自分も作曲した人と同じ数の感情を細別できないと、演奏した意味がなくなってしまう。

それゆえにその曲はまだあなたに早過ぎるとかいう話になる。経験したことのない気持ちは感じ取ることも、まして表現することは不可能だから。天才と呼ばれていた人達にはそういう感知のちからも備わっていたから天才だった。それに自然もまだ破壊されてはいなかったから、移ろうことを一般のひとたちもふつうに察することができたのだろう。だからきっといろんなことがシンプルだったんじゃないかな、と想像する。

今はやたらに”難しいことはわからないけど”っという枕詞で、察することも感知することもわきへ除けてしまう。

本当に考えてみたけどわからないからそう云うのではなく、あなただけわかってれば、勝手にどうぞ、という風に。環境にわるいのかもね、でもとりあえず生きてるわけだから、と使い捨てをして表面だけ気持ちが入れ替わっていく。自然が壊れれば人間の心も並行して壊れていっている。

自然と並行して人間の心も壊れていっているそのことは音楽に映っていて、坂本龍一さんのような音楽家はすでに２０年前から警告を発している。でもほとんどのひとたちは２０年間そのことに無関心なままだ。

アメリカに起きる悪いことは５年後に日本でも起きる、とちまたで言われている。でも頭のいい、偉いひとたちは

じゃあ５年後に日本でそれが起きないようにしよう、どうやって防げるのか、とは誰も検討も取り組みもしない。

生き返る、再生するには初心、原点に戻るしか無いのに、進化という言葉でまやかして未来に価値はあたえようとしない。脳の物質という、それこそ未知のうんちくの判断なんかより、自らの心の声が真実を告げているはず。

本当の共感はそのいくつもの心の声から生まれる。

演奏する人達、心の声をいつも生かしておこう。そうして音楽をする人達が、自ら心を奮い立たせることで自然はもう少し生き延びられる。

テンポをゆらしてるとかそういうことではない。でも、どういうわけかクラシック音楽から語法・文法が閉めだされ始めている。なんでなんだろう？

「とってもいいことを引き寄せたら、それと同じくらいの大きさのネガティブなこともくっついてくる。ちょっとしか動かないんであれば悪いことも起きない。どっちがいいかは自分が決めることだと思う。」

このことで、評価を受けるということについても言及しているのではないだろうか。

演奏が終わった瞬間に、一対多数であった関係も終わる。多数（聴衆）は肯定と否定に分かれる。

そしてそれぞれの感覚の違いを認めるか否かのレベルですまない事態も起こる。

演奏者に関する「肯定」か「否定」が、聴衆のあいだで交わされた意見交換ののち、

演奏者にバックしてくる場合だ。

演奏は当然のことながら消滅しているが、

聴衆が自分の感覚を証明するために

言葉でそれを蘇らせようと試み始める。「肯定」でも「否定」でも。

演奏者はちょっと面食らう。

どういうわけか、「否定」の声はよく響いてはっきりと入ってくる。

ふたつの派にわかれた後の聴衆にとって、自分の人格は決められてしまっている時もある。

自分のミスを悔いていないやつ、と思われる場合だ。

演奏中にすでに、うまくできなかったら自覚するし、忘れることは無い。反省点は本人が一番よく知っている。

ただ「否定」は「肯定」との議論を通して、こんどは演奏者に「否定」の存在価値を認めさせにくるので、

演奏と関係がなくなっていることもある。

「肯定」はやわらかく穏やかな場合が多い。たぶんそれも演奏者の手を離れた効果であって、

音楽という存在がそのひとを癒したからなんだろう。

大勢のひとに聴いていただいたときはこんなふうに、評価も

「大きく」なる。

演奏者の姿に胸を打たれる。

たぶん自分の中にも眠っている同じものが

一時的に自身に思わず重なり、

そのエネルギーに共感するのだろう。

次の回には、もう演奏者は、

自分が何をしているのか忘れることはできない。

前に聴いてくださった方たちと演奏者の間には、

それぞれとの間に関わり合いができるから。

それは次回には成長してしまう。

聴く側としては確実にそうだ。

演奏者はしばしばそのことに気付けない。

でも気が付きさえすれば、その関わりである音楽は、

共有されそれぞれに育っていく。

往年の巨匠たちの録音が残されてきたことも

偶然ではないと思う。

Youtubeなども利用して、そういった古い音源をよりたくさん

耳にしてほしい。

あのひとのスタイルだ、と聴衆は話す。

でも本当は言葉を失いたいのだと思う。

良い意味で、描写できない、と静かに思って、心の底に

言葉を沈めておきたいのです。

それは演奏者が音楽を続けていく限り、何度も人生に姿を現します。

再会のタイミングはとても印象的で、

なぜ心ひかれるのか、理由など浮かばないし、

その回が失敗に終わって一度や二度

忘れ去っても、つながりは途絶えることがありません。

詩人はそのことを、言葉で聴衆と共有する方法を知ってます。

音楽家は、ためいきの出るほど美しい、と感じた和音や

パッセージの箇所で、

演奏する瞬間にも「きれいだなぁ」と

耳を傾けることで、共有できるのだと思います。

またはもっと限定して専門家たちの間だけで語られます。

でも、専門家と言わないほんとうに良いものに

感応する人たちのところへそれを届けると

なぜ音楽が生き残ってきたのか

わかりますよ！

死ぬときにはそれらが一斉に静止する。

音楽はその人生のプロセスを描写する。

すなわち自然のプロセスを。

鼓動と声。

それゆえに聴く人たちは安堵する。安堵し、思考にはりついていた事柄からその一瞬だけ解放される.

そしてただ呼吸し自然の流れに身をまかせる。

だから音楽は戦禍をも超えてきた。

逆に言うと、防いでいくことにも繋がるのではないのでしょうか？

音楽家たちが、自分の表現という道具としての音楽ではなく、

原点に大きく戻って演奏することが、今まさに必要になってきているのではないでしょうか？

そのためにまず音楽家自身が、この世界は生き残る世界、

と自分たちで誇ることは

まだ必要なのでしょうか？

自分が前者の方の立場であるとき、分をわきまえることを意識できますか？

ありますか？

～流や～派、という音楽解析の道は看板を並べています。

あなた自身の創造力を自ら高めていく方法を

しかるべき師に教わった後、

流や派が吹き飛んでしまう可能性について

考えたことはありますか？