「音楽が持つエモーションをきっかけに、

あと少し音楽へ近づくこと。

そして、その受け取りが可能な、

再生音質の実現について、

もろもろ書いていきます」

第10回目です。

前回まで、しばらく音質についての話が、

続いてきました。

今回からは、音楽の受け取りについて、

また少し書いていきたいと思います。

今回は、

「あと少し歌詞を意識してみよう」ということを、

いくつかの側面から、

書いていきたいと思います。

また、その例題としての楽曲試聴も、

後半に多く用意しています。

よろしくお願いします。

改めて歌詞を意識してみる

この記事を読んで頂いている皆さんは、

普段歌詞をどの程度意識して、

音楽を聴いているのでしょうか？

歌われている内容を、

深く理解しようとする人もいれば、

印象的なフレーズを拾って

聞く人もいるでしょう。

またカラオケで歌うために、

歌詞を覚える人も、

多いのではないでしょうか。

でも、歌詞はあまり意識せず、

聞き流すと言う人も、

実は意外と多い気がしています。

世の中で流通する音楽の大半は、

ボーカルが歌詞を歌うスタイルです。

特に日常的に聴く音楽では、

インストルメンタル楽曲よりも歌唱曲の方が、

広く楽しまれているのではないでしょうか。

このボーカルと自分の好みとの相性については、

誰でも直観的な判断が出来ます。

そんなボーカルとは切り離すことが出来ない、

楽曲表現の重要な一要素として、

今回は歌詞に改めて注目して

みたいと思います。

声や演奏音や再生音質と同様に、

歌詞にも意識することで、

音楽表現の受け取りが深まり、

ひいてはオーディオ的価値と

エモーショナルな部分の

バランス再認識にも、

繋がっていくのではないかと

思っています。

言葉の文脈依存性

最初に歌詞に使われる言語によって、

歌詞の役割が変わってくる、

ということから書いていきます。

楽曲をグローバルで流通させる上で、

英語で歌う事は、

現実的にはほぼ必須条件となっています。

この英語での

コミュニケーションの特徴の一つとして、

言語依存度の高さが挙げられます。

そこでは、伝達される情報は全て言葉で表され、

語られない部分には意思が存在しません。

これは、直接的で明快な表現と、

シンプルな理論でコミュニケーションする、

ローコンテクスト（低文脈依存）文化の特徴です。

そのために、

私たちからすれば英語楽曲の歌詞は、

どうしても単純明快な事実説明が多いと,

感じることもあるのではないでしょうか。

ちなみに、

ドイツ語は世界一ローコンテクストな言語で、

日本語は世界一ハイコンテクストな言語として、

分類されているようです。

ハイコンテクストとローコンテクスト文化での、

コミュニケーションの違いを、

Wikipediaに書かれている簡単な例で比較してみます。

日本語では電話を受けて

「xxさんいらっしゃいますか」と聞かれた時に、

「はい、おります」とだけの返事はしません。

最初の問いかけの背後には

「xxさんと話がしたいので、電話を替わってもらえますか」

という文脈が存在しているからです。

一方、英語では、最初から

「Can I speak to Mr.xx?」と

直接的に尋ねます。

確かに、根本的な発想が違いますよね？

英語における文脈表現

英語の歌詞には、リズムを生み出すという

重要な役割があることは、

第4回でも書きました。

このことと、

シンプルで直接的な表現を尊ぶ、

ローコンテクスト文化であることが相まって、

洋楽では歌詞の内容の重要性が、

相対的に低くなる傾向があると思います。

でも、英語で情緒的表現が全然されない、

ということではありません。

そのような部分は、

ポエムが得意な領域になります。

実際アメリカなどでは、

ポエムは日常的に深く受け入られていて、

多くの人が座右の銘のように、

自分の好きなポエムの一節を持っています。

そのために

「This is may favorite poem.」というようなフレーズも、

日常会話の中でもよく聞かれるのです。

このポエムと音楽をより深く融合させた功績で、

ボブ・ディランがノーベル文学賞を受賞したことは、

記憶に新しい出来事です。

歌詞の更なる役割

歌詞には、もう一つの重要な役割があります。

それは、

マイノリティが権威に抗う主張（カウンターカルチャー）を発信し、

マジョリティがそれを理解するという、

社会的システムとしての意義です。

非伝統的で荒々しい表現を受け入れる、

文化的バックグラウンドが根付いている欧米では、

音楽が単なる娯楽やビジネス以上の、

価値を持っています。

このことが、莫大な資金を投入し、

全世界に発信する音楽ビジネスモデルの、

大義名分にもなっているのではないかと思います。

歌詞はリズム表現・社会的メッセージ性・

楽曲イメージの補強・心象風景の描写など、

曲により様々な意図をもって作られています。

そのような歌詞の意図を意識して聴くことが、

楽曲への共感をさらに深めることにも、

繋がっていくのだと思います。

洋楽の歌詞の和訳を見て、

その内容に拍子抜けしたり、

あるいは激しさにおどろいたりという、

経験を持つ人も多いと思います。

そのような時に、

そもそも歌詞に求められるものが、

日本と西洋では異なるケースが多い、

という事を知っていると、

より楽しく接することが出来るのかもしれません。

日本語歌詞での表現

では次は、邦楽の歌詞についてです。

とてもざっくりと言えば、

2000年初頭までの邦楽では、

洋楽が持つリズムや演奏表現技術に

追いつくことが、

至上命題だったのではないでしょうか。

第4回で触れたように、

日本語は言葉の構造として、

リズム感の表現が苦手です。

そのような中、

例えば桑田佳祐の巻き舌・

小室哲哉のダンスサウンド・

宇多田ヒカルのR&B・

その後のヒップホップやラップなど、

様々なジャンルで、

日本語によるリズム表現への挑戦が、

行われてきました。

その結果、

現在では邦楽としてのオリジナリティが、

かなり実現されてきているのかもしれません。

そして現在も、

日本語による歌詞表現の可能性追求に、

多くのアーティストが取り組んでいます。

歌詞内容では、

洋楽のように社会的でパブリックな内容ではなく、

協調性を重視し、

パーソナルな精神世界で既成概念に抗うなど、

日本人の感性に合った表現がメインになります。

その時に、

ニュアンス表現の語彙が豊富な言葉による、

ハイコンテクストな表現が用いられ、

行間にエモーションが滲みだすような、

国民性に合う情緒的な歌詞が尊ばれます。

日本語歌詞の強み

洋楽と邦楽のそれぞれには、

それぞれの良さがあるということには、

誰もが頷くと思います。

しかし、洋楽か邦楽かという部分が、

相性以前の無条件の

選択フィルターになってしまうことも、

残念ながら事実でしょう。

西洋文化をベースに

近代化してきた日本では、

演歌を含めほぼすべての音楽は、

西洋音楽の作法をルーツにしていて、

今でも欧米の後追いをしている部分は、

確かにあるとは思います。

しかし同時に、邦楽には

文化的バックグラウンドの共通性、

物理的・精神的距離の近さ、

言葉理解などの、

大きなアドバンテージがあります。

そのために、

歌詞の内容や背景が理解しやすく、

表現の感性も合うことで、

より粒度の細かなエモーションや

音楽表現の受け取りを、

気楽に、そして味わい深く、

楽しむことが出来るのでは

ないかと思います。

よりパーソナルな音楽が増えてきている中、

このような強みを持つ邦楽の価値は、

ますます高まってきているのではないでしょうか。

楽曲試聴

今回の楽曲試聴では、

歌詞に特徴がある曲の表現を、

少し詳しく聴きながら、

進めて行きたいと思います。

興味がある曲があれば、

ぜひ聴きながらチャレンジしてみて下さい。

歌詞には、

情緒的な表現や個人的な世界の描写以上に、

激しく強く時代を動かすようなものも、

存在しています。

最初は、そのひとつの例として、

次の楽曲を聴いてみましょう。

楽曲1：Lou Reed　“Walk on the Wild Side”

アーティストについて

アメリカのアーティスト。

1950～60年代、

アフリカ系アメリカ人公民権運動の

次の社会的気運であった、

性的マイノリティの法的権利獲得運動の最前線で、

デヴィッド・ボウイやポップアートで有名な

アンディ・ウォーホルなどと共に活躍。

ロックの礎となった最重要アーティストの一人。

楽曲について

NYが最も危険で荒廃していた時代の、

1972年のヒットナンバー。

曲の背景を何も知らずに初めて聞いた時、

それでも何かとても大きなインパクトを

受けたのを覚えています。

この曲では、

アンディ・ウォーホルのサロンに出入りしていた、

性的マイノリティの様々な人たちについて、

半世紀後の今の日本でも直視が難しいような内容が、

赤裸々に歌われており、欧米でヒットしました。

ヒットするという事は、

積極性に違いがあったとしても、

世間がその状況を受け入れるという、

姿勢の表れなのだと思います。

シンプルだけれども、

血液の熱さと脈動のようなビートが、

底に流れているとも感じられる曲です。

そして、過激だけどそれが今のNYの日常なんだ、

という自分たちを鼓舞するようなメッセージが、

曲の最後で演奏されるサックスで、

表されている気がしました。

音楽では、

上質な楽器の音と歌声で表される世界、

あるいは、かっこいい音や

ファッションアイコンとしての

発信などが行われます。

しかし同時に、

世の中を切り開くような鋭い表現の世界の存在や、

当然と疑わない価値観の多くがアーティスト達が

身を削って勝ち取ったものの上に出来ていることや、

さらには今の常識が決して

不変の真実ではないということも、

このような曲から、

少しでも感じられるのではないでしょうか。

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このコラムの続きは、"note"で有料公開しています。

Music and Sound Quality -10 歌詞の表現

この後は楽曲を聴きながら、その回のテーマを体験的にカバーする、ということを行なっています。

興味のある方、ぜひご覧ください。

「音楽が持つエモーションをきっかけに、

あと少し音楽へ近づくこと。

そして、その受け取りが可能な、

再生音質の実現について、

もろもろ書いていきます。」　

第9回目です。

今回は、

音楽再生でリアリティを高めるために、

誰でも手軽に行える、

スピーカーのセッティングについて、

書いていきたいと思います。

一般環境下での音質改善

リビングルームなどの様々な制約がある、

一般的な住環境での再生音質の改善は、

そもそもとても困難なことなのかもしれません。

さらに、環境以外の条件でも、

人ごとに好み・資金・知見などが異なり、

またそれらの優先順位もさまざまです。

改善効果が出るポイントは現実には無数にあって、

その組み合わせ次第で効果内容が変化するなど、

下手をすると何から手を付けていいのか、

訳が分からなってしまいがちです。

しかし、与えられた環境や条件で、

ベストではなく、

ベターな環境を作ると言うならば、

直ぐにでも出来ることは、

案外と多くあると思います。

スピーカーセッティングによる再生音改善

スピーカーセッティングには、

少し気を付けて整えるだけで、

大きく音質改善が出来る可能性があります。

もちろん、

その方法に唯一の正しい方法が有るわけではなく、

環境条件次第で変わる部分も多々あります。

マニアックなセッティングでは、

部屋の使い勝手よりも音質最優先で調整を行い、

mm単位で位置関係を追い込んだりもします。

しかし、日常的に使っているリビングルームで、

そのようなことは、

なかなかできるものではありません。

また、例えばモノラル音源を鳴らしたときに、

左右スピーカーの音が

完全に同じに聞こえることが理想です。

しかし、部屋の造りや家具配置の都合もあり、

左右対称な諸条件による、

左右スピーカー音色の完全一致も、

実際では難しいのではないでしょうか。

ここでは、

そのような条件においても、

少しでもリアルな音が

再現できるようなセッティングについて、

書いてみたいと思います。

よりマニアックなものについては、

ネット上にもさまざまな情報がありますので、

そちらも合わせてチェックしてみて下さい。

セッティング時に使用する音源は、

前回も書いたことですが、

まずは心に響く曲であり、

その上で音に聴きとりやすい特徴があるものを、

選びましょう。

また、曲のジャンルにより、

セッティングの傾向が変わりますので、

普段主に聴くジャンルの曲で調整してください。

今回は、

例題曲を使った確認ポイントの紹介も、

セッティングの進め方の一例として、

併せて紹介したいと思います。

スピーカーセッティングのセオリー

スピーカーの設置位置については、

CardasやVandersteenなどの

一般的に知られたセオリーがあります。

その他にもいろいろなものがありますが、

この二つは単純な

直線寸法の計算だけで行えるので、

比較的解りやすいかと思います。

実際のリスニング環境には変動要因が多く、

セオリー通り進まないことも多くあります。

しかし、調整のスタートポイントとして、

活用する価値は十分にあると思います。

私がある環境で試したケースでは、

Cardasは広がりとステージ感と余韻が良い反面、

低音がブーミーになる傾向がありました。

一方のVandersteenでは、

定位・奥行・分離に優れていました。

ただし、聴く音楽のタイプによって、

このイメージも変わるのではないかと思います。

Vandersteenでは、部屋の縦横寸法の、

それぞれ1/3, 1/5, 1/7 の計9ポイントの中から、

選ぶことが出来ます。

この中から使えそうなポイントを選んで、

以下の調整の開始位置にしてみて下さい。

スピーカーセッティングの実例 - サウンドステージ

確認内容：

主に中高域の音を使って、

左右の音の繋がりと広がりの、

バランスが取れる位置を決める。

使用楽曲：

iri/ Juice/ Slowly Drive　　（Artist/Album/Track）

使用部分：

主に冒頭の1分間を使います。

特に38秒付近まではシンプルな音構成で、

音にフォーカスしやすい。

調整方法：

左右スピーカーの位置を、

セオリーで決定したスタート位置から、

それぞれ左右方向に動かして、

ベストなポイントを見つけます。

移動は必ずしも左右対象にはなりません。

最初は2-3cm単位で動かして、

大まかな位置を探し出し、

最終的には1cmから0.5cm単位で

追い込んで下さい。

ある程度の根気がいる作業になりますが、

このような手間が、

必ず音質の差を生み出しますので、

頑張っておこなってみてください。

確認ポイント①：

センターに現れる生々しいボーカルイメージと、

ピアノのバランス。

ボーカルが、はっきりくっきりと

センターに定位すること。

ピアノは、左右スピーカー間に渡り、

キーボードが置かれたかのように、

音程によって音の位置（定位）が移動する様子。

その他の効果音を含めて、

様々な音の繋がりと広がりのバランスが、

ベストな位置を見つける。

音がばらばらに途切れず、

同時に広がりも表現できる

スピーカーポジションを探していきます。

確認ポイント②：

38秒以降の勢いが増した部分で、

楽曲から伝わる音の広がりと、

タイトなリズム感に一体感があり、

隙間が無く再現される位置を確認していきます。

iri の Slowly Drive を

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スピーカーセッティングの実例 - 低音の量・質感

確認内容：

背後の壁からスピーカーまでの距離を、

ここではスピーカーを前後方向に移動させて、

適切な量と質で低音が出るポイントを探します。

この調整でも、

最終的には1cmから0.5cm単位で、

設置位置を追い込んで下さい。

中高域の音は、

主にスピーカーの前方に放射されます。

しかし、

低音は全周方向へ放射されるので、

背後の壁との距離を調整して、

壁からの反射音を調整することで、

低音の量と質が調整出来ます。

単に音量が大きければ

良いという物ではなく、

判断には "リアルな音" を

判断基準として持っていることが、

求められてきます。

音色や他の帯域の音との音量バランスは、

信頼が置けるイヤホンシステムなどを、

参考にすることも出来ると思います。

使用楽曲：

きのこ帝国/愛のゆくえ/Last Dance　　（Artist/Album/Track）

確認ポイント：

この曲は

ギターとドラムとベースのシンプルな音に、

ボーカルが加わった構成です。

このバスドラムとベースの音色で、

低音の確認を行い、

最後にボーカルで

全体の音色のチェックを行います。

バスドラムの ”ドッドッドッッ” という、

厚く重く迫るような音を注意深く聴けば、

それぞれの音の頭には、

切れの良いシャリという、

ビーターがドラム面を叩きつける、

高めの音を伴ったアタック音があることが、

分ると思います。

バスドラム本来の厚く重い響きと、

このアタック音が合わさった音の再現が、

ポイントになります。

ハイハットとスネアドラムの音は、

ここでは無視してください。

ベースでは、その音量の程度と、

波動を感じさせ転がるような分厚い音色が、

どこまで表現されるか確認して下さい。

また、40秒間のイントロの間で、

音量の変化はあっても、

一度の途切れもなく、

常にベースの音が鳴り続けることも、

重要なポイントになります。

ドラムとベースのどちらも、

低音の圧にかなりの存在感がある音量で、

再生されることも確認して下さい。

また、

女性ボーカルの声にも中低域の成分が多く含まれ、

声のキャラクターに大きな影響を与えています。

この低音調整が中高音へ及ぼす影響を、

女性ボーカルの再現性で確認してください。

自然界にある低音とは、

周波数が低い音だけではなく、

高音要素も大きな影響を持っています。

位置調整が一通り済めば、

エレキギターのキレ、煌めき、揺れ、歪などで、

高域音の確認も行いましょう。

以上のような要素が、

スピーカー位置の移動で変化する様子を観察し、

その中で最もリアルに聞こえる位置を見つけて下さい。

きのこ帝国の Last Dance を

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スピーカーセッティングの実例 - インシュレーター/スタンド/ベースの効果

確認内容 ：

スピーカーフット周りの対策効果の確認

使用楽曲：

きのこ帝国/愛のゆくえ/Last Dance　　（Artist/Album/Track）

確認ポイント：

音の締まり・重心の変化・音像イメージの明瞭さ

低音確認と同じ楽曲で、

インシュレーターやスタンドやスパイクなどの、

フット周りの対策効果の確認を行います。

インシュレーターの効果は、

導入が簡単な割には大きなものなので、

必ず行うべき対策の一つだと思います。

バスドラムで密度感や締まり、

ベースで重心や余韻、

ギターでキレや明瞭さなどを、

インシュレーターの有無で比較確認して下さい。

スピーカー付属のゴムフットは、

音質よりも落下防止的な意味合いが強い物です。

高価な専用品ではなくDIY的な手法でも、

大きな音改善が期待できますので、

変化を楽しみながらいろいろと試してみて下さい。

可能であれば、

オーディオボードの使用など、

インシュレーターのさらに下の部分も

考慮出来れば、言うことはないでしょう。

前回のコラムでも、

インシュレーター/フットの具体例を

、いくつか紹介していますので、

そちら（Music and Sound Quality -8　デジタルオーディオの音質について）も

参考にしてみて下さい。

きのこ帝国の Last Dance を

spotifyで聴く / apple musicで聴く / amazon musicで聴く

スピーカーセッティングの実例 - 音像・定位

音像の定位は、

オーディオにおいては音質にも影響を及ぼす、

とても重要な再生音の資質です。

これは、

視覚的な位置関係を音で表現するために、

ステレオの仕組みを利用して、

制作段階で加工して人工的に付加したものです。

音像とは相関性のある音が、

2つの音源（スピーカー）から発せられた時に出来る、

聴覚心理上の虚像のことで、

現実世界で一つの音源から

周囲に広がった音を聞く体験とは、

根本的に異なる事象です。

音源化の過程で減少した、

音楽のリアリティを補強し、

再生音からリアリティを感じるための、

オーディオ的な付加価値とも言えるでしょう。

ただし、

再生音にリアリティを感じるための要因は、

人により異なるので、

その重要性は絶対的なものではなく、

また音楽としての

本質的な価値ではないかもしれません。

定位感は音の周波数成分や、

スピーカーシステムの構成や特性により、

大きく変わってきます。

一般的には正弦波信号音などの再生では、

定位感は現れず、

"意味がある音" にだけ現れます。

また、スピーカ―BOXに複数個の

スピーカーユニット（ウーハーとツイターなど）がある

システムは周波数特性に有利で、

フルレンジなどのユニット数が少ない

スピーカーシステムでは、

ユニット間の周波数や位相の

繋がり乱れが起こらないので、

定位感が有利になってきます。

まずは自分の環境が、

どのような音像定位が可能なのか、

現状と問題点の再認識を行いましょう。

そして、前の3つのステップで行った調整の、

ブラッシュアップも併せて、

定位感のチェックを行いましょう。

確認内容：

構成音の定位・音像を確認する

使用楽曲：

CORNELIUS/Ripple Waves/Sonorama 1　　（Artist/Album/Track）
GRAPEVINE/ALL THE LIGHT/雪解け　　（Artist/Album/Track）

確認ポイント：

定位の明確さや、

前後左右上下の位置関係とバランス、

音像の引き締まったサイズ感などを

見ていきます。

CORNELIUS のSonorama 1を

spotifyで聴く / apple musicで聴く / amazon musicで聴く

GRAPEVINE の 雪解け を

spotifyで聴く / apple musicで聴く / amazon musicで聴く

スピーカーセッティングの実例 - 空気感・音楽性の再現性確認

確認内容：

最後に自分に響く曲を使用して、

エモーショナルな部分を含めた、

楽曲の空気感や音楽性を確認する

使用楽曲：

あーた（AATA）/あーた/各駅停車　　（Artist/Album/Track）

確認ポイント：

この曲の音品質自体は、

特に優れたものでもなく、

逆にアラが目立つ部分も多いのかもしれません。

そのために、

再生システムにも課題がある場合、

アラ同士が相まって、より汚く耳障りに、

聞こえてしまうこともあります。

あるいは逆に、音源が持つアラに、

気が付けない状況もあり得ます。

音源のローファイ的な部分も、

リアルな音として、

ある意味心地よく再現出来ることも、

「音」だけに頼らない音楽受け取りの、

一つのポイントになります。

また、一般論として、

スピーカーの内振り（少し内側に向けること）で、

音の圧や音像の大きさなどの、

イメージが変わってきます。

これに関しても、環境と好みにより、

さまざまなケースがあります。

こうあるべきだという言い方はしませんが、

環境条件と聴く曲のタイプと好みに応じて、

適度に調整し聴いてみて下さい。

あーた（AATA）の 各駅停車 を

spotifyで聴く / apple musicで聴く / amazon musicで聴く

その他のポイントについて

スピーカーとリスニングポジションの

正三角形的な位置関係、

あるいはスピーカーの高さについては、

実際の使用環境での使い勝手や、

例えばテレビとの高さの関係性などを考慮しながら、

決めても良いかなと思います。

その他の大きなポイントとして、

音の反射のコントロールがあります。

これは、大きく3つの要素に分けて考えることが、

出来るのではないでしょうか。

それぞれで、手軽に行える代表的な改善手法を、

簡単ですが書いておきます。

①　定在波（部屋に起因する本来不要な共鳴）を抑える

・ カーテンを閉める、吸音するものを置く

・ スピーカーを壁から離す、内振り角度をつける、など

②　反響（音楽性を補強する自然な響き）を確保する

・ 平面で固い壁や家具の表面に凹凸をつける

・ 吸音するものを少なくする

③　左右の壁による音の反射が強い場合、

センター位置からの反射も補強してセンター音像を確立する

・ スピーカー間のセンターに凹凸のあるものを配置する

以上の諸ポイントを意識して、

環境を見直していくと、

再生音質が徐々に変わっていくことが、

感じられると思います。

是非、参考にして、

いろいろと試してみてください。

今回も最後まで読んでいただき、

ありがとうございました。

次回も、引き続きよろしくお願いします。

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このコラムの続きは、"note"でも公開しています。

Music and Sound Quality -9　スピーカーセッティング

「音楽が持つエモーションをきっかけに、

あと少し音楽へ近づくこと。

そして、その受け取りが可能な、

再生音質の実現について、

もろもろ書いていきます。」

第8回目です。

今回は、今や当たり前となった、

しかし、まだまだ分かりにくい部分も多い、

デジタルオーディオの音質について、

日ごろ思う所を書いていきたいと思います。

そして後半では、

具体的な音質向上手法の例を、

楽曲試聴ポイントを併せて、

紹介していきたいと思います。

再生音質の変化とは

まず、基本的なことですが、

電線などの導体に電気が流れるということは、

その中で自由電子が移動するということです。

そして、その導体の物理的

あるいは物質的特性、

または導体自体の振動が、

そこを通過する自由電子へ、

一定の影響を及ぼします。

これが音響機器であった場合、

デジタル・アナログに関わらず、

音色の変化として最終的に現れてきます。

でもそのような音質とは、

現在の科学レベルでは

その変化を捉えることが難しいほどに、

微細なレベルの変化を含んだものなのです。

しかし、科学的根拠の提示は難しくても、

状況証拠に基づいた根拠ならば、

いろいろとあります。

そして、

そもそも電子という素粒子の導体内での動き方と、

音質の関連性については、

経験則でしか理解されていないのだと思います。

また、この仕組みの解明に、

資金と労力をかけて、

研究が行われることは、

なかなかありません。

これは、音楽や音質の価値を、

認めていないというよりも、

音楽の力が偉大であるがゆえに、

既に音楽から十分な恩恵を得ていると、

多くの人が考えているから

なのではないでしょうか。

音楽の力は偉大ですが、

再生音質と "原音" の間には、

まだまだ大きな差が存在しています。

そして、その差を詰めていく余地は、

まだまだ多く残っていると思います。

このコラムから、

音楽の本来の力が少しでも多く伝わる、

音響機器の使いこなしのヒントも、

少しでも伝わればうれしいです。

デジタルオーディオの長所と短所

民生デジタルオーディオの先駆けとなった、

CDが発売されたのは、

40年近くも前の1982年でした。

そしてその後、

2001年のiPodの発売により、

世の中は一気に

デジタルオーディオへシフトしました。

このデジタルオーディオの普及により、

圧倒的なノイズの少なさ、

コピー時の劣化のしにくさ、

検索性・操作性・ハンドリングの良さ、

そして特に民生機器では、

解像度やS/N比やレスポンスなどの、

音の特性の劇的向上という、

大きなメリットがもたらされました。

このように、基礎的な「音の特性」が、

大幅に底上げされたにも関わらず、

再生音のリアリティと "原音" の間にある、

大きなギャップを縮めていくという

高音質の追求は、

今でも依然として難しい課題です。

デジタルオーディオ機器では、

様々な信号処理ICを、

決められた通りに使うだけで、

良い測定データ（音の特性）の実現が、

比較的簡単に出来るようになりました。

そのために、

例えばオーディオ技術者ではなくとも、

オーディオ機器の設計が短期間で出来るなど、

開発業務の大幅な効率化が進みました。

そしてさらには、

省コスト化と小型化が相まり、

デジタルオーディオの普及が、

日常の音楽体験の進化を

牽引してきました。

しかし同時に、

音質向上の大部分を、

音の特性の向上に依存してきたが故に、

より本質的な音質の追及が

追い付かない状態が、

デジタルオーディオ機器の、

スタンダードとなってしまった面が、

あるのではないでしょうか。

最近のレコードの復活には、

デジタルオーディオ再生環境での音楽体験に、

満たされない気持ちの反動が、

一つの要因になっているようにも思えます。

デジタルオーディオのデジタルとは

デジタルオーディオシステムでは、

当然の事ですが、

デジタル的な概念をベースにして、

フォーマット化やコーディングや

演算処理が行われます。

しかし、

半導体やデバイスや回路や線材の中で、

電気が電位と電流という形で働くときは、

そのデジタル概念は、

アナログ的近似値に置き換えられて、

表現されます。

そもそも、

デジタルとは概念や考え方であって、

物質的にはデジタルなものは実存していません。

身の回りの全ての物事は、

細かく見ていけばアナログの事象だという事が、

音質もアナログ的に変化することに繋がってきます。

データ上での音質変化とは

しばしば、

「デジタル処理で音が変わるならば、

データにも変化があるはず。

ならば、例えば文章のデジタルデータをコピーすると、

その内容が変わるのではないか？」

というような、

逆説的な言い方がされることがあります。

ここで言われている

「文字が置き換わる」ということは、

音楽で言えばピアノのドの音が、

トランペットのファの音になる様なことです。

それはすなわち、

デジタルデータ自体が、

別の意味を表す０１の数列に、

置き換わるということです。

しかし、

現在のデジタル信号処理体系では、

データが別の有意の数列へ、

意図せずに置き換わることは、

原理的にあり得ません。

また、bit値にエラーが出た場合には、

エラー訂正で修正される仕組みが、

もともと組み込まれています。

デジタルオーディオの音質の変化とは、

デジタルデータの内容の書き換わりによる、

意味の変化ではないということは、

基本的な前提になります。

デジタル機器での時間軸精度

例えば、

エクセルデータをPCで処理・表示するときには、

時間的な縛りはありません。

このように、

通常のデジタルデータには、

時間の概念が含まれておらず、

処理にかかる時間は、

CPUをはじめシステム側の性能に、

任せられています。

しかし、

音楽をデジタルで処理する場合は、

この時間軸の精度が、

音質に対して大きな意味を持ってきます。

当然、オーディオ用クロックで、

時間のコントロールはされていますが、

多くの音響機器のクロック精度は、

実は決して十分なものではありません。

クロック精度にこだわったオーディオ機器では、

1000兆分の1秒であるフェトム秒の単位で、

クロックが管理されています。

このように、時間軸の精度から生じる、

音質の差異を感知する人の力は、

感覚として理解出来る次元を、

遥かに超えたものになっています。

時間軸精度を保つことは、

リアリティのある音を再現する上で、

とても重要な事柄なのですが、

これを乱す要因にも、

さまざまなものがあります。

再生機器の外部から飛び込むノイズや、

他の回路が発生するノイズが

オーディオ回路の電源やグランドや

信号へ与える影響。

更には、その影響の結果としての、

エラー訂正やリトライ頻度の増加による影響。

そして、

スピーカーユニットの特性やソフトウェア処理の仕方など、

時間軸精度はあらゆるものから、

いつも大きな影響を受けているのです。

時間軸感度について

時間軸精度の重要性について、

もう少し続けて行きます。

人の時間軸の感度は、

10μsecの変化を検知できると言われています。

しかし、驚くことにCDの時間軸解像度は、

その400倍も粗い4000μsecもあるのです。

これがハイレゾの192kHz/24bit音源になると、

CDの20倍精細な200μsecまで高まります。

人間は、一般的なハイレゾで表現可能な音よりも、

もっと細かな変化を捉える能力があり、

そのような聴覚情報精度を当然のものとして、

生きているのです。

ハイレゾ対応機器の定義では、

”最低でも40kHzまでの周波数特性” という、

可聴帯域(約20kHzまで)を越えた、

周波数領域の再生が求められています。

そして、その高音質の理由として、

このような聴こえない周波数の音の効果が、

さまざまなところで述べられています。

しかし、

再生周波数を上げることの最も重要なメリットは、

サンプリング周波数を上げることによる、

可聴帯域内の時間軸精度を高めることなのです。

再生周波数帯域の拡大は、

あくまでサンプリング周波数を上げたことの、

結果でしかありません。

はっきりと聴こえる音の改善効果が、

聴こえない音による改善効果よりも、

大きく支配的だということは、

誰にでも直観的に分かる事ではないでしょうか。

一般的には、

「デジタルオーディオではデータは変化しないので、音も変化しないはず」、

「バイナリーが同じだから同じ音であるはず」、

あるいは「ロスレスだから音も変化しないはず」などといった、

テクノロジーの表層的な理解や推測で

考えられがちです。

しかし実際は、

このような微小な時間軸精度などの、

デジタルドメインで

コントロールされるもの（データの中身）の

外にあるもの（データの容器）への影響が、

音質へ大きな影響を及ぼします。

そして、

この時間軸精度の重要性も、

今では多くの人に理解されてきています。

音質向上の基盤

デジタルオーディオ機器の、

音質を向上する設計手法には、

電源・GND・振動・ノイズの管理や、

部品や部材の材質あるいは構造の精査など、

既に広く知られている、

アナログオーディオにおける

音の精度向上手法と、

共通する部分が多くあります。

それに加えて、

デジタルドメイン特有の、

高周波ノイズの

混入/電流リターン/飛びつき、

さらにはクロック精度やD/Aコンバーターを始めとする、

デジタルオーディオ特有要素の、

精査/選択/管理が重要になってきます。

このような、

音の精度を向上する

技術的項目やノウハウは、

既に広く知られており、

例えばネットからも

多くの有用な情報を、

入手することが出来ます。

しかし、

多くの情報へアクセスできる

状況にあるにも関わらず、

オーディオ機器や環境の

音質向上の難しさは、

以前と変わりなく存在しています。

この事は、

音質向上は特定の技術だけでは、

実現できないということ。

そして、

高音質は音の精度に影響を及ぼす、

様々な要素を組み合わせて、

総合的に高めていくことで実現する、

という以前からの手法に何ら変わりはない、

という表れではないでしょうか。

音質の聴き取りと判断軸

再生環境の改善を目指すときに、

大きな前提条件であり、

また基本的で昔から変わらない

重要なスキルがあります。

それは、音を聴く力です。

現状の音、

目指す音、

音質向上策を盛り込んだ音、

その音と目指す音の差、

これらを判断するためには、

当然なことですが、

実際に音を聴いて

判断するスキルが必要です。

いくら良い手法・部品・部材を使っても、

その音を正しく判断できなければ、

目指す音質（=高音質）の実現は不可能です。

ただし、いきなり究極の音を目指すために、

究極の判断スキルが必要、

ということではありません。

あくまで、今の自分にとっての、

主観的でぶれない判断軸を持つ、

ということで大丈夫です。

ハイレゾの音質について

ここで、

先ほど時間軸精度の部分でも触れた、

ハイレゾの音質について、

もう少し考えてみたいと思います。

ハイレゾというと、

商品としての「ハイレゾ音源」や

「ハイレゾ対応機器」のことが

思い浮かぶかもしれません。

しかし”ハイレゾ” とは、

CDスペックを越えたビットレートを持つ、

デジタルオーディオのことで、

「ハイレゾ音源」や「ハイレゾ対応機器」のような商品や物ではなく、

スペックや概念を指しています。

そして、ハイレゾとはこのように "概念" なので、

その意義も

「情報量が増加したオーディオデータが民生オーディオ機器で扱える」という、

技術進歩についての考え方になります。

決して「高音質が約束される」といった、

キャッチコピーのようなものではありません。

実際問題として、

音源そして対応機器にも、

ハイレゾスペックは満たすが、

音質は従来並みという商品も、

多く存在しています。

それでは、

ハイレゾの核心であるデータの情報量の増加とは、

最終的な音に対して、

どのような意味を持つのでしょうか。

それは音の精度の向上です。

音の三要素で言えば、

音量/音程で表される定量的な「音の特性」部分の精度が、

非常に細かいレベルで向上するということです。

では、

ハイレゾの一般的なイメージである高音質は、

どこから来るのでしょうか。

それは、音の精度が向上した音源と、

それによって生まれる

音色などの定性的感覚特性が、

再生機器の資質の向上により、

更に高いレベルで再現されて、

実現されるということです。

ハイレゾの音質と言えば、

分かりにくく漠然としたもの、

というイメージが一部にはあると思います。

しかし、

ハイレゾ音源データのフォーマットも、

PCMであれば従来のCDと基本は同じで、

そのパラメータを拡張しただけのものです。

また、ハイレゾ対応機器の音の方向性も、

従来のリアリティ再現度を上げるものから、

変わるものは何もないのです。

ハイレゾの音質について、

よく解らないと恐れる必要は全くありません。

よくある、

「ハイレゾならこの音がこう聴こえるべき」なんて言い方は、

あくまでそれを言っている人が、

それまで気づいていなかっただけの、

主観的な意見だと思います。

今まで通り、

リアリティが再現される音を、

ただ求めていけば良いのではないでしょうか。

PCオーディオの音質改善

再生環境の改善を行うということは、

使用している再生機器、

再生部屋の環境、

目指したい音の方向性、

予算額などにより、

数えきれない選択肢の中で、

進めていくことになります。

今回は、

再生環境を比較的小コストで改善するための、

より現実的な手法の説明を行っていきます。

主にPCデジタルオーディオ特有の部分に絞って、

楽曲での確認ポイントとともに、

紹介していきたいと思います。

これはオーディオの難しい部分にもなりますが、

使用している環境や機器によっては、

同じ結果がいつも得られるとは限りません。

あくまで

「このようなものがこのように影響する」という、

実例のイメージとして捉えれてもらえば、

参考になるのではないかと思います。

また、ここでは多くは述べませんが、

電源・ケーブル・アース・コンセントやプラグなどの接点改善、

機器設置のベース（台やフットなど）、

吸音拡散等の、

音質改善に関する一般的で基本的な音質向上策においても、

それぞれの環境や予算に適したものが必ずあります。

僕もよくおこなっているDIY的な物から、

高価な対策部品まで、

さまざまな選択肢の中から、

イマジネーションを働かせて、

自分にフィットするものを選び、

その変化を楽しんでみて下さい。

音源　（効果レベル大）

好きな楽曲はCDで購入して、

DSF5.6MHzに変換して聴いています。

DSDは音が柔らかくなりすぎるという意見もありますが、

環境を整えていくと、

PCMよりもっとリアルな再現が出来ると思います。

もちろん11.2MHzが出来れば、

それに越したことはありませんが、

データ容量と音質のバランスを考えて、

現時点では5.6MHzにしています。

また、ハイレゾダウンロード音源は、

ハイレゾ感の演出のために音がガチガチに加工され過ぎる場合があること、

データだけでは事故で消失する可能性が高いこと、

サービス終了や再ダウンロード期限の終了などを実際に経験したこと、

数年ごとに訪れる機器更新でマスターを移動しなければならないストレスなど、

さまざまな理由で敬遠しています。

（CD自体も、素材の経年変化により、

読み出しデータのジッター増加という劣化が起こります。

オーディオはあくまで簡易的再現なので、

そこに完璧なものを望むことは出来ません。）

アップコンバート音源は、

いわゆる「ニセレゾ」と言われることもあります。

しかし、そもそも本物とは "原音" であり、

オーディオとは錯覚も活用した簡易的な再現手段なので、

音源作成プロセスで、

本物/偽物を言っていても仕方ありません。

リアリティある再現が可能な音源は、

"正しい" 音源であると思います。

CDのリッピングは、

JRiver Media Centerという

マルチメディア管理ソフトで、

以下の詳細設定をして行っています。

基本として、同時に行う処理を、

最小化する方向になります。

また、カバーアートデータを

音源ファイル自体に付加すると、

どのような機器で再生しても、

再生音質に悪影響を与えます。

理由の明確な説明はできませんが、

状況証拠的には完全に黒なのです。

このソフトでは、

カバーアートの保管場所を、

データファイル外の任意のパスに、

設定することが出来ます。

● コピーモー ド： エラー訂正
● 読み出し速度： 1倍（実最低速度は光学ドライブに依存）
● リッピングと同時にオーディオを分析： OFF
● リッピングとエンコードを同時に行う： OFF
● 最大同時リッピング処理数： 1
● 最大同時エンコード処理数： 1
● 最大同時処理数： 1
● カバーアート： データファイルに書き込まない

またCDの読み込みには、

PioneerのBDドライブ BDR-XS06J を

使用しています。

どのようなドライブでリッピングしても、

読み込んだデータは、

基本的にはバイナリーレベルで

同一のデータになります。

しかし、

各種変動要素に起因するジッターの影響は、

データ内容ではなくデータの外枠に含有され、

残ってしまいます。

このために、

ドライブによる音の変化は、

確実に発生し記録されてしまいます。

僕はこの BDR-XS06J に、

以下のような工夫を行って、

使用しています。

● 振動がドライブのサーボへ影響し、

結果的に電流変動やノイズが増加することを抑えるために、

百均にあるようなゲルクッション(2枚x4隅)と、

金属板重し(1.3kg程度)を使用。

● PCバスパワーからの

ドライブモータ電力供給により、

PC内部の電源・GNDが

影響を受けることを抑えるために、

ドライブ電源は外部DC電源から供給。

（このドライブは外部電源入力端子が

付いていることもポイント。

外部電源ヤフオクなどで

中古品が安価で買えます）

● USBケーブル内での

信号波形の反射/なまりによる乱れが、

データ/クロックのジッター増加の原因になり、

音質へ影響を及ぼす。

ドライブ－PC間は業務用USBケーブル

( unibrain USB3.0 microB ¥1,500程度)を使用

以上のようなリッピング環境の変更でも、

再生音はそれなりに大きく変化します。

その差は一般的なロック/ポップスでも、

十分に分かるものです。

例えば、

Ivy to Fraudulent GameのParallelという楽曲の、

15秒間のイントロで流れるドラムアタックの

鋭さ・重さ・響き・広がりなどでも、

確認することができます。

spotifyで聴く / apple musicで聴く / amazon musicで聴く

また、同じくIvy to Fraudulent Gameの

errorという楽曲の、

20秒間のイントロで聴こえるギターの、

左右の音像の広がり感にも、

その差は表れます。

spotifyで聴く / apple musicで聴く / amazon musicで聴く

PC

楽曲管理や再生をパソコンで行うのであれば、

パソコン自体にも気を付けるべきポイントは、

多数存在しています。

● パソコン電源　（効果レベル中）

パソコンの電源には、

スイッチング電源が使われます。

これは、

小型軽量な電源ユニットが実現できる反面、

さまざまな周波数のノイズを大量に発生し、

音質へも大きな影響を及ぼします。

ノートPCであれば、

ACアダプターとPC本体の間に、

ノイズフィルターを入れることが可能になります。

僕は iFi-Audioの

DCノイズフィルターiPurifier DC IIを入れて、

PCに流入するノイズを抑えています。

ちなみに、

電源ユニットが内蔵されている、

デスクトップPCなどでは、

許容電力限界を含めて

、このDCフィルターでの対応は

現実的ではありません。

iriのSlowly Driveでは、

DCフィルターの無/1個使用/2個連結使用の場合で、

さまざまな音のクリアさや定位感に、

比較的大きな違いが表れます。

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● PCとUSB DAC間のUSBケーブル　（効果レベル大）

デジタル信号が流れるUSBケーブルで、

音質が変わると聞けば、

多くの人は不思議に感じるのではないでしょうか。

今や古くなったUSB2.0でも、

一秒間に最大数億回のスピードで、

5Vという大きな電圧で信号が

ON/OFFするという、

人間の直観的な理解を越えたところで

作動しています。

それを思えば、

デジタルケーブルで音が変わるという現象を、

直観的な理解で判断することが、

見当はずれになってしまうことも、

あり得るのではないかと思います。

先ほども書きましたが、

USBケーブル内での信号波形の反射/なまりによる乱れが、

データ/クロックのジッター増加の原因になり、

音質へも影響を与えているのだと思っています。

ケーブルによって、

音の傾向は違ってきます。

僕が使っている SUPRA USB2.0 は、

どちらかと言えば、

音の厚みや密度感の向上が得意だと思います。

● Wi-fi オフ（効果レベル中）

パソコンに限らず、

全てのアーディオを扱う機器では、

内臓wi-fiをONにすると、

音質が悪くなる場合が多いようです。

wi-fiはOFFに設定して、

有線接続が出来るのならば、

そちらを使いましょう。

空中を飛ぶ電波の影響まで気にすることは、

現実的ではありませんが、

機器内の超近距離で強い電波が発せられたり、

そのための回路から生まれるノイズの影響は、

かなり大きいようです。

前項目のUSBケーブルの影響や、

このwi-fi設定による違いは、

SamphaのToo Muchのピアノの音の、

透明感・広がり・存在感などでも、

確認することが出来ます。

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● USBノイズフィルター（効果レベル中）

1秒間に数億回のスピードでON/OFFし、

ノイズにまみれているUSB信号を、

きれいにしてくれるUSBフィルターにも、

大きな音質改善効果があります。

パイオニアのAPS-DR001、APS-DR005や、

iFi-AudioのiSilencer 3.0も使用していますが、

効果の程度と音の変化の自然さで、

PANASONIC SH-UPX01が

一番のお気に入りです。

USB DACで再生する場合にも、

PCの空きUSBポートに挿すことにより、

音の明瞭度がかなり改善します。

きのこ帝国のLast Danceでは、

ギターストロークの音のスムーズさなどに、

その差が良く表れます。

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その他、

効果のほどはそれほど明確ではありませんが、

以下のような改善対策もPCに行っています。

音への悪影響がないことは確認していますので、

気分的な意味も含めて、採用しています。

● 各種バックグラウンドタスク終了（効果レベル中ー小）
● パソコン底部に電磁シールドシート貼り付け （効果レベル小）
● PCにソルボセイン製クッションフット追加（効果レベル小）

またノートPCを使っているうえでは、

空冷用ファンの振動や電気的ノイズからの影響も、

気になります。ただしこれは、

現時点では踏み込まない項目として、

個人的には割り切って使っています。
 

楽曲再生ソフト　　（効果レベル大）

再生ソフト「Audirvana」を使用。

無償で提供されている、さまざまな再生ソフトと、

信頼が置ける一部の有償再生ソフトの間には、

大きな音質差があると思います。

JRiver Media Centerも

十分に高性能な再生を行えるのですが、

Audirvanaではさらに濃度が高い再生が

出来ると感じており、

こちらを使用しています。

再生ソフトは購入して使うだけで、

大きな改善できるシンプルな方法なので、

PC再生を行うのであれば、

是非検討したい項目です。

以下では、デジタルオーディオに限らない、

オーディオ全般的な、

基本的音質改善内容に触れていきます。

アンプ

● 電源コード/コンセント/電源タップ/ACプラグ類

ここにも多くの改善要素がありますが、

あまり勢いよく踏み込んでしまうと、

底なし沼にはまってしまう、

危険地帯でもあります。

電気は流れるだけで、

微細な振動を発生しますので、

基本的には重量を増やして、

振動の発生や伝播を抑えることが

中心になります。

僕は鉛シートやブチルゴムシートなどを、

安全をよく確認しながら、

さまざまな部分で活用しています。

また、

銀色に見える亜鉛メッキされた

ACコンセントの刃も、

音を濁らす原因になりますので、

安価なものでも良いので、

銅製のものに交換した方がよいでしょう。

さらに、ACコンセントは挿す向きで、

音がかなり大きく変わります。

それぞれの向きの音の確認は、

オーディオの基本項目ですので、

必ず行うようにしてください。

悪い向きでは、

通常、密度感が薄く荒れて、

ざらついたような音がします。

しかし聞き方によっては、

派手で活発なイメージに、

聞こえる場合もあります。

何度か向き変更を繰り返し、

注意深く再確認をして、

最終決定してください。

● ACノイズフィルター

AC電源も、

さまざまなノイズを含んでいます。

僕はiFi-AudioのiPurifier ACという、

ACノイズフィルターを使っています。

これを使うことで音の密度感が上がり、

しっかりと響くような改善効果があります。

● シャーシアース接続

アンプのシャーシをアースに接続することで、

音がすっきりと明瞭になります。

コンセント工事を依頼しなくても、

部屋にあるエアコン用のアース端子などから、

太めの電源用ケーブルなどで、

引っ張ってくるのも良いでしょう。

iPurifier ACの使用にも、

アースが必要になってきます。

アース自体が汚いかも、

アース線の適切な種類が分からない、など、

悩みだすとキリがないので、

悪くならないのだったらOKという気持ちで、

まずはやってみてはいかがでしょうか。

注意点が一つあります。

アースに繋ぐのは、

（アナログ）ケーブルで繋がったシステムの中で、

アンプ一つにするということです。

2か所以上あると、

逆にノイズの原因になる可能性があります。

このアンプのシャーシアースが出来ると、

ACコンセントの音が悪い向きでの劣化の程度が、

かなり減少するという効果もあります。






スピーカーケーブルとベース

スピーカー自体の選択は、

オーディオの大きな醍醐味の一つです。

そして、そのスピーカーの置き方にも、

さまざまに工夫が出来る部分があります。

主なものでも、

スタンド、インシュレーター、スパイク、オーディオボード、ラグ端子など、

さまざまな要素があります。

その中でも、スピーカーケーブルの選択と、

スピーカー台やフットの選択は、

特に重要ではないでしょうか。

まず、スピーカーケーブルですが、

音は驚くほど大きく変化しますので、

その選択はかなり重要です。

しかし選択肢も多く、相性の問題もあり、

また簡単に試すことも難しいので、

悩みは多いと思います。

究極を目指すのではなく、

まずは現状を改善するという前提で、

素直にオーディオショップの店員さんに、

好みの音の傾向と予算を伝えて、

アドバイスをもらうのが良いかもしれません。

左右同じ長さのケーブルを使うことと、

細かい内容ですがケーブルの方向

（ケーブル自体に信号が流れる方向が、

矢印で印刷されているものも多い）を

揃えることにも、気を付けてください。

インシュレーターにもさまざまなものがありますが、

オーディオテクニカのAT6099などは、

比較的安価でありつつ

効果も確かに感じられる、

導入しやすいものだと思います。

ホームセンターなどでも、

利用可能なさまざまな素材が入手できるので、

いろいろと試してみて下さい。

基本的には、

均一で密度が高く音が響きすぎないものが、

良いかもしれません。

コンコンと叩いたときに、

音に心地よさを感じるものを選んでいくことも、

大事かと思います。

僕がパソコン脇で使っている、

小型デスクトップスピーカーでは、

手元にあったゴム製インシュレーター・黒檀・真鍮シート・人工大理石を、

適当に組み合わせて使ってみたところ、

とても良い感じになったので、

そのまま愛用しています。

今回は、デジタルオーディオという切り口で、

音質について書いてみました。

最後まで読んでいただき、ありがとうございます。

次回は、スピーカーのセッティングについて、

あれこれと書いていきたいと思います。

よろしくお願いします。

「音楽が持つエモーションをきっかけに、

あと少し音楽へ近づくこと。

そして、

その受け取りが可能な再生音質の実現について、

もろもろ書いていきます。」

7回目です。

今回は、

ズバリ「音質とは」

というテーマで書いていきます。

簡単・明確に答えることが困難な、

このテーマについて、

僕なりの考えを

書いていきたいと思います。

音特性と音質

「音の三要素」というものがあります。

それは「音量・音程・音色」とされていて、

音量は文字通り音の大きさ、

音程は低音/高音というような音の高さ、

そして音の色付けとしての音色になります。

そして、これら全てを含めた範囲を、

広義の「音質」と呼ぶこともあります。

しかし、これら３つの要素の中で、

音量と音程は数値的に測定可能な、

「音の特性」とも言えます。

測定可能な数値ということで言えば、

音程ごとの音量を表す周波数特性、

音量の比であるS/N比、

時間軸の音量変化である過渡応答特性、

そしてノイズも音量軸での乱れであるように、

すべて数値化できる指標です。

このように、

さまざまな「音の特性」の測定とは、

「質=Quality」ではなく「量=Quantity」を用いて、

定量的な特性を表したものです。

また、このような「音の特性」測定には、

比較的簡単に認識が出来て、

測定上も扱い易いという理由で、

主に単一周波数の正弦波信号を使用した、

静特性で考えられることが多くなります。

しかし、

それら「音の特性」の数値とは、

音に含まれるさまざまな要素の一部分を、

人が理解できる範囲で

示しているだけなのです。

そして、

音楽が伝わるための「音の質」を表すには、

それらは一部分の情報でしかありません。

音色について

三要素の残りの1つである音色とは、

音量と音程で構成される複雑な音から生まれる、

感覚的特性の事です。

正弦波信号で考えれば分かることですが、

音の基本は音量と音程で表すことが出来ます。

音楽とは、その様な基本的な音の、

極めて複雑な集合体であり、

その組み合わせや積み重ねには意図があり、

そこから音色と言う感覚的な特性が

生まれ出るのです。

そしてこの音色が、

より本質的な音質である「音の質」を表す、

さまざまな要素の中で、

きわめて重要なものになってくるのです。

「物の質」の場合は、

数値的スペックで

定義することが可能です。

しかし「音の質」は定性的なもので、

数値で表すことは出来ません。

このことは、

音質を測る測定器が、

存在しない事実からも分かります。

このように、

音の三要素の1つである音色が、

人の感性・感覚に依存した、

感覚的特性であるということが、

音楽と映像の受け取りが異なる、

根本的理由であり、

音質の把握が困難になる原因にもなります。

そして、

より本質的な音質である

「音の質」が実現してこそ、

料理で例えればテーブルソルトの様な、

周波数特性などの定量的な「音の特性」による、

最終調整の効果が生きてきます。

音の質の把握に向けて

音楽の再生では、

時間軸と周波数軸と位相軸と振幅軸に変動する、

複雑な音の集合体である音楽信号を、

忠実に空気振動に変換する事が

必要になります。

その難度は、

単信号音を扱う場合に比べて、

けた違いに高いのです。

スピーカーケーブルで

音が変わると言うと、

それを経験していない人で、

特に理系的な考え方をする人ほど、

「有りあえない」「オカルト」などと、

言ってしまう傾向があります。

でも、ケーブルを替えること自体は、

きわめて簡単な作業で、

実際にそれさえすれば、

音の差は必ず感じられるものです。

（ケーブル以外の要素が、

ケーブルによる音の差を

表現出来る精度を持っている前提です）

そして、

その様な基本的な事柄でさえも、

現在の科学技術レベルでは、

その音の差分の正確な測定やコントロール、

さらには科学的説明も出来ません。

（それゆえに理系的な人ほど、

懐疑的になるケースが増えてしまいます）

音楽信号の忠実な変換とは、

このように複雑で微細なレベルの事象も、

含んだものなのです。



言い換えれば、単純な信号音は、

単純な音量と音程による表現で十分であり、

複合的で複雑な音量と音程の構成物である音楽では、

感覚的特性である音色の再現性が、

重要になるということです。

このような音楽の音質には、

音色以外にも、

例えば音場や音像や解像度など、

オーディオ特有のリアリティの、

疑似的表現に欠かせない要素も、

複雑に絡んできます。

そのような再生音の音質判断には、

音程/音量ドメインで

単信号をベースにした音特性測定器よりも、

さらに優秀な人間の感覚による判断が、

必要不可欠になります。

そしてそれを行うためには、

鼓膜の振動をより詳細に検知・認識できる、

脳内回路を構築するような、

経験の積み重ねが必要になります。

脳内での音質認識について

音は耳に入り鼓膜を振動させますが、

鼓膜を揺らした音を、

全て聞けるわけではありません。

音とは、鼓膜の振動刺激が、

さまざまな感覚器官で変換・伝達され、

最終的に脳が判別するものです。

この時に、

空気振動によって伝わる英語発音を、

普通の日本人が、

全て正しく聞き分けられない事と同じように、

音質のより詳細な聞き取りには、

慣れと訓練が必要になってきます。

単純な音は脳内の聴覚野で処理されますが、

音楽や音質の認知という、

より高度な処理は、

リズム・音程・和音・音色・音要素の判別などの目的によって、

脳内で認知される部位が異なります。

詳細には色々な学説が、

あるのかもしれませんが、

ちょっと調べただけでも、

それは次のようなものらしいのです。

「ピッチは内耳で高さの情報が分けられ最終的には側頭葉にある聴覚野で受容され、リズムの受容には左半球特に小脳−基底核−前頭葉の回路がはたらき、和音は側頭葉の前部が関与し、伴奏とメロディーを聞きわけは側頭葉後下部と後頭葉の境界部がはたらき、ピッチの高低の比較には頭頂葉と前頭葉のネットワークが関与。そしてリズムを取るには前頭葉で作られた歌唱の運動プログラムが運動野に至り喉や舌などの筋肉への命令として伝えられ、実際の運動となる。そして音楽を聴いた時に生まれる感情は、本能的な部分を司る大脳辺縁系という意識ではコントロールできない領域が刺激され生まれる」

このように、

さまざまな聴覚器官を経た刺激信号を、

脳のあらゆる場所を

総動員・連携して認知するという、

想像できないほどに、

複雑で高度な音楽や音質の受け取りでは、

その内容は、

脳内ネットワークの状態にも、大きく左右されます。

鼓膜を揺らすものすべてを、

客観的に全て聞き取れるという前提で、

音質を聞き分けようとしているならば、

実はその基本的な前提から、

考え直す必要があるかもしれません。

同時に英語環境で育った人は、

誰でも英語が聞き取れるように、

慣れていけば誰でも音質を感じ、

判断できるようにもなるのです。

音質の認識レベルについて

音質を表す言葉には、

いい音、高音質、Hi-fiなど

様々なものがあり、

それぞれ似た部分もありますが、

使われ方には微妙に違いがあります。

一つの考え方ですが、

私は音質を以下のように捉えています。

● 「いい音」とは主観的な価値観に基づいたもの。

自分が良いと感じる音のことで、リスナーでも、演奏者でも、機器メーカーでも、

直観的に持っているもの。

● 「高音質」とはいい音の精度を上げたもの。

リスナー/制作者/メーカー固有の感性に基づき求める、主観的な良音。音質の「正解」は個人固有のもの。いい音も高音質も、自分が良いと思うことで、実在する価値になる。

● 「Hi-fi」とは、「High Fidelity = 高 忠実」という意味。

“原音”に忠実な音再現を目指す、再生側の普遍的概念。原音というターゲットがあるので、主観ではなく普遍的なもの。しかし、そもそも原音と全く同じものは再現できないので、あくまで指針や方向性といった概念になる。

このように考えると、

実体がないにも拘らず、

マニアがしばしば実現したと主張したり、

しなかったりする、

Hi-fiを目指すということよりも、

どのように具体的な

高音質を目指すのかという、

主体性が重要な事は明らかだと思います。

音質に向き合う上でのヒント

音質を意識して音楽を聴いていくなかでは、

現在地や目的地がわからなくなってしまうことも、

しばしば起こってしまいます。

そのような時に、

ヒントになるかもしれない、

いくつかの考え方を、

以下に書いていきます。

● 音質は構成要素の組み合わせ方で様々に変化する
一旦はNGだったアイデアも、異なる条件や組み合わせでは、良い物になることがある。音質に影響するパラメーターは無限にあり、正しい一つの解や、組み合わせというものは無い。自分の好みと自分の環境に向く、より良い組み合わせを選択する、トライエラーの繰り返し。

● オーディオ的には明らかに間違った音や悪い音はあるが、正解の音は人それぞれに存在する

● 不確実性の中で改善の方向性を見定めるためには、自分の判断軸を確立すること

● 音質比較時に差が分からない場合の可能性
①音が本当に同等　②差を聞き分けるスキルに問題　③差が表現出来ない再生環境
　　① のケースはほとんど無く、②と③のどちらかなのかを冷静に考える

● 異なる再生機器での試聴やライブ参加など、聴く経験を重ねる

● 判断する内容を整理した上で、音を聞き比べると詳細が分かり易い
ブラインドテストが万能ではない（ ≒ 鼓膜を揺らす音を全て聴けるわけではない）。聴く前に結論を決めて、それに合う結果を探すことと、結果を予想し、それに基づき判断する事は別。予想外の結果を受け入れる気持ちと、有ると信じることで見えてくる事実のバランスを意識する。

● 音質判断基準のレベルや質は、時とともに変化（成長）するので、今の自分の状態を把握しておく（以前の考えが通じない可能性がある）

● 間違っても良いので、自分の感性を信じて自分で判断する経験を重ねる

● TVの店頭モードの派手な画質が好まれるように、”良い音”と高音質は必ずしも同じベクトルではない

● オーディオの最終目標は、綺麗な音を出すことだけではなく、自分に響く音で音楽に込められたメッセージを受け取ること

音質確認に使用する音源について

再生環境の音質を見る場合は、

次のような音源を使うと良いでしょう。

● 共感できる曲　引き込まれる曲　グッとくる曲
● 明確に聞き分けしやすい音を含む曲
● 音を理解している曲
● タイプが異なる複数の曲

雑誌記事などで評論家が紹介する楽曲を、

自分が確認する際にも使おうと考えることは、

比較的よくあるのではないでしょうか。

僕も何度となく試してみました。

その結果から言えることは、

自分の心に響かない楽曲では、

結局 ”頭” で聴いてしまい、

音楽の受け取りに重要な、

共鳴を欠いた状態で判断を

行いがちになる、ということです。

たとえ最高音質の音源ではなかったとしても、

頭ではなく心が良いと思った楽曲でチェックすることが、

望む音質へより直接的に到達できる道になると思います。

幸いにも近ごろは、

CDの録音品質の向上も著しく、

以前のように良音質盤を探し回る、

という必要も少なくなっていると思います。

また、何度も聴いて、

詳細を覚えている楽曲を使うことも重要です。

これは単に、

「判断のポイントを把握している」だけの

理由ではありません。

例えば、

初めて使うヘッドホンで聴いた時に、

今まで意識しなかった音に、

気が付くということがあります。

このように、

新たに意識上に現れるものについては、

比較的敏感に感じ取ることが出来ます。

しかしそれと同様に、

聞こえにくくなった音も、

あるはずなのです。

そして、無くなったものに対する気付きは、

記憶を基に行うことになります。

その意味でも、

再生機器の音を聴き比べする際は、

リファレンスとする音を何回も聴いて、

よく覚えておくことが重要になります。

楽曲試聴

音質とは、

主観的で個人的な感覚特性を含むものなので、

音質確認に使用する曲には、

自分がグッとくる曲を使うと良いと、

書いてきました。

それでは、

「今回の試聴曲はどんな曲なのか」

と思われるかもしれません。

基本的にいつもその基準で選曲していますが、

今回は特に個人的にグッときたもの、です。
 

4曲全て、seven oops の「日常」というアルバムに、

収録されている曲です。

リアリティという意味では、

まず多分にほぼ調整がされていない、

そのままの声が収録されている

ボーカルがあるでしょう。

この「日常」というアルバムでは、

これまでのアルバムの楽曲に比べると、

全ての音の表情に大きな変化があると思います。

それは、アルバムタイトル通り、

普段の自分たちを、そのまま表すという部分が、

大きなテーマであったであろうことが、

ボーカルの声の表情からも窺えます。

そして、その上で楽曲の世界観に沿った、

多彩なボーカル表現が、

曲ごとに行われています。

また、

残り2名のメンバーが演奏するベースとドラムの音を、

ボーカルに寄り添わせて中心に据えた様子。

そして、その周りを彩ったその他の演奏音にも、

リアリティとディテールと存在感があり、

しかも出しゃばらずに3名を引き立てている

様子も窺えます。

このように、

全体の音の構成と表情がとても温かく、

同時にメンバー同士の結びつきを表したような、

リアルで素晴らしいものに、

なっていると思います。

決してこれ見よがしな、

「高音質感」の演出ではありませんが、

演奏者やリスナーに寄り添った、

純度が高く生々しい音が、

多く収録された作品です。

ボーカルのリアリティや、

楽器の音の粒立ちや表情を感じながら、

聴いてみてください。

楽曲試聴1：ささくれ　日常/seven oops

ボーカル自身の作詞作曲による曲で、

本人の世界観にボーカル表現を通して浸れる、パーソナルな一曲。

イントロ部分での、アコギの弦の音色とボディでの反響音のディテール。

エレクトリックピアノの、心地よい歪を伴った音色。

体の存在感が分かるようなボーカル。

ベースとドラムの演奏表現。

このようなものを、感じ取ってみてください。

spotifyで聴く / apple musicで聴く / amazon musicで聴く

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このコラムの続きは、"note"で有料公開しています。

Music and Sound Quality -7 音質とは｜はなみだんご

この後はさらに楽曲を聴きながら、その回のテーマを体験的にカバーする、ということを行なっています。

興味のある方、ぜひご覧ください。

「音楽が持つエモーションをきっかけに、

あと少し音楽へ近づくこと。

そして、その受け取りが可能な、

再生音質の実現について、

もろもろ書いていきます。」

第６回目です。

今回も、前回に引き続き音質について、

書いていきます。

今回はその中でも、

再生音の音質とリアリティの関係を中心に、

思う所を書いていきたいと思います。

意図の共有

音に関するさまざまな測定の中でも、

特に機器の特性を見るときなどは、

1kHz正弦波などの単純な信号音が使われます。

しかし、そのような、

一見正確に見える機械的な信号音も、

実際に再生されたときの音の音色は、

再生条件によって変化します。

でも通常は、

その様な信号音の受け取りに関しては、

労力やコストをかけるに値する、

興味も感じなければ、

意味も持ちません。

そのために信号音を表すには、

周波数や振幅レベルなどの、

定量的指標による定義で、

十分事足ります。

一方、音楽においては、

感情やメッセージを伝えるために、

楽器や声で音を操り、

組み立てていきます。

そして、その行為のベースには、

人の感性や意思/意図が

存在しています。

またその音楽を聴く人も、

意識・無意識に関わらず、

その意思や意図を感じ取ろうとします。

そのような音楽の音質を語るには、

その音楽が存在する理由を、

自分なりでも構わないので意識して、

価値を共有する事が前提となります。

共有と言っても、

決して大袈裟なものである必要はありません。

例えば楽曲やアーティストに対する興味だけでも、

大きな意味を持ってくるのです。

音質とリアリティの向上について

音楽の伝達では、

そのような価値の共有を前提としているので、

当然、受け取る側の感性も重要になってきます。

感性が重要であるのなら、

自身の感性のままに再生音を変化させて、

楽しめば良いのではないか、

という意見があるかもしれません。

あるいは、音楽には、

再生音質に関わらず伝わる力があるので、

音質には特にこだわらずに、

伝わるものを受け取っている、

という意見もあるかもしれません。

これらの意見は、

リスナーからの視点で見たときには、

もっともなことだと思います。

その意見に、

何の文句を言えるものでもありません。

しかし一方で、

オーディオ的な価値の視点で考えた場合、

アーティストが意図した音を再現することで、

意思やエモーションの受け取りによる、

アーティストとリスナーのコミュニケーションを図り、

音楽体験の質を高めていくことが

価値を持ってきます。

このようなオーディオ的な観点からいえば、

音質の向上とリアリティの向上は、

いつも同じ方向性を持っていると

言えるでしょう。

原音再生

その様な

オーディオ的な考えの流れの中では、

製作者の意図に忠実にありたいという願望から、

しばしば「原音再生」、

あるいは「原音に忠実」という言い方がされます。

そしてその言葉は、

高級機の証として何の疑いもなく、

受け入れられることも、

多いのではないでしょうか。

しかし、それらのほとんどは、

実は製品セールス上の、

誇張されたレトリックなのだと思っています。

実際のところは、

「本当の音に出来るだけ忠実な再生をしたい」という、

ぼやっとした希望や概念に過ぎないのです。

原音再生が難しい理由としては、

原音という言葉に一定の定義が無く、

人により考え方が異なることも、

一つのポイントです。

あるいは、

さまざまな音楽の構成音を、

L-Ch/R-Chの二つのトラックに落とし込む時に、

全体の音を考えて整理していく上で、

どうしても切り捨てる部分が出てきます。

"原音" が、より生の音に近い物だと、

考えているのであれば、

これはそもそもオーディオの限界に、

関わる話なのかもしれません。

しかし更に考えていくと、

音とはそれが発せられた物や環境で決まる、

固有のものだということが、

重要な意味を持ってきます。

音楽再生とは、

収録マイクから再生スピーカーまでの各要素において、

性能という限界と、固有の特性を持つ工業製品を用いて、

音を出来るだけ似せていった結果の、

積み重ねで出来た音を聴く、ということなのです。

生の音では、それぞれの音の要素が、

ある一つの位置で発せられます。

そして、時間・強度・位相の違いを持って

、左右の耳それぞれに到達します。

一方の音楽再生では、

さまざまな音が、

もともと2ch信号に振り分けられています。

そして、

それが左右別々の位置にあるスピーカーから発せられ、

左右の耳にそれぞれ差を持って到達します。

これらの4種類の音が、

知覚を騙して脳内で合成された結果、

ファントムイメージとして、

音像を疑似的に把握します。

この疑似体験で、

左右の位置の再現（定位）は出来るのですが、

それは生の音が空間に響き渡り、

反響した音を含めた全体の音を聞く、という体験と、

決して同じものではありません。

あくまで、疑似体験なのです。

一般的には、

なんとなく「音の完全な再現は可能」という前提で、

考えてしまうことが多いのではないでしょうか。

しかし電気信号と機械を使って、

簡易的に音楽を聴くオーディオというもので、

原音が持つ幅広い音の特性の完全再現は、

そもそも不可能なものだと、

考えた方が良いでしょう。

原音再生とは、

「理想的音響システム」などと同様に、

存在しない概念的なものなのです。

また、プロ用モニター機器ならば、

原音再生が可能と

考える場合があるかもしれません。

しかしモニター機器は、

制作時に音の各要素を分解し、

明瞭に描き分けて、

音を監視＝モニターする観測機器であって、

原音再生するものではないのです。

リアリティの再現

原音再生が難しいと言いましたが、

それでは良い音とは、

どのようなものなのでしょうか。

一つ確実に言えることは、

再生音を聴く人が、

元々音を発したものが実感できる、

「リアリティの再現」ができる音のこと

です。

この「リアリティ再現」を

より濃く実現することで、

エモーションを通した製作者の意図の伝達が、

一層強く行われます。

この時に、"リアル" を知らずに、

再生音だけからリアリティ感じることは、

出来ません。

そのためには、

そのアーティストの表現を、

実際に感じ取る経験をしていることが、

重要になってきます。

もちろん、

完成された音源を一つの作品として、

それで完結して楽しむことにも、

十分な意義があるでしょう。

でも、

再生音質を高めていきたいと思うのなら、

生のパフォーマンスでリアリティを確立し、

あるいは、

アーティストや楽曲のバックグラウンドを知って、

精神的な結び付きを作ることで、

共感の質を高めることが効果的です。

精度が高いオーディオシステムで

音楽を聴いた時に、

「まるで目の前に演奏者がいるみたいだ」という、

感覚を持つことがあると思います。

これは、まさに演奏者や、

あるいは音を発するものを実際に見た経験があって、

リアリティを体感しているからこそ、

生まれてくる感覚なのだと思います。

リアリティを高めておくと、

そのように後に音源を聴いたときにも、

その経験が蘇ってきます。

そして、

何もせずに聴いた時には感じなかったであろう、

表現のリアリティから生まれる、

自分なりのエモーションの受け取りが、

出来るものなのです。

リアリティ再現のリアルとは

音を聞くときは、

音の発生源の存在や理由の認知が重要で、

その認知は、

多少変化した音でも行われることは、

以前に書きました。

今回ここで言っている「リアリティの再現」とは、

単純に本物を認知することや、

あるいはサラウンドでの音場の再現、

など以上のことを言っています。

それでは、

音によるリアリティの再現とは、

どのようなものなのでしょうか。

一つの例で、説明したいと思います。

例えばドラムの音の再生で、

音色や鋭さや響きや余韻が再現され、

ドラムの認知ができたとします。

ここで仮に、

目の前にあるスピーカーの位置で、

実際にドラマーが演奏したとします。

演奏者の技術とエモーションによる

体の動きが生み出す、

ドラムスティックの細かでダイナミックな動き。

それが、固有のチューニングが施され、

固有の振動や共鳴を持つ、

大きな物体であるドラムやシンバルへ打ち付けられ、

それにより引き起こされる空気振動の伝播。

これらを、

他の構成音とミックスされた音楽信号を使い、

機械で再現することと比べたときに、

生の演奏と同等のリアリティを、

オーディオ機器の再生で実現することの難しいさを、

なんとなくでも想像できるのでは、ないでしょうか。

原音そのままのリアリティは、

いくらオーディオを追求したとしても、

再現することはできません。

その未実現な再生音質に

満足するのもしないのも、

すべてはリスナー自身の満足（自己満足）次第なので、

「XXは絶対にXXでなければならない」などという、

オーディオマニアにありがちな言い方は、

単なる自己満足の押し付けとも、

言えるのではないでしょうか。

音楽再生からリアリティを感じる要素には、

様々なものがあり、

人によって、

あるいはアーティストによって、

優先度が違ってきます。

そして、音を発するものの存在の認知と、

このようなリアリティの再現は、

また別の尺度を持ったものだと思います。

エモーションの伝達によって実現される、

このリアリティの再現こそが、

存在の認知を超えた、

音楽の付加価値なのではないでしょうか。

音・音色の確認

いつも後半で行っている楽曲試聴ですが、

今回はリアリティを感じる上で重要になる、

さまざまな音や音色の再現性を意識しながら、

楽曲を聴き進めていく体験を行います。

音質向上には、

解像度・明瞭度・サウンドステージ・定位・密度・レスポンスなど、

さまざまな言葉で表現される、

再生音の状態が関係してきます。

また、音楽を構成するさまざまな音の中で、

低音楽器と人の声の再現性は、

音質向上を行う時の基本となる、

重要な要素だと思います。

低音は視野の外の遠くからも伝わる、

生存に関わる重要なメッセージを含む音域です、

そして人の声も、

人間が生きていく中で、

判断を行うための重要な情報であることは、

以前にも書きました。

今回は、そのような低音楽器と、

人の声の再現性を詳しく見ることと、

それに加えて、

高い音を発する楽器パートを用いて、

高音の音色の再現と

全体の帯域バランスの確認を行います。

さまざまな楽器は、

幅広い周波数レンジの中で、

それぞれの音の領域を担うように、

意図して楽曲が構成されています。

そして、それらは効果音的な役割だけではなく、

ボーカルと同様に、

楽曲を構成するパートとして、

意図をもって演奏された音です。

表面的に聞こえる音の周囲にある、

普段はあまり気にしない

さまざまな音にも意識を向けて、

自己流でも全く構わないので、

演奏者になった気持ちで聴いてみると、

新しい発見がきっと出来るはずです。

低音の質と量の確認ポイント

低音楽器の再生音確認では、

まず以下のポイントに注目して、

聴いてみましょう。

質：

アタック、密度（重さ・軽さ）、余韻、響き、音色など

量：

単独あるいは他の音と混ざた時、

あるいは音程が変わった時も、

不自然な音量変化が起こらないか　

ほかの帯域の音との音量バランス

複数の音程や種類の低音で、質と量を確認を行っていきます。

声の再現性

声の再現性を確認する場合は、

声質に特徴があって、

さらに地声で歌うアーティストを

選ぶと良いでしょう。

地声では声帯がより振動する事で、

複雑な周波数構成の、

表情が豊かな声が出やすくなります。

このために、再生機の実力が、

より表れやすくなってきます。

再生機の周波数振幅特性や、

周波数位相特性に均一性がない場合、

特に幅広く複雑な声では、

その再生音が

ガラッと変わってしまう傾向があります。

少しハスキーで、

高音が含まれる女性ボーカルの再現に、

再生機器の特徴が出やすいのではないかと思います。

高音・ハスキー以外の声にも、

それぞれのキーとなる特徴がありますので、

男性ボーカルを含め、

さまざまなタイプのボーカルで、

質感や響きを確認してください。

高域の音の確認

ピアノ、バイオリン、シンバルなどの高音楽器で、

音のディテール表現と音色の再現を確認します。

楽曲試聴 

楽曲試聴1：　Grapevine　"Era"

ベースとバスドラムの音の確認

100Hz以下の帯域は、

バンド編成では主にバスドラムやベースなどの、

低音楽器の音で構成されています。

この他の代表的な低音楽器には、

ファゴットやチューバやティンパニーのように、

オーケストラの土台を支えるようなものもあります。

これらの低音楽器では、

リズムや深みと言った、

エモーションのバックボーンとなる表現が、

行われることが特徴です。

バスドラムとベースは

同じ音域をカバーしていますが、

音色（波形）は全く異なるものです。

これらの音を認識せずに、

楽曲を聴いている人も、

意外と多いのではないかと思います。

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このコラムの続きは、"note"で有料公開しています。

Music and Sound Quality -6 音楽再生のリアリティと音質｜はなみだんご

この後もさらに楽曲を聴きながら、その回のテーマを体験的にカバーする、ということを行なっています。

興味のある方、ぜひご覧ください。

「音楽が持つエモーションをきっかけに、

あと少し音楽へ近づくことと、

その受け取りが可能な再生音質の実現について、

もろもろ書いていきます。」

今回からしばらくは、

音や音質についてあれこれを、

書いていきたいと思います。

まず最初の回では、

音質や音楽を聴く上で基本となる、

「音を聞くこと」について

書いていきます。

はじめに

音楽の音質と一言で言っても、

例えば演奏者であったり、

あるいは演奏環境やモニター環境や

制作環境や再生環境など、

どの視点から見るのかによって、

求められるものは変わってきます。

私たちが音楽を楽しむ時に、

例えば高名な音楽プロデューサーの言葉や価値が、

そのまま当てはまるとは限りません。

ここでは主に、

一般的コンスーマー製品を使って、

日常生活環境の中で再生する

音楽の音質について、

触れていきたいと思います。

とは言っても、

カバーする内容の多くは、

それよりももっと広い場面でも、

十分使えるものになっていると

思っています。

音楽・音認知の不確実さ

"聞くこと" とは、

空気振動を聴覚の感覚器官で受け取り、

そこで生まれた感覚信号を、

最終的に脳で処理して、

認知することです。

音楽の受け取りの場合は、

信号音などの機械的な音に比べて、

送り手と受け手の感性の共鳴が、

受け取りの質に大きな影響を与えることは、

今までも話してきました。

例えば、

駅ホームの端に設置されている

青LEDライトのように、

色彩が気持ちに影響を及ぼす効果は、

様々なところで利用されています。

これと同じように、

音でも音色や音の組み合わせが、

人の基本的な感覚や感性と

直接的に結びついています。

そして、

そのような感覚や感性をもって、

作り出され受け取る音楽の音を、

数値や言葉だけで

説明することは不可能です。

物のクオリティであれば、

定義もしやすくなります。

しかし、

音質や音楽の認知は、

リスナーの個性の一部である

感覚特性に加えて、

過去の経験値にも基づいて

行われます。

そのように不定な

要素の基に行われるということは、

その個人差によって

受け取り内容そのものが、

異なってしまうことも、

当然起こり得るでしょう。

音質の実体

"音質" の明確な定義や

仕様が存在しないことは、

以前にも触れました。

そのような音質を理解するためには、

まず最初に必要なことは、

自分自身の主観的な判断軸を

確立することだと思います。

そして、その軸は

「揺るがない正解」である必要は無く、

あくまで現時点での判断軸であり、

今後経験値が増えるに従い、

随時更新されていくものです。

では、

現時点の判断軸を

確かなものにしていくためには、

どうすればよいのでしょうか。

そのためには、

まず音質を考えるときに、

音が客観的に "どの様にあるべきか" よりも、

"どのように自分に伝わるのか" という

主観的な価値から考えると、

解りやすくなる場合が、

多くなるのではないでしょうか。

このように考えると、

例えば「自分の音質判断が正しく、

他人が違っている」という考え自体が、

根拠のない物だということになるでしょう。

では音楽の音質とは何か、

と改めて問われた時に、

確実に言えることとは

「音楽のエモーションが、

より多く伝わるために必要な音のクオリティ」

であるということだと思います。

とは言っても。。。　

現実的に音質と向き合う時には、

様々な疑問が出てきます。

どの程度の音質があればよいのか
楽しめれば音質はそれで十分ではないか
ハイレゾは本当に良い音なのか
目指すべき音質は何か
そもそも正直、音質ってよく解らない。。

音質を考える前に、

まずはそもそも聴くという事は

どういうことなのか、

という事を、

次に考えていきます。

見ること、聞くこと

エンタテイメント機器や産業において、

Audio とVisualは

二つの大きな柱とも言えます。

しかし聴覚と視覚には、

それぞれの感覚の特性の違いからくる、

受け取りの差があります。

視覚の場合

まず視覚の場合、

物を見るために光が必要になります。

可視光線の波長は約0.4㎛～0.8㎛で、

これは2㎝～16mの音波と比較すると

強い直進性を持ち、

また伝達速度も非常に速いものです。

このために、見えている状態と実際の物の差異は

一般的には小さく、

その結果「見える様＝事実（リアル）」として

認知されます。

例えば、

目の前に敵の姿を認めたときには、

視覚情報である敵の容姿など、

見えたままの情報が意味を持ち、

事実として認識されます。

また見るということは、

物体で反射された光エネルギーを検知する、

という行為のことです。

この時に、見えている多くの物は、

光が当たったから見られてしまっただけで、

「見られる」ための主体性は、

一般的には低いと考えられます。

聴覚の場合

一方の聴覚の場合では、

音は空気や水など、

各種媒体の中を波動として伝わります。

音のような長い波長の特性として、

光では不可能な

非直線的経路でも伝播して、

耳まで届きます。

また音は、

活動範囲内に存在する

比較的身近なものが、

理由を持って動いた結果

発せられる場合が多く、

音にはその音が発せられたことの、

理由が含まれています。

例えば、

敵が物陰に隠れ見えなくなった時に、

その足音や息遣いが聞こえているとします。

あるいは別の例では、

地面から伝わる地鳴りなどを、

想像すると良いかもしれません。

そのような音を聞いた時は、

その音の向こうにある、

危機をもたらす可能性がある存在に、

意識が向かいます。

このように、

聞くという行為では、

音を発する存在や

その理由の認知が、

より重要な意味を持ちます。

そして

仮に音が通過する媒体の特性で、

音そのものが多少変化したとしても、

音の価値は損なわれないことになります。

映像装置での表現

以上を踏まえて、

次に現代の再生装置においての、

見ること・聞くことについて、

少し考えていきましょう。

近ごろのテレビの画質向上には、

驚くべきものがあります。

しかし、

そのような高画質な映像であっても、

現実の3次元世界そのものの感覚ではなく、

端末上に表示された2次元の高画質映像として、

情報を受け取るのではないかと思っています。

そして、映像装置上での表現そのものに、

十分な価値を認めて受け取るので、

現実世界の膨大な情報の、

正確な再現までは求めません 。

どのように高精細な映像表示であっても、

その映し出されているものの

実世界に入り込んだ時の視覚刺激を、

そのまま再現することは難しいでしょう。

それは、あくまでも、本物っぽい映像なのです。

そのような背景があるので、

テレビの画質スペックも、

実世界を見る場合との差で語るのではなく、

定量化できる機器の数値的な性能

（解像度、ビット深度、フレームレート、色域、輝度） だけで、

表されているのではないでしょうか。

また映像では、

被写体の状態の忠実な再現よりも、

例えば青空などが、

一番きれいに見えた時の、

記憶の再現に偏る傾向があります。

これは被写体自体が見られることに関して持つ、

主体性・意思・意図の度合いが低いということの、

一つの現れなのではないかと思います。

その結果、

テレビではリアリティの再現よりも、

店頭モードのように、

彩度やコントラストが高い、

人工的で印象的な絵作りの方が、

好まれるのだと思います。

僕も65インチ4Kテレビを、

昨年購入しました。

当初は4K画質に驚きつつ、

YouTubeやBS4Kをよく観ていました。

しかし、それにもすぐに慣れてしまい、

今ではリアリティがある映像というよりは、

あくまで4Kという枠の中での表現として、

受け取るようになりました。

そして視聴コンテンツの選択は、

画質やリアリティ度ではなく、

その内容や情報に価値を置いて、

選択するようになっています。

多分これは、

今後更に高画質な映像装置が出てきたとしても、

最初は「本物みたい」と驚くかもしれませんが、

直ぐに慣れてしまうという、

この繰り返しになるような気がしています。

音楽再生での表現

一方、音楽を構成する音は、

人間が主体的に意思と意図を持って、

作りだした事象です。

音源制作では、

収録後にミックスなどの加工・編集が加えられ、

作品として作り込まれます。

また再生音質は、

再生機器の特性や再生環境からも、

大きな影響を受けます。

先に述べたように、聴覚では、

感知した音の特性そのものよりも、

音を出す存在の認知に重点が置かれます。

このため、

仮に加工され変化した音であっても、

アーティストの存在は正しく認識するのです。

しかしリスナーは、

自身の再生環境、

あるいは再生音自体が、

"100%" ではないことも、

同時に理解しています。

この矛盾を解消して、

音に含まれる意思を、

更に受け取りたいという欲求が、

より "100%" に近い再生音の追求に

繋がることになります。

このため、音楽再生においては、

音を出すものをより正確に認知するために、

「音質」で語られるリアリティの再現が、

一層重要な事柄になります。

オーディオでは、

しばしば「原音再生」が言われます。

しかし映像では、「原景再現」とは言われません。

このことにも、

オーディオ機器で聴くことと、

映像機器で観ることの、

根本的な特質の違いが、

現れているのではないかと思います。

（ちなみに映像では原色再現とは言われます。

しかし「色」とは周波数スペクトルで

数値的に表せられるもので、

音でいえば周波数特性のような

定量特性の一要素です）

再生機器の進化

音の受け取りと好みには、

個人差があって当然、

と述べてきました。

そこへ加え、

先に述べたような、

再生音へのリアリティ欲求があり、

オーディオ機器は映像機器とは異なった、

進化をしてきました。

考えてみると、

蓄音機のような初期の音楽再生機器は、

テレビと同様にオールインワンの形態でした。

しかし、

より良い再生音を求めてきた歴史の中で、

プレーヤーやアンプやスピーカーの様な、

コンポーネントに分かれて、

進化をしてきました。

もしも、テレビでも、

実際に肉眼で見たときの感覚の再現に、

大きく拘っていたのであれば、

受信・信号復調・ドライブ・表示装置などの、

コンポーネントに分かれて、

進化したのかもしれません。

楽曲試聴

今回の楽曲試聴では、

今回の記事で何度も取り上げた、

「リアリティの認識」という部分にフォーカスして、

楽曲の様々な要素を意識し聴いて行きます。

楽曲試聴１：　森保まどか　"即興曲#727"

この曲では、

再生機器の基本的な性能部分を確認します。

どちらかと言えば、

楽曲のテストトーン的な

使用とも言えるかもしれません。

この曲のピアノ演奏では、

第16鍵盤 65Hz から第78鍵盤 2350Hz までの、

5オクターブの範囲のキーが使用されています。

また再生音は、ほぼそれらの

3次高調波成分（7kHz程度以下）の範囲で、

構成されています。

この曲を再生し、

主に以下の内容を確認していきます。

---------------------------------

このコラムの続きは、"note"で見ることが出来ます。
 

Music and Sound Quality -5　音の認識｜はなみだんご

この後は楽曲を聴きながら,

その回のテーマを体験的にカバーする、

ということを行なっています。

興味のある方、ぜひご覧ください。

「音楽が持つエモーションをきっかけに、

あと少し音楽へ近づくこと。

そして、その受け取りが可能な、

再生音質の実現について、

もろもろ書いていきます。

第4回目です。」

今回は、

音楽の受け渡しで重要な接点になる、

ボーカルについて思う所を、

いくつかの観点から、

書いていきたいと思います。

音楽を意識する

今までも触れてきましたが、

音楽の本質はエモーションの伝達です。

音楽は世界の共通言語と言われるように、

言葉が理解出来なくても伝わるものです。

とくに喜怒哀楽といった、

人間が基本的に持つ感情の高ぶりについては、

文化・人種・年齢・性別を越えて伝わるところが、

音楽の素晴らしさです。

例えば、

スーパーやバーゲン会場で流されている、

ノリが良い曲を聞くことで、

購買意欲が刺激されます。

あるいは、

テーマパークでの軽快な音楽で、

楽しい体験の質が向上されるなど、

BGMとして聞き流すだけでも、

大きな精神的作用を引き起こすほど、

音楽は強い力を持つものです。

そして、そのようなエモーションの伝達は、

アナウンス用のちょっとしたスピーカーでも、

十分に行われることから分かるように、

音楽にはオーディオの音質世界を越えた価値が、

あるのだと思います。

それでは、

BGMで聴くことから一歩踏み込んで、

音楽をもう少し、

自分の心に近いところで、

趣味として聴くときはどうでしょう。

そのときは、

喜怒哀楽の感情起伏の、

より具体的で細かな表現を楽しむことが、

ポイントになってきます。

簡単に言うと、

嬉しいだけではなくなぜ嬉しいのか、

あるいはどのように嬉しいのか、

それがどのように表現され、

どのように伝わるのか、

という部分に価値が出てくるのだと思います。

でもこのように、

意識的に音楽に向き合うと、

今度は自分の感性との齟齬が生じ、

否定を含めた様々な感情が沸き起こります。

その結果、

音楽に対して心を閉ざしてしまうことで、

何も伝わらなくなる、

という場合も出てきます。

聞き流していた無意識状態では

伝わっていたものが、

意識をすると伝わらなくなる。

そのようなことは、

感性で受け取る、

音楽ならではの難しさで、

本当に人間は複雑で

難しいものなのだなと思います。

人の声としてのボーカル

初回で書いた、

「谷を越える」体験を行っていく上で、

手がかりとなる要素には色々なものがあります。

今回取り上げる「ボーカル」は、

僕を含めて一般的なリスナーにとって、

分りやすい手がかりではないでしょうか。

言っていることが事実なのか、

あるいはどのような気持ちなのか、

という部分を、声そのものから感じ取る力は、

人が生活している中で、

誰にでも自然に育まれます。

その意味でボーカルは、

リスナーの感性で判断できる部分が、

多い領域と言えます。

声は声帯の振動で発生した原音を、

喉・口・鼻・胸で共鳴・増幅することで、

加工され生み出されます。

声帯自体にも個人の特徴がありますが、

更に骨格や体格、

その他の体の構成要素の形や質や量、

そして筋肉の使い方など、

さまざまな個人的特徴で

原音の変化の程度が異なります。

そのために、

声は指紋のように

個人毎に異なる特徴があり、

このことは広く知られている事実だと思います。

一方、

楽器を含む人が手を加えて作り出す人工の音は、

その再生音だけで、

再現の正確性を判断することは、

なかなか難しいのではないでしょうか。

リスナー個人の、

知識と経験の差から生じる、

受け取り方の違いは、

一般的には人の声の場合よりも、

人工音の方が大きくなります。

楽器ではありませんが、

例えば映画の製作者が、

意図して作り込んだ爆発シーンの音の再現性を、

再生機の音だけで判断することは難しいはずです。

このように直観的な判断が出来る、

ボーカルの声と聴き手の感性との共鳴程度が、

楽曲自体を判断する、

最大のポイントになることは、

比較的一般的なことではないかと思います。

語感（言葉のリズム）について

ボーカルで考えたときの、

大きな要素の一つに、

言葉の違いがあります。

次に、この言語の違いが、

音楽性の違いの大きな要因になっていることに、

触れていきます。

世界的に楽曲が受け入れられるためには、

歌詞が英語であることは、

現実的には必須条件です。

この英語と日本語の語感の違いは、

リズム・メロディ・ハーモニーを柱とした

西洋式の音楽が、

日本に広まってから現在に至るまで、

日本の音楽の大きなテーマです。

日本古来の浄瑠璃や長唄などの音楽には、

普遍的な概念としてのリズムや和音がありません。

また日本語は、

一文字ごとに母音で終わり音節が切れる、

ゆっくりとした平坦な言葉です。

そして、

例えば誰もが知っている「君が代」のように、

各音節を長く引き伸ばして発音することで、

楽曲の流れを表現しています。

またさらに、

例えば生粋の大阪人が歌う時に、

綴りとしての大阪弁はあっても、

イントネーションとしての大阪弁が

歌唱にはありません。

日本語の歌では、

日本語が本来持つ、

音の高低によるアクセントが無くなるのです。

このために日本語の楽曲では、

言葉の表情やリズム感に関わる要素の、

大きな一つが抜け落ちることになります。

これを当たり前と、思う人もいるかもしれません。

しかし、アクセントに音の高低を使う言語の中にも、

重要な言葉の音の高低が、

メロディの高低より優先されるという言語も、

世界には存在しています。

さらに発音について言えば、

日本語には母音が5種類と子音が10種類しかない、

比較的シンプルな言葉です。

このように発音がシンプルである代わりに、

語彙のバリエーションの多さで

コミュニケーションを行います。

一方の英語では、

単語は子音で終わる言葉も多く、

さらに次の単語が母音で始まる場合は、

音が単語を越えて繋がる、

リエゾンが頻繁に発生します。

また英語のアクセントはストレスといい、

楽曲とも馴染みがよい発声の強弱で行うことも、

日本語と異なる特徴になります。

さらに英語では、

母音16種類と子音25種類もあるために、

発音のバリエーション非常にが多く、

そこから生まれる豊富な口の動きによる、

発音表現の幅がとても広い言葉です。

英語では

発音の豊かさから生まれる感情表現を使って、

コミュニケーションを行います。

そのために、

音楽のボーカルにおいても、

言葉の"音"のニュアンスによる

感情表現の割合が増えます。

更に、

英語では言葉のリズムさえ保たれれば、

発音がどんどんスキップされるなど、

発音自体も曲のリズムを作るために、

大きく変化します。

またリスナーも言葉のリズムが、

マジックのように操られる様を聴くことで、

一種の快感を得ることが、

出来るのだと思います。

ヨーロッパの非英語圏の人が、

発音や語彙が十分ではなくても、

すらすらとコミュニケーションが取れてしまうほど、

言葉のリズム感というものは、

重要な伝達表現手段になっています。

このように、

英語では発音のバリエーションの豊富さが、

コミュニケーションの豊かさに繋がり、

ひいては楽曲のリズム感にも繋がります。

演奏とボーカルの音は、

決して切り離された別の要素ではなく、

お互いに融合して補い合って、

音楽の感情表現を高めます。

英語楽曲では、

この度合いが一層強くなっていくのだと思います。

音節とリエゾンとアクセントの比較

例① ：「I ‘m OK」
　日本語発音：あ・い・む・おっ・けぃ、の5音節。
　英語：アィ・モー・ケィ、の3音節。mとoが繋がり「モ」になり、ケィが強く発音される。

例② ：「Supermarket」
　日本語：す・－・ぱ・－・ま・－・け・っ・と、　9つの音。
　英語：ス　パ　マ　ケ の4つの音。ストレスは冒頭のスの音にある。

音楽表現と言語

Wikipediaによると

「各語の90%以上を理解しようとする場合、

フランス語なら約2000語、英語なら3000語、

ドイツ語なら約5000語、日本語なら10000語が

必要と言われている」

とあります。

豊富な発音の種類で、

少ない日常語彙を表現する英語ならば、

単語の部分的な音やリズムを聴くだけで、

その言葉を推測できます。

しかし、少ない発音の種類で、

多くの言葉を表現する日本語では、

言葉の「アクセント」という伝達手段を、

音楽で放棄していることも合わせて、

歌詞を伝えるためには、

各発音を明瞭にする必要が出てきます。

そのために、

邦楽では声の聞き取りやすさを優先するために、

楽器演奏は控えめになり、

洋楽のように演奏音をくっきりと、

前面に押し出し難いのではないかと思います。

このように、

日本語による歌唱表現では、

言葉のアクセントによる表現を失い、

音節は母音と子音が組み合わされた、

単調な50の音毎に区切られ、

しかも一音ごとに正しく発音しなければ、

意味が通じにくいという特徴があります。

そのような日本語での楽曲のリズム表現は、

そもそもとんでもなく大きなハンディがある、

ということが想像できると思います。

また日本人が洋楽を聴く場合では、

歌詞の意味やニュアンスが十分に

理解できないという以前に、

そもそも英語の豊富な発音を、

日本語の50音の枠に落とし込むことでしか、

脳が知覚し聞き分けることが出来ません。

また、

言葉を操る事で生まれるリズム感を、

肌感覚では理解することができず、

更に生まれ持ったリズム感自体が、

農耕民族文化に根付いた単調なものだという、

3重の壁に直面することになります。

ここで

「だから日本人がダメ」という事を、

言いたいのではありません。

音楽を楽しむ上で、

このような事実を知っていることにも、

意味があるのだと思っています。

邦楽アーティストは、

そのような違いを乗り越えて、

自分の表現を確立するために

挑戦を続けています。

音楽を聴くときに、

そのようなアーティストの表現に

気付いて受け取ることも、

音楽体験の幅を広げることに、

結びついていくのだと思います。

今回の後半の楽曲試聴部分では、

まず歌唱のリズム感に関して、

英語楽曲と日本語楽曲を数曲聴き、

その特徴を感じていきます。

そしてその次は、

歌唱の価値について

一つの切り口から考えることを行い、

最後は、

歌唱と演奏の関係性を

体験的に感じることにトライします。

---------------------------------

このコラムの続きは、"note"で見ることが出来ます。

Music and Sound Quality -4 ボーカルの表現｜はなみだんご

 

この後では、

楽曲を聴きながら、

その回のテーマを体験的にカバーする、

ということを行なっています。

興味のある方、ぜひご覧ください。

「音楽が持つエモーションをきっかけに、

あと少し音楽へ近づくことと、

その受け取りが可能な再生音質の実現について、

もろもろ書いていきます。第3回目です。」

今回は、音楽の背景にある

感性や意図へ共感してみる、

という内容で書いていきたいと思います。

個性の共鳴

パソコンで楽曲制作を行う

DTM (Desk Top Music)の普及で、

レコーディング・編集・ミキシングなどを、

比較的容易に個人で行なえるようになりました。

さらに、

様々な配信プラットフォームが生まれたことで、

楽曲流通のハードルも以前に比べ、

とても低くなりました。

そのために、

製作者の嗜好がより濃く表現された、

多くのエモーショナルな音楽が、

一般リスナーの手元にまで、

直接流通するようになっています。

そしてリスナーが音楽を聴く場面でも、

再生機器の性能向上に伴って、

パーソナルでありながら高音質な再生環境が、

手軽に実現出来るようになりました。

個性を尊重する今の時代の、

千差万別な感性に寄り添う音楽が多く作られ、

それにアクセスできる環境があり、

そして、

それを楽しむ再生環境の自由度も、

かつてないほどに増している、

ということなのではないでしょうか。

このように、

音楽の多様化が著しい状況であっても、

広く受け入れられ「誰もが良いと思う曲」は、

人間が基本的に持っている、

共通的価値観に訴えかけるもの、

と言えるかもしれません。

しかし、

「誰もが良いと思う曲」という言い方は、

同時にある種の同調圧力的な表現の可能性もあるでしょう。

本当は肌に合わない、という人も多くいるはずなのです。

人は基本的な共通価値観の上に、

個性という棘を持っていて、

その棘の部分に寄り添う音楽も、

必ずどこかに存在しているはずなのです。

そして、一つ一つの棘は、

それが特別変わってはいなくても、

いくつもの棘が作り出す個性の全体像は、

唯一無二で貴重なものなのだと思います。

誰でも聴くべき音楽が何か、

どの音楽に価値があるのか、

などと迷い考えるときがあります。

そして、

音楽をより広く深く楽しみたいと思いながらも、

実は音楽の好みが、

音楽への関心がそれほど高くない多くの人と同じ、

基本的な共通価値観の部分に留まっている、

という場合も、

案外と多くあるのかもしれません。

音楽には、

自分がまだ気付いていない、

眠っている自分の個性を再発見する、

そのためのきっかけが、

あるのではないかと思っています。

一つの例ですが、

ビートルズを知らないで、

ロック・ポップ音楽を聴くことについて、

意見を言う人をたまに見かけます。

でもそのような人も、

電磁気学の理論を知らずに、

電子レンジを使っていたりするものです。

歴史や学問として音楽に接するためには、

この例で言えば、

ビートルズは知っているべきでしょう。

しかし、

自分自身のために音楽を楽しむ時に、

歴史を背負い込む必要は全くありません。

そのように迷ったときにこそ、

自分からアプローチして、

自分の感覚で素直に良いと感じたものに、

自信を持つことが重要なはずです。

なぜなら、

それはすなわち自分自身を認め、

自分を大切にするという事だからです。

ピンとくる音楽と出会った時には

「音楽が持つエモーションをきっかけに、

あと少し音楽へ近づくことと、

その受け取りが可能な再生音質の実現について、

もろもろ書いていきます。　第2回目です。」

音楽のリアリティ

現代の音楽マーケットのジャンルは、

広く演奏される機会が多い

クラシック楽曲やスタンダードな有名曲と、

オリジナルアーティストの演奏に触れられる

リアルタイム音楽に、

大きく分けることも出来ると思います。

クラシック音楽は、

それらが作られた時は「クラシック」ではなく、

それ以前の宮廷音楽に対しての、

ラジカルで新しい音楽表現でした。

しかし当時の作曲者を取り巻く時代性を、

今、現実感を伴って理解することは困難でしょう。

そのために指揮者や演奏者が、

楽曲世界をさらに深く解釈し、

熟練の技術で演奏するという、

作曲者よりも演奏者側の理解のもとに提示されます。

そしてそれはしばしば、

我々一般的リスナーの

日常感覚とは異なった次元で展開され、

「なんか敷居が高い」

という風なことに、なってしまいがちです。

音楽のジャンルの定義は、

IT革命によって急激に変貌していますが、

本来は時代と土地のルーツに密接に関連するものです。

その意味で、今ここで生まれる音こそが、

僕たちに近く生々しいメッセージやエモーションを、

一番よく表しているとも考えられます。

リアルタイムの音楽では、

製作者と演奏者の関係が近い、

あるいは同じである場合が多く、

その意味でもより直接的で生々しい音楽表現が行われます。

そのような音楽創作のベースには、

純粋に音を生み出す喜びから、

生きていく中での喜怒哀楽、

さらには非日常のフィクションの世界まで、

アーティストが心と技術を駆使し、

生み出す音と声と言葉による表現があります。

そして

そのメッセージを伝えようとする声や姿や息遣いと、

それに直接触れたリスナーの感情が共鳴することが、

リアルタイム音楽の大きな特徴ではないでしょうか。

この共鳴が起きることで、

リスナーそれぞれにとってのリアリティが確立し、

一度それを経験した後は

たとえCDを聴くだけでも、

リアリティが感覚として湧き上がってくるのです。

収益重視のショービジネスから

パーソナルな表現まで、

世の中には様々な温度感の音楽が存在しています。

その中で「エモーションの伝達」に注目する時は、

曲に宿ったアーティストの個性に

共感できる出会いが重要になります。

音楽と日常

音楽は太古から今の時代まで、

聴く人にある種の精神的作用を

もたらすために用いられてきました。

そして

現代では分娩室から葬儀のBGMにまで、

日常的にあらゆるところで音楽が用いられており、

人生は文字通り音楽に彩られています。

そのような音楽の本質は、

エモーションの直接・直観的な

伝達なのだと思います。

そして

聴く人のバックグラウンドに関わらず、

伝わる部分が多いことが、

他のエンターテイメントや芸術に対する

特徴になると思います。

また学問とは違い、

受け手の感性で自由に解釈して楽しめる事も、

音楽が普遍的に楽しまれる理由だと思います。

より多くの音楽を、

より高音質で聴こうとするときには、

その環境を整えるために

資金や時間や知見が求められます。

けれども、

昨日よりもちょっとでも音楽に近づくことは、

誰でも今日から自分のペースで出来ることです。

そしてその時に一番必要なものは好奇心です。

好奇心があれば、

誰でも何かを今すぐにでも行うことができるのです。

けれども、もしも好奇心が無ければ、

一切何も始まりません。

新しい音楽と出会うために

人が新しい情報を受け取る時は、

過去の記憶（スキーマ）に

照らし合わせて理解を行います。

けれども、

直接結びつく記憶がない時は、

新しい判断軸となる記憶が作られ、

経験値が豊かになっていきます。

しかし、

全く脈略がない情報に対しては、

ほとんどの場合は関心を失い

排除しようとします。

このことは音楽にも当てはまります。

今よりももっと広く、

音楽を楽しみたいと思った時は、

初めて出会う

馴染みが無い音楽表現に対して、

どうしても起こってしまう拒否反応をコントロールし、

聴き続ける上で必要な

経験値を作り出すことが必要になります。

音楽という芸術表現は、

そもそも新しい可能性と

自由な表現を常に求めるものです。

もしも、

いつも限られた範囲のアーティストやジャンルしか聴かず、

"その他は何を聴けばいいのか分からない" という

ケースがあるのならば、

次の事を少し意識するのも良いかもしれません。

通常、拒否反応からくる違和感は、

深く険しい断崖の谷のように、

楽曲とリスナーの間に現れます。

特に個性的なアーティストの場合、

その谷は来るものを拒むように、

むき出しのまま存在していることもあります。

そしてその様な谷を、

何の手立ても無く渡ることは

実際にかなり困難です。

けれども多くのアーティストは、

歌声の響きや歌詞表現や

リズムやメロディーや演奏などで

安全ネットを張り、

リスナーが谷を超えるための

手を差し伸べてくれています。

そして

一人の人間としてのアーティストが、

曲に込めた心情を思い、

歌詞やメロディーや演奏に耳を傾けて、

その谷を思い切って越えた時には、

時には小さな気づきが、

あるいはもしかすると、

もっと大きな共感が

待っているかもしれません。

もちろん、

どうしても合わないタイプの音楽に、

つらい思いをして向き合う必要は

まったくありません。

しかし

少しでも何かを感じたのであれば、

それをきっかけとして、

谷越えにチャレンジしてみましょう。

仮に自分の好みとは異なる音楽だったとしても、

その音楽（＝生み出した人）に対して

謙虚でニュートラルな立場で接し、

そしてあと少しでも良いので、

心を開いて、寄り添う気持ちを持ってみましょう。

音楽に慣れ親しむほど

「このような物」という勝手な解釈で、

一方的に断じてしまうことも多くなってしまいます。

けれども音楽の奥深さを知ることで、

音楽やその創作に対して、

謙虚な気持ちを持つという事が出来れば、

とても素晴らしい音楽生活が、

送れるのではないかと思います。

そしてアーティストに関しても、

音楽ビジネスで担ぎ出された、

単なる偶像としてではなく、

リアルな一人の自己表現者として、

尊敬をしなくてもいいのですが、

ある種の敬意を持って向き合っていければ、

きっと新たな発見が広がっていくはずです。

音楽を受け取る時に、

どのような音質の再生機器で音楽を鳴らしたとしても、

そこから伝わるものは必ずあります。

しかし聴く我々の心が開かれていなければ

何も伝わらないのです。

このコラムの後半では、

毎回いくつかの楽曲を

テーマの例として取り上げていく予定です。

全く僕個人の好みによる選曲なのですが、

ここでその曲を押し付けるつもりは全くありません。

それよりも、より質の高い受け取りを目指すために、

まずは解りやすい楽曲を用いて、

主観的な音楽体験を模擬的に

行っていきたいと思っています。

楽曲試聴

１．谷を越える体験

これからは今までの内容についての

具体的な体験を、

いくつかの楽曲を例に使い

おこなっていきたいと思います。

ぜひ最後まで、気楽にお付き合いください。

---------------------------------

このコラムの続きは、"note"で見ることが出来ます。

Music and Sound Quality -2 谷を越える｜はなみだんご

 

この後は、楽曲を聴きながら、その回のテーマを体験的にカバーする、ということを行なっています。
 

興味のある方、ぜひご覧ください。

はじめに

音楽ってありふれていて当たり前なもので、

日々の生活の中で当然のように、

あらゆるところで耳にします。

でもその価値は人や場合によって様々で

その実体は一言ではなかなか捉え難いもの。

そしてその世界に入り込めば、人の一生を費やしても、

その全体像を理解できないほど奥深いもの。

音楽ってなに？

そのように思うことが度々あり、その中で形作ってきた、

僕なりの音楽や音楽再生についての 、

“もろもろ” な思いを少し纏めててみようと、

このMusic and Sound Qualityと題したコラムを、スタートすることにしました。

音楽に深く関わっている方にとって、

ここに書く内容は多分に稚拙なものかもしれません。

でも、どのような音楽を聴けばいいのか悩んでいる人、

興味はあるけれど今一つ音楽に関心を深められない人、

音質の差が良く分からない人、

このような人達は、私の周りにもごく普通にいるのです。

私も含め、音楽に対してはついつい色々な、

固定概念や先入観を持ってしまいがちです。

これからここで書いていくものが、

可能ならば少しでもそのようなものを分解して、

人の根幹から湧き出るエモーションのようなものをトリガーにして、

あと少し音楽へ近づくきっかけになればと思っています。

そして同時に、

音楽の受け取りに適した音質実現へのヒントになる、

考え方や体験も提供できれば良いかなと考えています。

もちろん音楽に一つの正解はなく、

人それぞれの考え方や楽しみ方があることも、

音楽の素晴らしさの一つです。

そして求めるものによって、

あるべき音も当然異なってくるでしょう。

ここに書く僕個人の考えが、

読者の皆さんに必ずしもフィットするとは思っていません。

しかしそれらが、

仮に極めて小さな角度から見たものだったとしても、

それが手がかりとなって、

音楽への理解と愛情が更に深まり、

ひいてはそれぞれの答えを見つけるための、

きっかけになることを願って、

書いていきたいと思います。

音楽のエモーションの伝達

オーディオ機器を用いた日常的な音楽再生体験から、

人は何を求めるのでしょうか。

もちろん人によって違ってくるとは思うけれど、

それでも基本的には誰もが自分なりの”良い音”で、

音楽が再生されることを望んでいると思います。

その"良い音"も人によって違ったりもしますが、

それでも一般的には、

「音源が持つ情報を余すことなく再現する」ことを、

拒む人は少ないと思います。

でもそれは言うは易し．．．　　

それを追求しだすと、

多くの資金と時間と知見を使い、

環境を整えることが求められてきます。

もちろんそのような多くの努力と工夫で、

実現された音の素晴らしさは、

程度の差があるにしても聴いた人には必ず伝わるものです。

そのため、僕の周りにいる、

自称 “オーディオの権威” おじさんなどは、

「音質を理解するためには良い音を聴けばよい」などという、

少々乱暴なことを言う人もいます。

けれども僕たちのような一般的なリスナーは、

たとえ良い音を聴いたとしても、

それが自分の音の理解や、

再生環境改善に直ちに結びつくことは限りません。

それでは一般的な音響機器を使っている一般的リスナーが、

音楽と音質の両方を楽しむためには、

どのようにすればよいのでしょうか？

その一つの道筋として、

音楽が持つエモーションをトリガーとして、もう一歩音楽に近付いていく、

というものがあるのではないかと思っています。

そして音楽をもっと近い距離感で楽しむことが出来たのなら、

それがエモーションがうまく伝わる音質の判断軸の確立にも、

繋がるのではないかなと思っています。

再生音のひとつの考え方

再生音質はエモーションの伝達にとって重要なファクターですが、

同時に音楽は音質を越えた力を持っていることも事実です。

様々な音楽が、

世界の何処かで日々誰かの気持ちを後押しし、

その人の行動を支え、

新たなステージに押し上げる、

パワーの原動力になるということが、

実際にあらゆる所で日常的に起こっています。

そして広い世界を見回せば、

例えば安いイヤホンや、

携帯のスピーカーで音割れしながらの再生で、

それが実現されている場合がかなり多いのです。

再生音の音質の基準は、

時代のテクノロジーの進歩とともに、

大きく変わってきました。

でも音楽の本質と言える、

エモーションの受け取りに関する感性は、

昔から変わらず誰もが持っているものだと思います。

蓄音機の音を始めて聴いた人も、

今から見ればかなり低い音質レベルであったにもかかわらず、

再生された音楽によって、

今の僕たちと同じように感動したのではないでしょうか。

高度なテクニックで表現される、

素晴らしい演奏や歌唱を聴くことは、

音楽の代表的な楽しみ方でしょう。

けれどもその時に音楽の「音」を聞き取ることに

意識がフォーカスされ過ぎると、

もしかすると意識が再生機器やその環境、

演奏技術や歌唱スキル、

あるいは音の構成や音楽理論という、

技術的な部分へのアプローチに偏ってしまう

可能性もあるのではと思っています。

話はすこし変わりますが、

オーディオ機器の設計現場では、

様々な測定ツールやシミュレーターが用いられます。

そして設計・評価・製造などに関する、

様々な基準に従って進められていきます。

でもこのように書くと、

驚かれる方もいるかもしれませんが、

私が見聞きしてきた経験から言うと、

エモーションの伝達の実現という、

仕様や基準で表すことが難しい部分に関しては、

特に普及クラスになるほど、

意外と設計者個人の裁量に任されていて、

業務としてはフォローされていないケースが多いのです。

なぜそのようなことになるのかというと、

音楽表現によって伝わる

エモーションの受け取りや感じ方が、

人により千差万別で自由であることが

音楽の素晴らしさです。

しかしその反面、

そのことが定量的な基準で判断する、

理系的な設計現場には

決定的に馴染まない事柄だからなのです。

「音質を意識して音を分析的に聴く」ことと、

「音質を意識して音楽のエモーションに触れる」ことは、

必ずしも同じベクトルではなく、

また「音質とエモーションの伝達」には

必ずしも一定の関係性があるのではない

のです。

エモーションの受け取りを行うには

エモーションの受け取りに注目したとき、

アーティストや楽曲とリスナーの間に、

共鳴や共感がおきることは、

欠かせない重要な事柄です。

言い換えれば、

音楽のエモーションの受け取りに求められる音質を考えたとき、

分析的・客観的な判断以上に、

自分の中で響く音を

主観的な感覚として判断出来ることが、

重要になるのだと思います。

周波数特性のように、

分析的な客観性で取り扱う「音特性」は、

測定器による計測が可能ですが、

実は「音質」を測る測定器というものは

存在していません。

音楽のエモーションの受け取りに

求められる音質とは、

感覚や感性やエモーションが絡まない、

機械的な「音特性」の測定値だけではなく、

別のところにもあるのだと思います。

このあたりについては、今後「音質」のテーマで

詳しく書いていきたいと思っています。

音質改善を行っていくときに、

一般的には

例えば特定の音の再現性を見るような、

表層的な音にフォーカスするアプローチや、

あるいは

音響・音特性に関する技術やノウハウなどの、

ハイファイ的でマニアックなアプローチなどがあります。

しかしエモーションの伝達が出来る

音質を求めるときには、

それら以外にも、

必要なものがあるのではないか

と思っています。

演奏者が

楽曲世界に入り込んで演奏するように、

音楽再生の場でも

共感という側面から音楽にアプローチして、

その音楽に込められたエモーションを、

一人のリスナーとして主観的に感じるという事が、

重要になってくるのだと思います。

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このコラムの続きは、"note"で見ることが出来ます。

Music and Sound Quality - 1　音楽のエモーション｜はなみだんご

この後は楽曲を聴きながら、

その回のテーマを体験的にカバーする、

ということを行なっていきたいと思います。

興味のある方、ぜひご覧ください。