岡本太郎の記念館に行ってきた。

表参道を根津美術館の方へ歩いてゆく、

大通りをそれて、小道を一本入った住宅地の中にひっそりとそれはあった。

岡本氏の生前はアトリエ住居として使っていた青山の邸宅。

カフェや受付があり、作品に彩られはしていたが、彼の生活の香りを色濃く残していた。

●一体の人形

受付を通り過ぎ、館内を回る。

アトリエへ通じる通路へ入り込むと、岡本太郎を精巧に模した人形がこちらを凝視している。

ぼくはそれにハッとした。

彼がぼくを力強い目で見つめていた。

人形でありながらも、どこか懐かしい生気に満ちた眼差しは、

どんな生きた人間よりも力を放っていた。

人形ですらこれなのだ、

本人はどうだったのだろう。

形を模したものにはその力が宿るという。

だから人間は古代より神々を型どり、信仰してきた。

絵描きも、キャリアを重ねると、

インスタレーション、物体芸術に足を伸ばしていく者がいる。

岡本太郎はそんな芸術家だった。

形の中の美は、それを超越した根源的な力とつながるのだ。

ビジュアルアートというのは、枠組みに囲まれた平面の中に全てがある。

それは、手の届くようで手の届かぬ世界。

触れることの叶わぬ世界だ。

オブジェクトを作るというのは、その触れられぬ儚さを克服するための試みだ。

ぼくたちは、作ることによって生かされる。

それは儚い夢のようで、その実態を確かめるために、確かなオブジェクトにすがりたい。

一体の人形は、そんなことを教えてくれた。

●アトリエにふれて

アトリエは筆やキャンバスに溢れながらも、整然としたオーラを放っていた。

本人人形のような、凝縮された純然たるパワーではなく、引き込まれていくような静かな力。

墨が水に溶けていくのをじっと見つめているような感覚を覚える。

岡本太郎が制作に勤しんだ場所。

筆の一本一本は、擦り切れて、変色している。

しかしそれはまだ生きていた。

場所には力が宿る。

京都や高野山といった、古来からの伝統を残す場所へ行くと、そんな感覚が溢れてくる。

場所が生きているのを身体全身で感じるのだ。

ぼくがこのアトリエで感じたのも、そんな感覚だった。

モニュメント作品がいくつか置かれ、使いかけのキャンバスが棚にしまいこまれている。

ここで創造がまさに起こっている。

そんなことを感じる。

彼の信念として、

「創造とは自らのうちに新しいホリゾンを打ちたてることだ」

というものがある。

何かを具体的に作ることだけが創造ではない。

鑑賞もまた創造たりえるのだ。

何かを観て、自分の内的感覚に新たな１ページを加える。

すると、その瞬間から自分は作り変えられて、新しい存在となるのだ。

アトリエをこの目で見て、新しい内的感覚を呼び起こすということは、

ぼく自身の中に新しい水平線を見せてくれた。

アーティストというのは、繊細で、影響を受けやすい。

無意識に影響を与えられ、自分の表現は変化していく。

何かに触れるというのは、自分を作りかえることなのだ。

岡本太郎の記念館に行ってきた。

表参道を根津美術館の方へ歩いてゆく、

大通りをそれて、小道を一本入った住宅地の中にひっそりとそれはあった。

岡本氏の生前はアトリエ住居として使っていた青山の邸宅。

カフェや受付があり、作品に彩られはしていたが、彼の生活の香りを色濃く残していた。

●一体の人形

受付を通り過ぎ、館内を回る。

アトリエへ通じる通路へ入り込むと、岡本太郎を精巧に模した人形がこちらを凝視している。

ぼくはそれにハッとした。

彼がぼくを力強い目で見つめていた。

人形でありながらも、どこか懐かしい生気に満ちた眼差しは、

どんな生きた人間よりも力を放っていた。

人形ですらこれなのだ、

本人はどうだったのだろう。

形を模したものにはその力が宿るという。

だから人間は古代より神々を型どり、信仰してきた。

絵描きも、キャリアを重ねると、

インスタレーション、物体芸術に足を伸ばしていく者がいる。

岡本太郎はそんな芸術家だった。

形の中の美は、それを超越した根源的な力とつながるのだ。

ビジュアルアートというのは、枠組みに囲まれた平面の中に全てがある。

それは、手の届くようで手の届かぬ世界。

触れることの叶わぬ世界だ。

オブジェクトを作るというのは、その触れられぬ儚さを克服するための試みだ。

ぼくたちは、作ることによって生かされる。

それは儚い夢のようで、その実態を確かめるために、確かなオブジェクトにすがりたい。

一体の人形は、そんなことを教えてくれた。

●アトリエにふれて

アトリエは筆やキャンバスに溢れながらも、整然としたオーラを放っていた。

本人人形のような、凝縮された純然たるパワーではなく、引き込まれていくような静かな力。

墨が水に溶けていくのをじっと見つめているような感覚を覚える。

岡本太郎が制作に勤しんだ場所。

筆の一本一本は、擦り切れて、変色している。

しかしそれはまだ生きていた。

場所には力が宿る。

京都や高野山といった、古来からの伝統を残す場所へ行くと、そんな感覚が溢れてくる。

場所が生きているのを身体全身で感じるのだ。

ぼくがこのアトリエで感じたのも、そんな感覚だった。

モニュメント作品がいくつか置かれ、使いかけのキャンバスが棚にしまいこまれている。

ここで創造がまさに起こっている。

そんなことを感じる。

彼の信念として、

「創造とは自らのうちに新しいホリゾンを打ちたてることだ」

というものがある。

何かを具体的に作ることだけが創造ではない。

鑑賞もまた創造たりえるのだ。

何かを観て、自分の内的感覚に新たな１ページを加える。

すると、その瞬間から自分は作り変えられて、新しい存在となるのだ。

アトリエをこの目で見て、新しい内的感覚を呼び起こすということは、

ぼく自身の中に新しい水平線を見せてくれた。

アーティストというのは、繊細で、影響を受けやすい。

無意識に影響を与えられ、自分の表現は変化していく。

何かに触れるというのは、自分を作りかえることなのだ。

岡本太郎の記念館に行ってきた。

表参道を根津美術館の方へ歩いてゆく、

大通りをそれて、小道を一本入った住宅地の中にひっそりとそれはあった。

岡本氏の生前はアトリエ住居として使っていた青山の邸宅。

カフェや受付があり、作品に彩られはしていたが、彼の生活の香りを色濃く残していた。

●一体の人形

受付を通り過ぎ、館内を回る。

アトリエへ通じる通路へ入り込むと、岡本太郎を精巧に模した人形がこちらを凝視している。

ぼくはそれにハッとした。

彼がぼくを力強い目で見つめていた。

人形でありながらも、どこか懐かしい生気に満ちた眼差しは、

どんな生きた人間よりも力を放っていた。

人形ですらこれなのだ、

本人はどうだったのだろう。

形を模したものにはその力が宿るという。

だから人間は古代より神々を型どり、信仰してきた。

絵描きも、キャリアを重ねると、

インスタレーション、物体芸術に足を伸ばしていく者がいる。

岡本太郎はそんな芸術家だった。

形の中の美は、それを超越した根源的な力とつながるのだ。

ビジュアルアートというのは、枠組みに囲まれた平面の中に全てがある。

それは、手の届くようで手の届かぬ世界。

触れることの叶わぬ世界だ。

オブジェクトを作るというのは、その触れられぬ儚さを克服するための試みだ。

ぼくたちは、作ることによって生かされる。

それは儚い夢のようで、その実態を確かめるために、確かなオブジェクトにすがりたい。

一体の人形は、そんなことを教えてくれた。

●アトリエにふれて

アトリエは筆やキャンバスに溢れながらも、整然としたオーラを放っていた。

本人人形のような、凝縮された純然たるパワーではなく、引き込まれていくような静かな力。

墨が水に溶けていくのをじっと見つめているような感覚を覚える。

岡本太郎が制作に勤しんだ場所。

筆の一本一本は、擦り切れて、変色している。

しかしそれはまだ生きていた。

場所には力が宿る。

京都や高野山といった、古来からの伝統を残す場所へ行くと、そんな感覚が溢れてくる。

場所が生きているのを身体全身で感じるのだ。

ぼくがこのアトリエで感じたのも、そんな感覚だった。

モニュメント作品がいくつか置かれ、使いかけのキャンバスが棚にしまいこまれている。

ここで創造がまさに起こっている。

そんなことを感じる。

彼の信念として、

「創造とは自らのうちに新しいホリゾンを打ちたてることだ」

というものがある。

何かを具体的に作ることだけが創造ではない。

鑑賞もまた創造たりえるのだ。

何かを観て、自分の内的感覚に新たな１ページを加える。

すると、その瞬間から自分は作り変えられて、新しい存在となるのだ。

アトリエをこの目で見て、新しい内的感覚を呼び起こすということは、

ぼく自身の中に新しい水平線を見せてくれた。

アーティストというのは、繊細で、影響を受けやすい。

無意識に影響を与えられ、自分の表現は変化していく。

何かに触れるというのは、自分を作りかえることなのだ。

岡本太郎の記念館に行ってきた。

表参道を根津美術館の方へ歩いてゆく、

大通りをそれて、小道を一本入った住宅地の中にひっそりとそれはあった。

岡本氏の生前はアトリエ住居として使っていた青山の邸宅。

カフェや受付があり、作品に彩られはしていたが、彼の生活の香りを色濃く残していた。

●一体の人形

受付を通り過ぎ、館内を回る。

アトリエへ通じる通路へ入り込むと、岡本太郎を精巧に模した人形がこちらを凝視している。

ぼくはそれにハッとした。

彼がぼくを力強い目で見つめていた。

人形でありながらも、どこか懐かしい生気に満ちた眼差しは、

どんな生きた人間よりも力を放っていた。

人形ですらこれなのだ、

本人はどうだったのだろう。

形を模したものにはその力が宿るという。

だから人間は古代より神々を型どり、信仰してきた。

絵描きも、キャリアを重ねると、

インスタレーション、物体芸術に足を伸ばしていく者がいる。

岡本太郎はそんな芸術家だった。

形の中の美は、それを超越した根源的な力とつながるのだ。

ビジュアルアートというのは、枠組みに囲まれた平面の中に全てがある。

それは、手の届くようで手の届かぬ世界。

触れることの叶わぬ世界だ。

オブジェクトを作るというのは、その触れられぬ儚さを克服するための試みだ。

ぼくたちは、作ることによって生かされる。

それは儚い夢のようで、その実態を確かめるために、確かなオブジェクトにすがりたい。

一体の人形は、そんなことを教えてくれた。

●アトリエにふれて

アトリエは筆やキャンバスに溢れながらも、整然としたオーラを放っていた。

本人人形のような、凝縮された純然たるパワーではなく、引き込まれていくような静かな力。

墨が水に溶けていくのをじっと見つめているような感覚を覚える。

岡本太郎が制作に勤しんだ場所。

筆の一本一本は、擦り切れて、変色している。

しかしそれはまだ生きていた。

場所には力が宿る。

京都や高野山といった、古来からの伝統を残す場所へ行くと、そんな感覚が溢れてくる。

場所が生きているのを身体全身で感じるのだ。

ぼくがこのアトリエで感じたのも、そんな感覚だった。

モニュメント作品がいくつか置かれ、使いかけのキャンバスが棚にしまいこまれている。

ここで創造がまさに起こっている。

そんなことを感じる。

彼の信念として、

「創造とは自らのうちに新しいホリゾンを打ちたてることだ」

というものがある。

何かを具体的に作ることだけが創造ではない。

鑑賞もまた創造たりえるのだ。

何かを観て、自分の内的感覚に新たな１ページを加える。

すると、その瞬間から自分は作り変えられて、新しい存在となるのだ。

アトリエをこの目で見て、新しい内的感覚を呼び起こすということは、

ぼく自身の中に新しい水平線を見せてくれた。

アーティストというのは、繊細で、影響を受けやすい。

無意識に影響を与えられ、自分の表現は変化していく。

何かに触れるというのは、自分を作りかえることなのだ。

東京に初雪が降った。

雪が降る世界は別世界だ。

白雪の神秘の光は、目を捉えて離さない。

しんしんと降り続く雪。

街は不思議としずまりかえっているように聞こえる。

ぼくは雪が好きだ。

白銀に包まれた街は、普段より光が増えている。

その光は特別な意味を放っているのだ。

雪の日の街。

ソニーのミラーレスカメラを片手にブラブラと歩いていく。

見慣れたはずの故郷の街も、

雪景色に包まれると新鮮だ。

なんとなくいいと思ったものに向かってシャッターを切る。

そこに意味はない。

ただシャッターを切り続ける。

雪の日はモノクロで撮りたい。

コントラストの効いた、美しい白黒で。

そうでなければ、青みがかった画がいいと思う。

歩いて近くの公園に行く。

庭園のような公園は、白い世界になっていた。

美しい庭園には、二人の子どもが雪合戦をしている。

他には誰もいない。

静かな公園には、元気な声が響いていた。

東京の人々は、雪が降ると外に出ない。

それはとてももったいないと思う。

年に数回の雪だから、こんな日はだいたいみんな家にいる。

休みの日となればなおさらだ。

でもぼくは逆だ。

雪の日こそ、外に出たい。

外に出て、いつもと違う光景を眺めたい。

少しいつもより寒いけど、それに慣れれば自然が作る美を楽しめる。

それは新鮮な驚きを発見させてくれるのだ。

雪はいいな。

東京に初雪が降った。

雪が降る世界は別世界だ。

白雪の神秘の光は、目を捉えて離さない。

しんしんと降り続く雪。

街は不思議としずまりかえっているように聞こえる。

ぼくは雪が好きだ。

白銀に包まれた街は、普段より光が増えている。

その光は特別な意味を放っているのだ。

雪の日の街。

ソニーのミラーレスカメラを片手にブラブラと歩いていく。

見慣れたはずの故郷の街も、

雪景色に包まれると新鮮だ。

なんとなくいいと思ったものに向かってシャッターを切る。

そこに意味はない。

ただシャッターを切り続ける。

雪の日はモノクロで撮りたい。

コントラストの効いた、美しい白黒で。

そうでなければ、青みがかった画がいいと思う。

歩いて近くの公園に行く。

庭園のような公園は、白い世界になっていた。

美しい庭園には、二人の子どもが雪合戦をしている。

他には誰もいない。

静かな公園には、元気な声が響いていた。

東京の人々は、雪が降ると外に出ない。

それはとてももったいないと思う。

年に数回の雪だから、こんな日はだいたいみんな家にいる。

休みの日となればなおさらだ。

でもぼくは逆だ。

雪の日こそ、外に出たい。

外に出て、いつもと違う光景を眺めたい。

少しいつもより寒いけど、それに慣れれば自然が作る美を楽しめる。

それは新鮮な驚きを発見させてくれるのだ。

雪はいいな。

東京に初雪が降った。

雪が降る世界は別世界だ。

白雪の神秘の光は、目を捉えて離さない。

しんしんと降り続く雪。

街は不思議としずまりかえっているように聞こえる。

ぼくは雪が好きだ。

白銀に包まれた街は、普段より光が増えている。

その光は特別な意味を放っているのだ。

雪の日の街。

ソニーのミラーレスカメラを片手にブラブラと歩いていく。

見慣れたはずの故郷の街も、

雪景色に包まれると新鮮だ。

なんとなくいいと思ったものに向かってシャッターを切る。

そこに意味はない。

ただシャッターを切り続ける。

雪の日はモノクロで撮りたい。

コントラストの効いた、美しい白黒で。

そうでなければ、青みがかった画がいいと思う。

歩いて近くの公園に行く。

庭園のような公園は、白い世界になっていた。

美しい庭園には、二人の子どもが雪合戦をしている。

他には誰もいない。

静かな公園には、元気な声が響いていた。

東京の人々は、雪が降ると外に出ない。

それはとてももったいないと思う。

年に数回の雪だから、こんな日はだいたいみんな家にいる。

休みの日となればなおさらだ。

でもぼくは逆だ。

雪の日こそ、外に出たい。

外に出て、いつもと違う光景を眺めたい。

少しいつもより寒いけど、それに慣れれば自然が作る美を楽しめる。

それは新鮮な驚きを発見させてくれるのだ。

雪はいいな。

アートにおいて、「オリジナル」とは一体なんなのでしょうか。

表現者は、インプットを大事にします。

良いものを見たり聞いたり、体験することで、

それが自分の感性の海に沈んでいって、次の自分の表現の大地となるからです。

ここで問題になるのは、出てきた「新しい表現」が自分のものなのかということです。

新しい絵を描く。

それはもしかしたら、ピカソやゴッホの影響を色濃く残しているかもしれません。

人間は、良いと思うものを自然と取り込みます。

だから、影響を受けるのは仕方のないことだし、

影響を受けるからこそ、良いものを作ることができます。

でも、オリジナリティを主張する上ではどうなのでしょう。

ぼくは、一人のアーティストとして、

「オリジナルの表現は存在する」と考えています。

ピカソの絵を見るという体験。

それは一見、ピカソの方から投げ込まれたボールのように見えます。

しかし、実際は「藤田遼太郎が体験したピカソ」なのです。

ピカソはぼくのフィルターを通して、ぼくの中に入ってきます。

ピカソをどう解釈するかは、観る人次第なのです。

体験はオリジナリティである。

それが表出した結果である表現も、当然オリジナリティである。

だから、ぼくは、誰にでも、オリジナリティはあると思います。

●自分の中のモチーフ

人には皆、自分にとって印象深いモチーフがあります。

表現者の場合、それが「特に表現したいもの」となって現れます。

画家であれば、描きたいもの。

写真家であれば、撮りたいもの。

小説家であれば、書きたいもの。

ぼく自身の画家としての面でいうと、ひたすらそのときに惹かれるモチーフを繰り返し描いていました。

少し前は、墨で塗った黒地に白いアクリル絵の具で山や太陽、月、波などのモチーフを組み合わせて描くのが好きでした。

似たような絵を100枚は描いたと思います。

そうしたら最近、図形や立体で表現する抽象画のイメージ衝動が出てきたんです。

きっかけはデッサンでした。

自然物をデッサンしていて、あるとき、バナナを詳細にデッサンしました。

そのあとから、デッサンで描き込むことがつまらないと思うようになりました。

輪郭と影を描いて、一通りそれが何かわかるくらいデッサンしたら、

そこには、もうゴールが見えています。

それがひどくつまらないものに思えました。

その退屈さから逃れるために、

その時のぼくは、ひたすら立体を描いていました。

描きかけのバナナの四方に描かれる無数の立方体や四角錐。

ある時、そうした立体や図形だけで、1枚の絵になるんじゃないかと思い、

落書きじゃなくて画として描くことにしました。

●

今の図形抽象画シリーズは、ぼくの中のモチーフとしては第二波となります。

第一波のモチーフ群は、山、太陽、月、塔、波といった、自然物でした。

今回は、純粋な立体と図形、線を組み合わせることで画を作っています。

モチーフが変わったわけではありません。

今でも第一波のモチーフは描きます。

ただ、表現の引き出しが広がったのです。

どれも、好きな作家の影響は受けているでしょう。

ただ、それはそれでいいと思っています。

アートはもともと、誰のものでもありません。

アーティストはアートの道であり、導線です。

似ている表現だったとしても、

それが自分の「表現したい」という衝動から出ているのであれば、

構わないとぼくは考えています。

逆に、誰かに作風を寄せたとしても、

線の末端にその人らしさは出てしまいます。

これは覆いようのないものです。

この「違い」こそが、オリジナリティだと思います。

アートにおいて、「オリジナル」とは一体なんなのでしょうか。

表現者は、インプットを大事にします。

良いものを見たり聞いたり、体験することで、

それが自分の感性の海に沈んでいって、次の自分の表現の大地となるからです。

ここで問題になるのは、出てきた「新しい表現」が自分のものなのかということです。

新しい絵を描く。

それはもしかしたら、ピカソやゴッホの影響を色濃く残しているかもしれません。

人間は、良いと思うものを自然と取り込みます。

だから、影響を受けるのは仕方のないことだし、

影響を受けるからこそ、良いものを作ることができます。

でも、オリジナリティを主張する上ではどうなのでしょう。

ぼくは、一人のアーティストとして、

「オリジナルの表現は存在する」と考えています。

ピカソの絵を見るという体験。

それは一見、ピカソの方から投げ込まれたボールのように見えます。

しかし、実際は「藤田遼太郎が体験したピカソ」なのです。

ピカソはぼくのフィルターを通して、ぼくの中に入ってきます。

ピカソをどう解釈するかは、観る人次第なのです。

体験はオリジナリティである。

それが表出した結果である表現も、当然オリジナリティである。

だから、ぼくは、誰にでも、オリジナリティはあると思います。

●自分の中のモチーフ

人には皆、自分にとって印象深いモチーフがあります。

表現者の場合、それが「特に表現したいもの」となって現れます。

画家であれば、描きたいもの。

写真家であれば、撮りたいもの。

小説家であれば、書きたいもの。

ぼく自身の画家としての面でいうと、ひたすらそのときに惹かれるモチーフを繰り返し描いていました。

少し前は、墨で塗った黒地に白いアクリル絵の具で山や太陽、月、波などのモチーフを組み合わせて描くのが好きでした。

似たような絵を100枚は描いたと思います。

そうしたら最近、図形や立体で表現する抽象画のイメージ衝動が出てきたんです。

きっかけはデッサンでした。

自然物をデッサンしていて、あるとき、バナナを詳細にデッサンしました。

そのあとから、デッサンで描き込むことがつまらないと思うようになりました。

輪郭と影を描いて、一通りそれが何かわかるくらいデッサンしたら、

そこには、もうゴールが見えています。

それがひどくつまらないものに思えました。

その退屈さから逃れるために、

その時のぼくは、ひたすら立体を描いていました。

描きかけのバナナの四方に描かれる無数の立方体や四角錐。

ある時、そうした立体や図形だけで、1枚の絵になるんじゃないかと思い、

落書きじゃなくて画として描くことにしました。

●

今の図形抽象画シリーズは、ぼくの中のモチーフとしては第二波となります。

第一波のモチーフ群は、山、太陽、月、塔、波といった、自然物でした。

今回は、純粋な立体と図形、線を組み合わせることで画を作っています。

モチーフが変わったわけではありません。

今でも第一波のモチーフは描きます。

ただ、表現の引き出しが広がったのです。

どれも、好きな作家の影響は受けているでしょう。

ただ、それはそれでいいと思っています。

アートはもともと、誰のものでもありません。

アーティストはアートの道であり、導線です。

似ている表現だったとしても、

それが自分の「表現したい」という衝動から出ているのであれば、

構わないとぼくは考えています。

逆に、誰かに作風を寄せたとしても、

線の末端にその人らしさは出てしまいます。

これは覆いようのないものです。

この「違い」こそが、オリジナリティだと思います。

写真を撮るなら何がいいんだろう。

一眼にミラーレス、スマホ

選択肢はたくさんある。

ぼくは、手軽な選択肢、iPhoneでもよく撮る。

写真におけるスマホ領域について書いてみた。

●iPhone領域

ぼくはiphoneでも写真をガンガン撮る。

毎日持っているもので、すぐにポケットから取り出せる。

こんな素晴らしいカメラは他にはない。

（アンドロイドは使ったことがないのでわからない。

ぼくは初めてスマホを持った瞬間からずっとAppleだった。）

実は、起動に関しては、一眼の方がストレスフリーだ。

スイッチがアナログのつまみだから、

構えた瞬間に起動することができるのだ。

大きな一眼の問題はバッグから出すとき。

山に登っていたり、人を撮るときなど、

撮影モードに入っていれば、

常に右手に一眼を持っているからいい。

でも、日常のふとした瞬間を撮りたいとき、

バックパックを背中から下ろして・・・

とやっていると、非常にストレスフル。

そんな時に、ポケットからパッと出せるiphoneがいいのだ。

パッと出して

パッとつけて

パッと撮れる

設定は何もいらない。

カラーフィルターをかければ、

簡単にいい感じの写真が撮れる。

こんないいものがポケットに入っているなんて

ぼくはなんて幸せなんだろうとたまに思う。

こだわり始めると、

全部一眼で撮りたくなるけど、

そんな必要もないことに気がついた。

Iphoneの画質はいいのだ。

流れの中で、

ストレスなく撮っていく。

これが、アートとしての写真には必要なのだろうと感じている。