

相対音感は鍛えればどんどん

良くなっていくからです。

こうなると耳コピや作曲アレンジ等が

凄く効率的に出来るようになりますし

曲への記憶力もぐんとUPします。

〜〜〜〜〜〜〜〜〜〜〜〜〜〜〜✨

ここまで読んでくれてありがと！

お疲れ様でした！( ¯꒳¯ )ᐝ

(｣#ロДロ)｣

ではコードとは

「どのように音を積み上げるのか？」

の話です。

これは前回の話で出た

メジャースケールを「1つ飛ばし」に

積み上げていくだけ。

ドレミファソラシ

これがコードの材料の音階。

これを

ド　ミ　ソ　シ　レ(←オクターブ越えても

ひとつ飛ばし)

ちなみにコードは3音で成る3和音

(トライアドコードといいます)が

基本です。コードの骨格といっても

良いかと思います。

基本的にはコードはこんな感じで

出来ていると思って良いでしょう。

今度は

「コードネーム」を解析します。

コードネームはそのコードの名前で

あると同時に、そのコードの

「成分表」「積み上げ音の指示書」

でもあるのです。

つまりコードネームには

以下の情報が入っています。

・ルート音

・基本の3和音の種類(構成)

・3和音に付加する音の度数

・音の数

この「指示書」の通りに

「音階のひとつ飛ばし」を修正して

いけば良いのです。

例として「Am7(11)」をつくってみます。

まず、ルートですね。これは

最初のアルファベットが指示しています。

Aだからラです。

次に、そのルートからの音階…

メジャースケールを割り出します。

↓

A  B  C#  D  E  F#  G#

また指示書を見ます。

アルファベットの

ルート指示の後に小文字のmが

あります。

これは音階の3度を短3度(minor3rd)

にしなさい、という指示です。

もしこの小文字のmが無ければ

そのままにします。

その場合メジャースケールを

想定してるから長3度になりますね。

では指示通り音階の3番目、3度を

C#からCに…

これでルートがA、次に短3度のCが

わかりました。

次に音階ひとつ飛ばしで音を見ると

5度がありますね。Eです。

指示書には何も表記がありません。

指示が無い場合はそのままでOKと

言う事です。3度のときと同じですね。

これで基本の3和音ができました✨

A  C  E

また指示書を見ましょう。

これ以降は、コードの構成音を

直接音階の度数で指示してきます。

7と(11)ってのが付いてますね(｢･_･)

7は音階の7度(7番目)を表し、

11は音階の11度(11番目)を表しているだけ！

ただし注意が必要なのは、7度。

これは慣習として、長音階

(最初に想定したドレミ)の7度「長7度」を

M7と表記します。Maj7とも書きますね。

そしてそれを半音下げて短7度(♭7)に

したものを、ただ「7」と表記します。

ここはややこしいので注意ですね。

つまり例えば

AM7

Am7

このような表記の読み方は

A(と)M7

Am(と) 7

と理解します。

小文字のmは3度の指示、

大文字のMは7度の指示という事ですね。

さて、Am7(11)作りを続けます。

そんな訳で7度は♭させます。

音階ではG#だったので、Gですね。

これで

ルート　A

3度　C

5度　E

7度　G

ここまで出来ました✨

よく使うコードは基本形のトライアドと

この7度まで足した4和音。

ここから更に付加する音は

かなり！

協和度(ハモリの安定感)が低くなります。

(基本的にコードは音数が増える程

構成音同士の協和度が下がっていく

傾向にあります)

なのでテンションノート(不協和音)と

呼ばれています。

これはコードネームでは

直接の音程度数を指示してきます。

テンションは通常( )内に指示されます。

例では11度でした。

8度で音階は1周りなので、

11度は4度と同じ。

ということは、Dですよね。

てな訳で、「Am7(11)」は

A  C  E  G  D

という構成音のコードになります…

とりあえずこの位の知識で

かなりイケると思います

お疲れ様でした( •̀∀•́ )ｷﾗｰﾝ✧

※6コードやdim、aug、sus4コード等

例外もありますが、上記の考え方を

主軸にしてそれらを学んだほうが

わかりやすくてお薦めです。