koniです。

今回はマイナースケールというもの

について書かせていただきたいと思

います。

マイナースケールとはどのようなもので

どのような時に使うのでしょうか？

簡単に答えると暗い雰囲気をだしたいとき

ですね。

いままではCメジャースケールと呼ばれる

明るい雰囲気をもつスケールを基本に

して説明してきました。

Cメジャースケールは「ド、レ、ミ、ファ、ソ、ラ、シ、ド」

ですよね。

マイナースケールには有名でよく使われるものが

２つあります。

ナチュラルマイナースケール

ハーモニックマイナースケール

と呼ばれるものです。

Cナチュラルスケールは「ド、レ、ミ♭、ファ、ソ、ラ♭、シ♭」

です。　　インターバルで表すと

「P1、M2、m3、P4、P5、m6、m7」です。

Cハーモニックマイナースケールは「ド、レ、ミ♭、ファ、ソ、ラ♭、シ」

です。インターバルで表すと

「P1、M2、m3、P4、P5、m6,m7」です。

Cメジャースケールと比べナチュラルマイナー

は３番目、６番目、７番目の音が半音下がっています。

ハーモニックマイナースケールは、メジャースケール

と比べると３番目、６番目の音が半音下がっています。

これはどのKeyのスケールでも同じです。

Aナチュラルマイナースケールを知りたければ

Aメジャースケールの３番目、６番目、７番目の音を

半音下げればいいのです。

Aメジャスケールは「ラ、シ、ド♯、レ、ミ、ファ♯、ソ♯」です。

このスケールから、３番目、６番目、７番目の音を半音

下げるとAナチュラルマイナーができあがります。

Aナチュラルマイナースケール「ラ、シ、ド、レ、ミ、ファ、ソ」

です。

このようにマイナーのスケールを導くことができます。

マイナースケールは、今回紹介した他にも

ありますが、必ず共通する部分は３度です。

ここがm3であることが、マイナースケール

のすべてで共通する部分です。

さて先ほどのAナチュラルマイナーを思いだして

ください。

「ラ、シ、ド、レ、ミ、ファ、ソ、ラ」でしたよね。

このすべて白鍵でできているスケールをどっか

でみたことありませんか？

実はCメジャースケールの６番目の「ラ」の音

から始めるとAナチュラルマイナースケール

になるんです。

「ド」からスタートするか「ラ」からスタート

するかの違いです。

これを並行調と呼びます。

これはどのメジャースケールも同じです。

例えばDメジャースケールは

「レ、ミ、ファ♯、ソ、ラ、シ、ド♯」ですよね。

これを６番目の「シ」の音からスタートすると

Bナチュラルマイナースケールになります。

このようにメジャースケールはスタート

する音の場所によってマイナースケール

にもなるのです。

並行調という言葉とをぜひおぼえておいてくださいね。

次回もマイナースケールについて書かせて

いただきたいと思います。

ここまでお付き合いありがとうございました。

koniです。

前回、前々回にサビ、Bメロの作り方に

ついて書かせていただきました。

次は、順番的にAメロの番ですがBメロを

作るときとコツは、あまり変わりません。

Aメロ→Bメロの流れでしたら、Bメロと違うコード

で始め、リズムに変化をつけると作りやすいです。

曲のメインであるサビを最初に作り、Bメロ、Aメロ

と作ってバランスを整えていく感じですね。

ぜひ1コーラス作ってみてください。

今回はKeyについて書かせていただきたいと

思います。

さて作曲をするときその曲のKeyを決めます。

KeyがCメジャーのものやFメジャーのものなど

たくさんあるなかで使うKeyを選択します。

選び方は作りたい曲の雰囲気や歌モノであれば

ボーカルの都合などで変わってきます。

なのでいろんなKeyで作曲できるようになって

おくといろいろ便利ですよ。

上の画像のようにたくさんのKeyがあり

そのKeyによって♯がついたり♭がつきます。

よく理論の説明などに使われるCメジャーの

Keyは、♯も♭もついていません。

ピアノなど鍵盤の白鍵の部分のみでできています。

ではどこに♯や♭をつければ、どのKeyに変わるの

でしょうか？

それをわかりやすく確認できるものがあります。

それは五度圏表と呼ばれるものです。

これは完全5度のサイクルを表してあり

Keyや調号がとてもわかりやすく求められます。

右回りだと完全5度のサイクルとなっており

左回りだと完全4度のサイクルになっている

ことを覚えておいてくださいね。

それぞれの調号の下にそのKeyが書いてあり

そのKeyを表しています。

なので♯が1つだとKeyはG、2つだとKeyはD

♭が1つならKeyはF、♭が3つならE♭になります。

基準のCから、右回りに行くと♯が増え

左回りにいくと♭が増えていきます。

調号の♯と♭のついている場所にも注目

してみてください。

調号に♯の付く順番は、Key=Ｇ

のFの音から調号がついていきます。

五度圏表を右回りに見てください。

最初に♯がついたFの部分から

F→C→G→Dのように♯が増えています。

♯の増えていく順番も完全5度の順です。

では♭はどうでしょうか？

♭は、最初にBの音に♭が付きます。

そこからB→E→Aと完全4度の順で増えて

いきます。

このように五度圏表を使うことで簡単に

Keyを導くことができます。

たとえば、Key=Aを導きたいときは

五度圏表を見てみます。

Key＝Ａは,

F(ファ）　C(ド）　G（ソ）に♯がついています。

なのでルートのA（ラ）の音から並び直し

この3つに♯をつけ導くことができます。

Key=A　　「ラ、シ、ド♯、レ、ミ、ファ♯、ソ♯」

になります。

このように最初は、五度圏表を使って

Keyを導くとわかりやすいですよ。

今回はここまでにしますね。

お付き合いありがとうございました。

koni

koniです。

前々回はサビの作り方について書かせて

いただきました。

では、BメロやAメロはどう変化をつけたら

いいのでしょう？

今回はBメロを作るコツについて書かせて

いこうと思います。

曲の構成的に「Bメロ→サビ」という流れが

多くみられますよね。

Bメロはサビを盛り上げるためのものという

感じですね。

Bメロが素晴らしいとサビがさらに引き立てら

れますよね。

では、よいBメロを作るコツを紹介したいと思います。

1,リズムに変化をつける

まず一番分かりやすく変化をつけるためには

リズムを少し変えてみましょう。

たとえばサビのコードを白玉系(全音符、2分音符）

で弾いていたとします。

それを4分音符にしてみたりして変化をつけます。

またドラムのパターンを少し変えることも必要です。

Bメロ、サビともにまったく同じということは、あまり

ないと思います。

ドラムについてはまだ説明いていないので、よくわからな

い方もいると思いますが、もし歌モノを作っていきたいの

であればドラムは欠かすことのできないものです。

ちかいうちにドラムの説明もしていきたいと思います。

2、コード進行に変化をつける

簡単に説明すれば、最初の出だしのコードを

サビとは違うコードから始めることです。

トニック、サブドミナント、ドミナントについて

覚えていますか？

それぞれのコードにある機能のことでしたよね。

もしトニックで始まっていたら、トニック以外の機能

をもっているコードで始めると簡単に変化をつけれます。

Key=Cで作曲していたとします。

そしてサビをCコードから始めていた場合は

違う機能を持つFコードなどですね。

3,メロディの音域

Aメロ、Bメロも含め、曲全体でサビの最高音

までが長10度で収まるように作ると、とても

バランスがいいです。

Bメロは、サビより少し低い音域を意識して作る

といいですよ。

この3つが簡単にBメロを作るコツですね。

必ずしもこの3つのコツが使われているわけでは

ないですが、作曲に慣れるまでは、意識して作曲

してみてくださいね。

今回もお付き合いありがとうございます。

次回もよろしくお願いしますね。

koni

koniです。

前回までは、歌モノのサビの作り方について

かかせていただきました。

それでも実際に作曲を始めてみると、やっぱり

難しいですよね。

前回紹介した、サビメロの作り方を意識しても

なかなか自分の作りたいと思っていたメロディ

にならなかったりして、うまくいかないものですよね。

私もすごく経験があります。

やはり自分の作曲スキルを上げるには、練習が

必要です。

でも最初のころは、何をどう練習すればいいのか分

からないんですよね。

今回は、作曲の練習法についてかかせて

いただきます。

自分の作曲スキルをものすごく上げることの

できる練習法それはバンドスコアなどの譜面

をDTMで打ち込んでみてください。

実際にある曲をコピーするんです。

コピーやマネをすると聞くと、あまりいい気分では

ないと感じる方がいますが、そんなことないんですよ。

そして打ち込んでみて、ここいいな！！

と思うところを自分の曲にマネして使ってみてください。

実際に自分の好きな曲を打ち込んでみてください。

バンドスコアなどを見ることで、その曲がどんな

楽器で構成されているかわかりますよね。

それを打ち込むことで、どのような演奏をしている

かもわかります。

いろんな譜面を打ち込んでみることで、いろんな

楽器の演奏方法がわかったりしてきます。

そして、コピーしてみて、いいなと思ったところを

自分の曲でマネしてみてください。

コード進行やメロディなども参考にしてみてください。

しかしそのままマネするのではなく、コード進行ならば

どんな理論を使った進行なのか考えてみてください。

参考にした曲のコードをそのまま使うのでなく、使われ

ている理論をマネしてみてくださいね。

またメロディを参考にする場合も、そのままマネするの

ではなく、インターバルを参考にしてみてください。

跳躍進行を使っているところをマネしたいと思ったら

どれだけ跳んでいるかをマネしてみてください。

ド→ソだったら完全5度跳んでいますよね。

レ→ソなら完全4度ですね。

また作曲をするときに、この曲に近づきたいと

思う参考曲を用意するのもいいと思います。

実際お仕事でも参考曲などがあったりして参考曲

を渡されることもあります。

このように最初のころは、いろんな曲を打ち込み

いろんなとこをマネしてみてください。

これが自分の作曲スキルを上げる一番の方法です。

今回もお付き合いありがとうございました。

次回もよろしくお願いしますね。

koni

koniです。

今回は、歌モノのサビメロの作り方について

書かせていただきます。

作曲を始めて自分の曲のサビが盛り上がらない

印象に残りずらいなど、思ったことありませんか？

そんな悩みがある方にはぜひ今回の内容

を読んでもらいたいです。

歌モノを作る場合、やはり一番重要な部分は

サビの部分になります。

そのサビが良いものでないと、Aメロ、Bメロが

どんなに素晴らしくても、霞んでしまいます。

よいサビを作るため、僕が使っているコツを

紹介していきたいと思います。

それでは説明に入らせていただきますね。

最初にサビに限らずに歌モノの曲を作るので

あれば覚えてほしいことがあります。

それは音域についてです。

男性、女性それぞれの出すことができる

音域が違います。　下の写真を見てください。

手書きなので字の汚さは大目にみてくださいね。

基本的な男性、女性の音域です。

このように男性と女性によって出すことの

できる音域がことなります。

自分がどちらのボーカルの曲を作っているか

かで使う音域を考えてください。

もちろん実際に人によって出すことができる

音域はそれぞれですが、最初のうちは上の

写真内の音域で作ってみてくださいね。

また音の高さを表すためにC3やC4など数字を

横につけてよく表します。

よく見かけるここでのC（ド）のことをC3と呼びます。

となりのレはD3です。　１オクターブ上のドをC４

1オクターブ下の音をC2と呼び、音の高さをわかり

やすく表しています。

上の写真で少しみにくいかもしれませんが

女性の音域がG2～F4

男性の音域がC2～G3

となっています。

さてここから本題のサビメロのつけ方について

書かせていただきますね。

1, メロディの最高音をサビで使う

　曲の構成には、Aメロ、Bメロなどサビの

　他にもメロディをつけるところがありますよね。

　その中でもサビは一番盛り上がったり、印象に

　残らなければなりません。

　ここでの内容は簡単です。　サビで曲の中で

　使う１番高い音を使うという事です。

　１番盛り上がる部分を作るという感覚で

　いいと思います。

　もちろんまったくないわけではないですが

　普通に考えて、Bメロ、Aメロよりもサビに

　最高音を使いたいですよね。

2,跳躍進行をつかってみる

　メロディを作るときによく使われる言葉が

　あります。それは

　順次進行と跳躍進行と呼ばれるものです。

　簡単に説明しますと順次進行は

　ド→レ→ド　　ド→レ→ミ　などですね。

　となりの音に動くメロディの進行と覚えて

　しまってもいいと思います。

　跳躍進行とは、その逆で他の音にジャンプ

　するかんじですね。

　ド→レ→ド→ソ　　ド→レ→ラ→ソ　などですね。

　最初の進行だとドからソの部分が跳躍進行

　次の進行では、レからラが跳躍進行です。

　基本メロディをつくるときは、順次、跳躍進行を

　うまく組み合わせて作ります。

　順次だけでは、少しつまらなく、跳躍ばかりでは

　ボーカルは歌いづらいですよね。

　サビを作るとき跳躍進行をうまく取り入れてください。

　たとえばサビの頭に跳躍して盛り上げたり、また

　サビの途中などここで盛り上げたいってとこで

　加えてみてくださいね。

　今回もお付き合いいただきありがとうございます。

　少でも、作曲を始めたかたの力になれていたら

　幸いです。

　次回もよろしくお願いします。

　koni

koniです。

今回は曲の構成の考え方について

書かせていただきます。

コード進行は作れるようになり、歌モノ

のような少し長い曲をつくりたい！！

という方にぜひ今回の内容を読んでもらいたいです。

では、説明に入らせていただきますね。

イントロ→Aメロ→Bメロ→サビ

→Aメロ→Bメロ→サビ→間奏→ラスサビ

→エンディング

上の流れが一般的な歌モノの曲の構成です。

イントロやAメロなどと呼ばれる1つのブロックは

基本的に8小節と16小節で成り立っています。

盛り上がる部分のサビが16小節であることが

多いですね。

あとAメロが16小節あるパターンも多いです。

さて作曲の手順ですが、作曲はその人に

よっていろいろあります。

鼻歌など、メロディを作りそこから作る方もいれば

ピアノやギターを弾き、メロとコードを一緒に考える

方もいます。

たくさんあるなかで、僕が初心者の方におすすめ

しているのが、コード進行からの作曲です。

始めにコード進行を作ることで、そのコード

に使うことのできる音を考えて使うことができる

ため、一番簡単にできる作曲法だと思いますよ。

では、どうやって作っていくのか？

僕は、サビを最初に作ることをおすすめします。

今回は、サビの16小節のコード作りをして

いきますね。

16小節すべて別々のコードを使うことは

ほとんどありません。

４小節または、8小節のコード進行を作り

繰り返して16小節のコード進行を作ります。

以前説明したことがある循環コードを意識して

作っていきましょう。

今回は、

C | Am | Dm | G7 |

この4小節のコードをメインに考えてみましょう。

1,まず一番簡単なのは、この進行をこのまま

16小節つづけることです。

C | Am | Dm | G7 | ×３

C | Am | Dm | G7, C |

こんな感じですね。

最後の小節は、終止感を出すために

最初の2拍をG7で残りの2拍をCにしています。

2,次は、上の形に少し手を加えてみた

　パターンです。

1～4小節と9～12小節をさっきと同じ

C | Am | Dm | G7 |　にします

5～8小節と13～16小節を少し変えてみましょう。

5～8小節は、9～12小節に向かうコード進行

13～16小節を終わりに向かう終止感のある

コード進行を意識して作ってみましょう。

今回僕は、こんなコード進行にしてみました。

C | Am | Dm | G7 |

Am | Em | F | G7 |

5～8小節は偽終止のAmから始まって

F→G7と基本のSD→Dの進行で9小節

のCコードに向かっています。

13～16小節も同じく偽終止のEm7から

始まっています。

またセブンスの音を加え、少し音に変化を

つけていますね。

15小節目でDm7→G7の流れを作り、16小節

でCコードを使い終止感をだして、終わっています。

このように少し変化をつけることも大切ですよ！

最初は、難しいかもしれないので、1つ目の

作り方だけで作ってしまってもいいと思います。

次回は曲のサビでのメロディをつけるコツ

について書いていきたいと思います。

それでは、今回もお付き合いいただき

ありがとうございました。

次回もよろしくお願いしますね。

koni

koniです。

今回説明させていただくことは、コードの転回形

といわれるものです。

同じコードでも響きが少し変わったり、コード進行を

スムーズに進行させるときにつかうものです。

ぜひいままでの内容に取り入れてくださいね。

それでは、説明に入らせていただきますね。

ボイシングとは、簡単にコードの並び方

と覚えてしまってもよいと思います。

ピアノやキーボードなどの鍵盤楽器でコード

を弾く場合基本的に右手でコードを弾き

左手で1オクターブしたのコードのルート

を弾きます。

もしCのコードを弾くときは、

右手で　ド、ミ、ソ

左手でオクターブ下のド

を弾きますね。

この右手のコード構成音の順番を変える

ことをコードの転回形といいます。

例としては、ミ、ソ、ド　

　　　　　　　 ソ、ド、ミ

ですね。

このとき左手は、変わらずルートを

弾いてくださいね。

では、なぜ転回が必要なのでしょうか？

理由は簡単に説明すると2つあります。

1つは、単純に響きの問題です。

鍵盤で弾いてみたり、DTMに打ち込んで

響きを聞いてみてください。

同じCというコードなのに3つとも、それぞれ

ちがう味がありますよね。

なので1つ目の理由としては、自分の使いたい

コードの響きを使うときに転回形を使います。

もう1つは、コード進行の響きをなめらか

にすることですね。

例えばCコードからAmに移るときの

２つのコードの構成音を見てみましょう。

基本の形だと、Cコードはド、ミ、ソ

Amコードはラ、ド、ミになります。

この形だとトップ音(構成音の一番上にあるコード）

にすごい差がありますよね。

Cコードは、ソ

Amはミ

場合によっては、わざとトップ音に差をつけること

がありますが、基本はあまり離れないようにします。

Ａmを転回形にしてド、ミ、ラという順番にしてみたら

どうでしょうか？

C→Amのときド、ミは同じ高さの音を押さえて

ソの音を全音上のラに上げるだけになります。

こっちの方が実際鍵盤でコードを弾くとき楽

ですよね。

このように転回形を使って、なるべくコード

の音が離れないようにしてみてくださいね。

左手のベースさえしっかり押さえていれば

転回してもコードは変わらないということを

覚えておいてくださいね。

今回もお付き合いありがとうございました。

次回もよろしくおねがいします。

koni

koniです。

今回は、もう一ついままでの

コード進行に手を加えてみましょう。

今までのスリーコードを中心に考えた

C→F→G→C　　　(コード)

T→SD→D→T 　（コードの機能）

のコード進行が基本になります。

でもT→SD→D→Tの流れだけだと

正直つまらないですよね。

これから説明させてもらうことを、自分の

曲に取り入れることで、もっとコード進行

を作るのが楽しくなりますよ。

それでは、説明に入りますね。

コード進行の基本は、スリーコードの

T→SD

SD→D

D→T

この3つの動きですね。

この動きの他にもコード進行を作るコツ

があります。

まず1つは、隣のコードへの進行です。

上にあるダイアトニックコードをみてくださいね。

となりのコードとは、つまり

C→Dm Dm→C

Dm→Em Em→Dm

Em→F F→Em

F→G7 G7→F

などですね。

ダイアトニックコード上にある隣の

コードに移動できます。

C→Dm7のように３和音のコードから

４和音のコードに変わっても大丈夫ですよ。

もう１つは、強進行とよばれるものです。

強進行とは、完全4度上昇するコードです。

完全4度は、半音5つ上にある音でしたね。

例えばC→F Dm→G7 Ｇ７→C

になりますね。

G→Cは、 D(ドミナント)→T(トニック）

の形にもあてはまっていますよね。

Dm7→G7→C

前に紹介したこともあるツー・ファイブ・ワン

ですね。これは、完全4度あがっているため

とても強いコード進行となってます。

最後に簡単なよく使われているコード進行

を紹介していきますね。

1、　　C →Am→Dm7→G7

　　　　イチ・ロク・ニー・ゴーとよばれる

　　　　とてもよく見かける進行です。

Am→Dm7→G7と強進行が3つ

　　　　つづいていますね。

　　　　最後がG7で終わっているため最初の

　　　　Cに戻って繰り返すことができます。

　　　　何回も循環できるので、循環コード

　　　　と呼ばれます。

　　　　歌モノの曲では、特に同じコードを

　　　　繰り返すことが多いので、よく使われ

　　　　ますね。

2, Em→F→G7→C

これは、基本スリーコードの最初のCを

　　　 Emに入れ替えた形ですね。

　　　Emにすることで、Fに対しての隣への進行が

　　　働きます。しかしもとの　Ｃ→Fの流れは、

　　　強進行なので、やはりこちらの方が

　　　とても強い進行です。

ですので、少しスリーコードの進行に

　　　 少し変化をつけたいときに使えますね。

3, F→G→Em→Am

これは、基本スリーコードのＦ→G→C

のCの部分をEｍにしています。

前に説明したことのある、偽終止ですね。

　　　 Em→Amは、強進行になってます。

この他にも有名でよく使われている

コード進行は、たくさんあります。

近いうちにも、もっと紹介していきたいと

思っています。

今回の内容を、前回、前々回の内容に

加えて作曲してみてくださいね。

このように少しずつ新しいことを加えていく

ことで、どんどん作曲の腕があがっていくので

がんばっていきましょう！

今回もここまでお付き合いありがとう

ございました。

次回もよろしくお願いします。

koni

koniです。

今回は、4和音のコードの仕組み

について説明していきたいと思います。

今回の内容を自分の作曲に加えていただく

ことで、自分の曲を、大人っぽく、おしゃれ

にすることができますよ。

いままでは、3和音のダイアトニックコード

を使ってきましたね。

もう一個積み重ねて、4和音にすることが

できます。

1コ飛ばしでもう一個積み重ねてみましょう。

CM7、Dm7、Em7、FM7、G7、Am7、Bm7(b5)

というダイアトニックコードが出来上がります。

M7がついているものを

メジャーセブンコードと呼びます。

上の画像のようにC△7と表されること

もあります。

m7がついているものを

マイナーセブンコードと呼びます。

アルファベットに7だけついている

ものをセブンスコードと呼びます。

m7(b5)がついているものを

マイナーセブン・フラットファイブ

と呼ぶます。

4和音目は、7thという音が加わります。

インターバルを覚えていますか？

CM7の構成音は、ド、ミ、ソ、シです。

インターバルで表すと

P1、M3、P5、M7(長7度)ですね。

Dm7の構成音は、レ、ファ、ラ、ドです。

インターバルで表すと

P1、m3、P5、m7(短7度)ですね。

G7の構成音は、ソ、シ、レ、ファです。

インターバルで表すと

P1、M3、P5、m7(短7度）ですね。

Bm7(b5)の構成音は、シ、レ、ファ、ラです。

インターバルで表すと

P1、m3、P5、m7になります。

7thを加えたコードは、おしゃれ感、透明感

がありますね。

3和音のコードと組み合わせて、作曲します。

3和音だけで作られている曲は、数多く

ありますが、3和音だけだと童謡っぽい

響きの曲になってしまいやすいので

7thを加えた4和音のコードを取り入れる

ことで、よりおしゃれな曲になりますよ。

ジャズなどは、基本的にほとんど

7thを含むコードで作られています。

さて、7thには長7度(M7)と短7度（m7)

の2つあります。

ルート(P1)から数えて、M7は半音11コ

m7は半音10コです。

さすがに数えるのがめんどくさいですよね。

もっとわかりやすく7thを導く方法があります。

CM7のコードのルートを見てみてください。

ドの音がCM7のルートですね。

ドの半音下の音は、シですね。

つまりM7はルートの半音下になります。

m7は、ルートから全音下(半音2コ)

になります。

ドをルートに考えたらシbがm7ですね。

このように7thは、ルートから考えて

みてくださいね。

さて今回もっとも重要なのが

G7のコードです。

5番目のコードの機能は、ドミナント

でしたよね。

なので、Key=C　の中で使われるG7は

ドミナント・セブンスコードとも呼ばれます。

G7は、３和音のGのコードよりも

Cのコードに戻ったときにある終止感

は大きいです。

CのコードとGのコードの構成音を見てみましょう。

Cはド、ミ、ソ

Gはソ、シ、レ、ですね。

ダイアトニックコードの7番めの音は

導音と呼ばれ、Keyの中心である1番目

の音にいきたくなります。

Key=Cではシの音が導音ですね。

コードの3度の音はとても重要です。

３度の音で暗い響き、明るい響きが

決まってしまうくらい影響力があります。

Gのコードは３度にさきほど説明した

導音であるシの音を含んでいます。

その3度の音が半音上がって、Cコード

のルートであるドの音に帰りたい力

が働きます。そのため

G→Cの進行（5番めから1番め)は

終止感のある流れになります。

G7のコードは、Gのコードにm7の

ファの音が加わっています。

このファの音がCのコードの半音下のミ

の音に帰りたい力があり、G7には

シ→ド　　　ファ→ミ

この２つの力が働くため、３和音のG

コードより終止感が強くなります。

ぜひ４和音のコードをいままで作った

コード進行に取り入れてみてくださいね。

今回の内容はいかがでしたか？

少し難しい内容だったと思いますが、

7thの音を加えることができるだけで

作曲の幅は、結構広がりますよ。

今回もお付き合いありがとうございました。

次回もよろしくお願いしますね。

koni

koniです。

今回の内容は、いよいよ作曲の

楽しい部分ですよ。

ここから自分の個性が出てくるところです。

今回はスリーコードの

C →F→G→C

のコード進行に少し手を加えて

みましょう。

Cのダイアトニックコードを思い出して

ください。

C、F、G、のコードのほかに

Dm、Ｅｍ、Ａｍのマイナーコードと

Bm(b5)のマイナー、フラットファイブ

のコードが残っていましたね。

スリーコードの中にこれらコード

を取り入れていきます。

コードには、3つの種類があると

説明しましたね。

T(トニック)、

SD(サブドミナント)

D(ドミナント)

の3つでしたね。

スリーコード以外のコードにも

この機能があります。

Em、Amは、T(トニック)の機能

をもっています。

同じ機能を持つもの同士は

入れ替えが可能です。

例えば　C→F→G→Cのコード進行

最初のCコードをAmのコード

に入れ替え、Am→F→G→C

に替えることもできます。

同じようにEm→F→G→C

も可能です。

トニックの力としては、やはりスリーコード

のCのコードが一番強いです。

最後の部分のG→C部分は終止感があります。

この部分を入れ替えてしまうと、終止感は

薄れてしまいます。

終止感をうすくし、Cの部分をAm、Emに

することを偽終止と呼びます。

終わりそうで、終わらない

そんな感じを出したいときに

使いますね。

DmはSD(サブドミナント)の機能を

持っています。

C→Dm→G→Cの進行は

よく使われますね。

この進行をツーファイブ・ワン

と呼びます。

ダイアトニックコードの

二番目のコードから五番目の

コードにいき、一番めのコード

に戻るからですね。

ツーファイブ・ワンはジャズでは

かなり使われますね。

今では普通のポップスなどでも

普通に使われています。

Bm(b5)はドミナントの機能を持っています

しかしC→F→Bm(b5)→C

という進行はあまり見られませんね。

Bm(b5)は少し扱いにくいコードです。

使う方は、すごい使いますし

まったく使わないという方もいます。

最初のうちは、あまり使わなくても

いいと思いますよ。

今日紹介したコードを使った部分の

メロディも前回同様に、構成音を

核の音として使い、アヴォイド・ノート

に気をつけてくださいね。

コード構成音の半音上ですね。

ぜひコードを入れ替えて、その響き

を聞いてみてくださいね。

では今回もお付き合い

ありがとうございました。

次回もよろしくおねがいしますね。

koni