最近感じたことは愛情というのは感覚的ですけど包みこむものだと思っていました。

でも相手を想って突き放すことも愛なんだと体で知りました。

突き放されなければ気づきませんでした。頭ではわかっていたけれど体ではわかっていませんでした。

突き放されなければ何も変わっていなかったのかもしれません。

そう思うと自分が情けなくなりました。

それと同時に自分に怒りがわいてきます。

結局何回も頭を打たなければ気づかないことだらけなのかもしれません。

これからも沢山頭を打ち続けると思います。

それとやれるところまで頑張ろうと思いました。

今回は天候と背景について語ります。

台本のト書きや小説で雨降ってるシーンがありますよね。

そこの捉え方で深さがかわります。

作家はただなんとなく雨を降らせるのではありません。

意味があって雨のシーンにしてます。

天候は登場人物の心情がぴったり合うようにつくられています。

作品によってバラバラですが、雨のシーンは悲しみを表していたり、曇りだと登場人物の心がどんよりしていることなどを表していたりします。

次は小説などで会話をしてるシーンがありますよね。

登場人物が話している途中で急に情景描写がでてくるときありますよね。

例えばその時どぶ川の臭いがしたとか。

その時蝉のなく声がしたとか。

これにもしっかり意味があります。

こういう情景がでてくる時は登場人物の心情を表しています。

だから情景のところは無視をするのではなくなぜこのような情景描写を入れたのか？作家は何をいいたいのか？

と突き詰めていくと作品の捉え方が変わってきます。

最後まで読んでいただきありがとうございました。

今月はバイトや撮影が２つ入っているので忙しくなりそうです。

忙しいことはありがたいのですが、どうしても愚痴を言いたくなります(笑)

まだまだ人間的に未熟だと感じました。

１人で歩けるように頑張ります！

今回も役作りについて話します。

みなさんは役の名前について考えたことありますか？

それを考えているか考えていないかで役を深く掴む上で重要になってきます。

名字より特に下の名前に意味があります。

外国の名前はあまりわかりませんが、日本人の役なら私は必ず名前の意味を考えます。

なぜ名前の意味を考えるかというと、名前はその人の人生の最終目標を表しているからです。

特に作品なら人の人生を圧縮しているのすごく意味があります。

脚本家も馬鹿ではないので役の名前には意味が必ずあるはすです。

たまになにも考えてなくてインスピレーションで役名を決めている方がいますが、その方も潜在意識で深い理由があってつけています。

例えば麗子という役名だとしたら

麗しいってどんな意味なのか？

どのような人が麗しいというのか？

麗しいを自分の中でどんどん掘り下げていくと、その人物が潜在意識ではどうなっていきたいのかが見えてくると思います。

そしてその作品にとって必ず重要意味をもちます。

だから役名について考えてみてください。

最後まで読んでいただきありがとうございます。

以前事務所の面接に行ったときの話なんですけど、そこの社長にメソッド演技とスタニスラフスキーシステム、マイケルチェーホフを習っていることを言いました。

そしたら社長に「渋いの習ってるんだねー」と言われました。

一瞬自分の頭がポカーンとしてしまいした。( ﾟдﾟ)

「渋い…」

自分が習っているのは世間的には渋いのに入るんだと世間とのギャップを感じました。

その言葉を聞いて思ったことは

だから日本は駄目なんだよーと思ってしまいました。

別にメソッドやスタニスラフスキーを習っているからすごいではなく、このようなものがメジャーではないことがまずいと思います。

ましてや渋いなんて…

だから少しでも浸透してくれたら嬉しいです。

今回話したいことは役作りについてです。

まず台本を貰ったときにみなさんは何をしますか？

役の性格を考えますか？台詞を覚えますか？

僕がまず始めにするのが物語のあらすじを書きます。

あらすじなんていらないよー( ｀Д´)/

って方いると思います。

正直あらすじを書かなくても役作りできます。

でもさらに役の深み出したいのあればあらすじを書くことおすすめします。

たまに自分の台詞や役のことはわかるけど、作品全体のことがわからないと言う方がいます。

自分の役のことばかり考えこの作品がどんな話しなのか、なにを伝えたいのかがわかっていないのです。

まずは最初に作品を客観的に見てみましょう。

そしてどのような流れなのかわかれば、台詞も入ってくるようになるのでまずは、あらすじを書いてみましょう。

最後まで読んでいただきありがとうございます。

最近ショックなことがありました。

人気プロ野球選手の引退が多いことです。

特に巨人の阿部選手や引退することが決まりけっこうショックを受けております(>_<)

私が小学生の時から活躍していたので憧れの存在でした。

阿部選手のツイスト打法やはよく参考にしてました

よく真似をしていたころが懐かしいです。

長い間お疲れ様と言いいたいです。

選手としては引退するかもしれないけど、野球というものは引退しないと思うので、これからどの様に携わっていくのか楽しみです。

今回はマイケルチェーホフについて語ります。

マイケルチェーホフとはアントンチェーホフの甥っ子です。

アントンチェーホフは「桜の園」や「かもめ」など多数の戯曲を作っており今でもその戯曲は使われております。

マイケルチェーホフはスタニスラフスキーの弟子でした。

マイケルチェーホフはスタニスラフスキーシステムをやっていく中で足りないものがいくつかあることに気づきました。

１つはスタニスラフスキーシステム前期は自分の過去の体験でしか役作りに生かせないと言われていました。

つまり父親が亡くなったシーンとして、父親か誰かが泣くなっていないと役作りができないと考え方でした。

でもマイケルチェーホフは父親を亡くしていなくてもイマジネーションだけでそのシーンを演じスタニスラフスキーを感動させたそうです。

この時に過去の体験を使わなくても俳優はイマジネーションでその世界を生きることができることを証明しました。

スタニスラフスキーシステムとメソッド演技はどうしても内面的な演技が多いです。

それだと自分では内面１００%できていたとしても、観客には７０%くらいしか伝わっていないことが多いです。

それは内面ばかりに目がいき身体表現が疎かになっているからです。

内面だけアプローチしても伝わらない。

かといって身体やテクニックだけでは伝わらないのです。

三位一体揃って表現は完成します。

だからスタニスラフスキーシステムだけでは表現は完成しないのです。

スタニスラフスキーシステムとマイケルチェーホフのメソッドでスタニスラフスキーシステムの完成形だと思います。

マイケルチェーホフの心理身体訓練は追々投稿していきます。

最後まで読んでいただきありがとうございます。

毎日動悸がして、このまま死ぬんじゃないかなと思って遺言書の内容考えてました(笑)

でも最近は毎日ではなくなってきたので、働けるくらいにまで回復しました。

おかげで筋肉痛です(笑)

今回は思い出の場所について語ります。

思い出の場所とはメソッド演技のエクササイズの１つです。

簡単に説明すると、過去の出来事を思い出そうってエクササイズです。

これがなんの役にたつかというと、過去のトラウマを克服したり、役作りのときに役を共感する為などに使ったりします。

場所の設定ですが自分が過去に行ったことのある場所ならどこでもOKです。

最低４つは場所が作れるとOKです。

怒りが湧いた場所、哀しみが湧いた場所など感情が起こったところは作りやすいかもしれません。

それをいつでもできるようにするとベストです。

感情的な場所がでてこない方は自分の好きな場所から始めてみましょう。

思い出の場所のやり方ですけど。

まず場所を想像します。(五感の記憶)

そしてそれを恥ずかしがらず口に出してみましょう。

例えば、「ここに鉄棒があって(想像します)毎日日が暮れるまで練習したよなー」

と独り事のように相手に聞こえるように言ってみましょう。

その後に滑り台やブランコなど想像していきましょう。

もしかしたら子供の声も聞こえてくるかもしれません。

たまに「滑り台は何色だっけ？」と曖昧なところがでてくると思います。

そこは無視せず、自分の直感で決めましょう。

例え色が間違っていてもいいです。

なぜかというと曖昧にしているとそこに集中ができず、場所に入り込めないからです。

場所に入りこんでいくと、過去の自分が何かしているかもしれません。

もしかしたら小さい頃の自分になっていてもかまいません。

直感に従ってください。

ここで注意点ですが、場所に入りこんでいるときにできるだけずっと座り込まないように気をつけてましょう。

なぜかというと、座り込むと人間は安心するからです。

それで思考が優位に働いてしまい、感情が起こらなくなるので、できるだけ立って行うように気をつけましょう。

思い出の場所をやることで意外な出来事を思い出すかもしれません。

最後まで読んでいただきありがとうございます。

この前撮影に行ってきました。

やっぱり現場に行くと、撮影の雰囲気や自分の課題がわかってきました。

瞬時に色んな感情を取り出すことが、撮影では必要だと感じました。

情報解禁になればブログで告知させていただきます。

今回は役の癖について語りたいと思います。

みなさんは役作りのときに、役の癖を考えたことありますか？

色んな話を聞くかぎりあまり意識していない人が多いと思います。

演出家によっては役の癖を癖を観客にわかりやすいように演出する方もいます。

そこは演出家と話し合って決めてください。

演出家が指示していないからと言って、役の癖を作ってはいけない訳ではありません。

癖の例として、爪を噛む、鼻を触る、髪を触る、貧乏揺すりなど、

人の数だけ沢山の癖があります。

たまに作品やシーンによっては癖があると気になる、違和感があったりするときがあります。

それは俳優の癖のチョイスが間違っているか、癖になんの意味がないかのどちらかです。

ただ適当に癖を決めればいいものではありません。

なぜそのような癖をもったのかを俳優が正当化しなければいけません。

じゃあ、どうやって癖を見つけるんだよー( ｀Д´)/

という方いると思います。

そういうときに人間観察が役にたちます。

普段から人の癖や行動を観察しましょう。

すると無意識に引き出しが沢山できていることがわかってきます。

なぜ役の癖を決めるかというとそれは自分の為でもあるのです。

自分と役がかけ離れているほど役になるのは大変です。

自分が役になれているのか不安になるときがあると思います。

でも本番前に役の癖をやっていると、役のスイッチが入ります。

自分は今役になっているんだと自信をもてます。

それを繰り返しやると、体に染み込んで役に入るの時間がかからなくなります。

是非役の癖を見つけてみてください。

最後までありがとうございました。

この前宣材写真を撮り直してきました。

前回よりもリラックスして撮ることができたので、ポーズや表情が良くなってました。

少しは写真慣れしてきたかもしれません(笑)

今回は前回の続きでもあるアニマルエクササイズについてです。

よくアニマルエクササイズは動物役以外はほとんど効果がないという人がいます。

例えば猿の惑星の動物やライオンキングの役だったり、それ以外に使い道がないという方がいます。

私はそうは思いません。

なぜかというと、急に野生にアクセスしてと言われ野生にアクセスできる人が少ないからです。

感情からアプローチするよりも体からのアプローチの方が効果的だと思います。

感覚派の人はアニマルエクササイズはおすすめです。

だからアニマルエクササイズは自分とかけ離れいる役だと有効だと思います。

よく、名優はアニマルエクササイズを使っていないという方がいます。

それはただ言っていないだけで、観客にわかる必要はないと思います。

自分だけが知っていて、それで役になれればいいと思っています。

ようは役になれればどんなアプローチでもかまわないのです。

最後まで読んでいただきありがとうございます。

最近自分が出演した舞台の作品をパソコンで編集してるんですけど、演技がよくないのでほとんどカットです( ´△｀)

まだまだ訓練が足りないです。

がんばります！

今回はアニマルエクササイズについて語りたいと思います。

アニマルエクササイズとはメソッド演技の１つです。

主に自分と役のタイプが離れているときに使う方法です。

アニマルエクササイズという名前なので、動物が関係してます。

動物の雰囲気を取り入れて、それを役に生かそうということです。

例えば、あるハリウッド俳優はマフィアの役をする為にゴリラから入ったりしました。

ゴリラから入ったのは凶暴性にアクセスしたり、立ち振舞いがゴリラのイメージだったからでしょう。

ゴリラ以外には様々な動物でできます。

狼、猫、ネズミ、ウサギ、ヒョウ、ライオンなど

動物がいるだけ無限にあります。

大体使うのが狼、猫、ゴリラが多いですね。

アニマルエクササイズのやり方はまず、役のイメージに合う動物を選んでみましょう。

例えば狼は野生的な感じで、少し男性性の強い役や

猫は陰のイメージで心を閉ざしている役です。

これは頭で論理的に決めるよりも、直感で決めた方が上手くいきます。

実践してみて違うなーと思えば、他の動物でやりましょう。

次はその動物を観察してみましょう。

動物園に行ったり動画や図鑑見て、その動物の特徴や声を観察してみましょう。

私の知っている方はアニマルエクササイズでヒョウになるために１ヶ月間毎日、動物園に行ったそうです。

情熱の塊ですね。

次は実践です。

まずその動物を思い浮かべて、五感の記憶で動物の毛皮をまとっていると想像してみましょう。

例えば狼だと人によって違いますが、私は鼻や歯をイメージすると野生にアクセスすることができます。

耳やしっぽで強い感情が起こる方もいます。

人によって違うので、感情にアクセスしやすいところを見つけましょう。

まだ、動物になるのが難しければ、景色を想像してみましょう。

例えば狼だとして、夜や森の中や月を想像してみると入り込みやすいかもしれません。

だんだん動物になってくると、動物の雰囲気を纏ったまま歩いてみましょう。

その気持ちをキープしたまま飲み物を飲んだり、立ったり、座ったり色々してみましょう。

いつもと同じ行動をしているのに心理的に全然違うと思います。

最後までありがとうございました。

最近米津玄師のLemonばかりを聞いてます。

Lemonを聞いてるとレモン食べたくなります(笑)

今度レモン丸かじりしたいと思います(笑)

最近は月を見ると哀しみが込みあげてきます。

悲しくなるのになぜか毎日月を見てしまいます。

なんだか大人になった気がします(笑)

月ってそう思わせるなにかがあるのかもしれませんね。

前回投稿した続きの話です。

前回はシーンをなんとしても成立させる為に役の感情ではなく、自分の過去の体験を使おうといいました。

ようするに置き換えってやつですね。

置き換えとはスタニスラフスキーが考案した演技方法論の１つです。

じゃあ、演技って自分の感情ばかり使えば楽じゃん＼(^o^)／と思った方いませんか？

私は置き換えって演技自体反対ですし、１度も使ったことはありません。

その理由をいくつかあげていきます。

まず１つ目は、観ていて違和感があります。

大切な人が亡くなっているシーンでペットが亡くなったことを思い出しながら、演技すると観客はなんとなく違和感があることに気づきます。

観客もバカではないので。

観客は具体的にどこが悪いかわからないけれど、演技が下手だなと思うのです。

理由は真実のエネルギーがでていないから相手と交流ができていないので観客は共感できないのです。

もう１つは置き換え使うことによって自分の未分化な感情、エングラム(抑圧されている感情)をシーンに使ってしまう可能性があります。

表現している人は抑圧された感情をだすことができるので、表現している人はとても気持ちいいです。

ようするに観客のことを考えていないので自己満足です。

でも観客は俳優の抑圧された感情を見ると、目を背けたくなります。

気持ち悪くなります。

なのでクラスなのどで抑圧された感情を開放してクリエイティブな表現にするのです。

私は置き換えを使う方がめんどくさいです。

理由は頭で考えならがら演じなければいけないからです。

例えば、このシーンはあの置き換えを使って、次のシーンはあの時の感情を思い出して…ってやると役の今を生きていません。

あと、役に全然集中できません。

置き換えってものはシーンに直接使うのではなく、役づくりのために行うのです。

大切な人が亡くなるシーンだとして、

大切な人を亡くしたことはないけど、何年も飼っていたペットを亡くしたことがあるから、亡くしたときの気持ちはわかると役を共感する為に使いましょう。

最後まで読んでいただきありがとうございます。